Katharina Grosse in "Fiction" - Season 7 - "Art in the Twenty-First