Cai Guo-Qiang dans "Énergie" - Saison 3 - "L'art du vingt-et-unième siècle" | Art21

Art21 sont heureux de présenter une séquence artistique sur Cai Gui-Qiang dans l'épisode "Énergie" de la Saison 3 de la série "L'art du vingt-et-unième siècle".

"Énergie" a été diffusé pour la première fois en septembre 2005 sur PBS.

Cai Guo-Qiang canalise la puissance explosive de la poudre pour créer des œuvres épiques, engendrées lors de performances de terrain brutes. Pour le spectacle "Inopportun" de MASS MoCA, Cai explore la catastrophe, la douleur et la signification du terrorisme dans le monde depuis le 11 septembre grâce à une installation de voitures en chute libre suivant une trajectoire aérienne.

Cai Guo-Qiang est né en 1957 à Quanzhou, dans la province de Fujian en Chine, et vit à New York. Pour en savoir plus : https://art21.org/artist/Cai-Guo-Qiang

CRÉDITS
Créé par : Susan Sollins & Susan Dowling. Productrice Exécutive & Conservatrice : Susan Sollins. Productrice pour la série : Eve-Laure Moros Ortega. Productrice associée : Migs Wright. Assistant Conservateur : Wesley Miller. Directrice de production : Alice Bertoni. Coordinatrice de production : Kelly Shindler. Productrice : Catherine Tatge. Éditeur : Steven Wechsler. Accueil : David Alan Grier. Directeurs de la photographie : Takahisa Araki, Richard Chisolm, Mark Falstad, Gary Henoch, Samuel Henriques, Mead Hunt, Tom Hurwitz, Joel Shapiro, David Smith, Ken Willinger, & Sérgio Zeigler. Son : Tom Bergin, Steve Bores, Dwayne Dell, Bob Freeman, Roger Phenix, Merce Williams, & Sérgio Zeigler. Assistant Camera: Chris DeGuy, Craig Feldman, Brian Hwang, Steve Nealey, & Matt Thurber. Assistants de production : Matt Cavanaugh & Justin Leitstein. Assistants Monteurs Avid : Robert Achs, Jamie Courville, Sean Frechette, Mike Heffron, David Kreger, Cara Leroy O’Connell, Joaquin Perez, Aaron Sheddrick, & Lynn True. Doubleur (séquence Cai Guo-Qiang) : Clem Cheung. Traducteurs (séquence Cai Guo-Qiang): Ai Guo, Louisa Lam, & Mingxia Li. Prises de vue photo : Alice Bertoni.

Le financement de la saison 3 de L'art du vingt-et-unième siècle est fourni principalement par le Fonds National pour les Arts, PBS, Agnes Gund et Daniel Shapiro, la Fondation Nathan Cummings, la Corporation for Public Broadcasting, la Fondation Jon et Mary Shirley, le Bagley Wright Fund, Bloomberg, la Fondation Horace W. Goldsmith, JPMorgan Chase, Melva Bucksbaum et Raymond Learsy, la Fondation Famille Paul G. Allen, et la Fondation Andy Warhol Foundation pour les Arts Visuels.

Pour l'ensemble des crédits, voir : https://art21.org/watch/art-in-the-twenty-first-century/s3/power

#CaiGuo-Qiang #Power #Art2

CAI GUO-QIANG dans

L'art du vingt-et-unième siècle

(Bruit d'explosion)

Mon travail ressemble parfois
à la fleur de pavot :

Il a ce côté presque romantique

mais il symbolise aussi le poison

La poudre à canon

Son essence même nous révèle l'énergie
incroyable de l'univers, notre apparition.

Elle permet d'exprimer
ces grandes idées sur le cosmos,

épiques, héroïques,

mais on peut aussi s'en servir
pour détruire.

La poudre présente un danger immédiat
pour ceux qui la côtoient.

Mais avec le temps,
on finit par la connaître.

Il faut d'abord accepter
qu'elle est incontrôlable.

Et puis travailler avec.

Cela fait si longtemps
que je m'en sers

que je comprends comment ça marche

Ma façon de faire,
c'est de suivre la matière.

De la laisser m'emmener
là où elle veut aller.

Alors je veux qu'elle me pose
des problèmes sans arrêt.

Qu'elle me donne des obstacles
à surmonter.

L'ensemble de ce procédé de dessin,
c'est comme faire l'amour.

Depuis le moment où l'on pose
le papier à plat,

c'est comme de mettre
les draps sur le lit.

Et c'est un procédé très long.

On travaille toujours vers
l'objectif final.

Et le sentiment constant
de vouloir que ça explose,

que ça finisse.

Mais on a peur que ce soit trop tôt,

pas encore le moment,

ou qu'on doive y travailler
encore un peu.

Puis ensuite, soit vous êtes
très satisfait,

soit vous êtes déçu par la totalité
du spectacle.

On peut parler sans fin des philosophies
anciennes ou modernes,

de l'histoire de l'art, la critique,
la théorie, le sujet, le contexte,

le contemporain, le post-modernisme,
la forme, la représentation.

On peut discuter de tous ces sujets

mais au final

c'est vraiment la performance visuelle
à proprement parler

qui constitue une œuvre d'art.

Je me sers ici d'une sorte de carnet
de croquis.

Pas vraiment un parchemin,

mais les gens s'en sont toujours servi
pour exprimer leurs pensées.

Un peu comme dans un journal intime
ou un cahier.

En chinois,

on dit d'ailleurs : « lire une peinture ».

Lire une image.

Parce que c'est en fait page à page,
et par sections

que vous la lisez.

Pas juste en la regardant.

Ces 'cahiers' ressemblent beaucoup
aux parchemins.

Les parchemins manuscrits sont
une tradition de la peinture chinoise.

Je vais vous montrer une peinture sur soie
de mon père.

Un très grand parchemin.

Parfois je vois presque mes explosions
comme ces parchemins.

Quand on l'ouvre,

l'univers semble se déployer,
être infini.

Le déroulement d'une explosion,
c'est comme l'ouverture du parchemin.

Mais après, il n'en reste rien.

Et pourtant elle renferme
toutes sortes de potentiels.

Mon influence principale a été
ces minuscules boîtes d'allumettes

peintes par mon père.

Il y peignait des petits paysages
au stylo encre.

J'en ai toujours quelques unes.

Qaund j'étais petit, si je lui demandais
ce qu'il peignait

il m'en montrait une et disait :

« Ça, c'est la mer
de notre ville natale. »

Mais quand j'y retournais avec lui,

ce n'était pas du tout
comme ça.

Très tôt, j'ai compris que l'art,
ce n'est pas ce que l'on dit,

mais plutôt ce que l'on ne dit pas.

Je ne dirais pas que toute l'exposition
de Mass MoCA

est comme un long parchemin
qui se déroule.

Elle est liée à mon passé.

Et à ma culture aussi.

La première fois que j'ai vu
l'espace d'exposition,

cela m'a rappelé un tronçon de route.

Une route très large
qui avait été amenée ici.

Approfondir l'idée de ce chemin,
de ce voyage,

revient à marcher sur ce chemin.

Dans la galerie principale,

alors que la première voiture décolle,

en chute libre dans les airs
comme dans un rêve,

elle réussit son atterissage
sur ses quatre roues.

Intacte.

Saine et sauve.

C'est une juste une répétition,
on revient toujours à la première voiture.

La vidéo de Times Square reprend aussi
l'image de la voiture piégée.

Ce cycle continu laisse entendre que
quelque chose a pu, ou non, se passer.

Cette illusion que nous avons devant nous

Depuis le 11 septembre,

l'idée de terrorisme est omniprésente.

On l'a toujours à l'esprit.

Cette œuvre

fait bien sûr référence aux conditions
dans lesquelles nous vivons actuellement.

Quand je regarde mon travail passé

je vois que beaucoup de choses sortent
ou rentrent dans d'autres objets.

Je pense que c'est lié à ma passion
pour l'explosion.

Mais cela est aussi lié à une esthétique
de la douleur.

Le public a une réaction
très viscérale envers l'œuvre.

Ils ont mal quand ils voient les tigres.

Les tigres sont très réalistes

mais ils sont complètement
factices.

On rentre dans une mise en scène.

C'est par l'impact visuel
que l'on fait passer ces idées

et c'est par l'impact visuel
que l'on ressent cette douleur.

On peut provoquer une réaction
très directe du public.

Une réaction très forte.

Cette installation à Washington D.C.

Le bateau échoué avec les morceaux
de céramique cassée

montre la force de la destruction,
sa beauté.

L'esthétique de la désintégration.

Et de cette manière,

je crois que cette œuvre se rapproche
de certains sujets

que j'évoque également
dans les œuvres de MASS MoCA.

Il y a plusieurs années, je suis allé
visiter une usine à Delhua

Et j'ai vu ces statues
qui avaient l'air parfaites

Mais c'étaient des rebuts.

On ne les traitait plus comme
des divinités à cause de leurs défauts.

Je me suis dit que c'était très bizarre :

sans ces défauts, ces statues étaient
vénérées par les gens.

On les envoyait à des milliers de foyers,
y compris le mien.

Cela semblait trop arbitraire.

Ici, je les traite comme
des créations artistiques

Elles n'ont plus vraiment
cette aura de divinité

Mais si j'en prenais une
pour la mettre dans mon studio,

je pense que mes émotions
changeraient très naturellement.

La nature d'un objet est définie
par une démarcation très subtile.

J'aime beaucoup
suspendre des choses,

défier la gravité.

Je crois que je n'aime pas
la lourdeur des choses.

L'œuvre de São Paulo est un avion
fait de tiges de vigne

Il y a ces objets pointus, confisqués à
l'aéroport de São Paulo, collés dessus.

Là encore, on dirait que c'est imprégné
de toute cette douleur.

Je voyage beaucoup, et je suis
tout le temps dans les aéroports

Parfois, il faut s'arrêter
et se demander :

Ai-je des armes
dans les poches ?

Vous savez...
Même les coupe-ongles.

On m'en a confisqué
plusieurs.

Alors pour cette œuvre, nous avons
utilisé des matériaux locaux.

Et nous avons emprunté
tous les objets à l'aéroport.

Il s'agit ici de porter un regard franc
et honnête sur la société d'aujourd'hui.

Et sur les questions culturelles,
politiques qui se posent à nous.

Cela reflète vraiment notre monde actuel.

Il est facile de représenter les choses
du monde physique.

Mais il est difficile de représenter
ce que l'on ne voit pas,

et qui pourtant nous affecte
profondément.

Et c'est ce que j'explore et que j'essaie
constamment de mettre en forme.

Je m'inspire beaucoup des anciennes
philosophies chinoises.

Elles influencent beaucoup le processus
de création artistique.

Il n'y a peut-être pas besoin
de tout résoudre.

On peut parfois permettre
aux incertitudes d'exister.

Le changement perpétuel,
l'impermanence

Ce sont les idées qui permettent
de comprendre le monde.

Pour en savoir plus sur Art:21,
l'art du vingt-et-unième siècle

et pour télécharger le guide gratuit
des éducateurs

consultez PBS en ligne à PBS.org

Art:21, l'art du vingt-et-unième siècle,
est disponible en vidéo cassette

ou avec des bonus en DVD

Le livre complémentaire
est également disponible

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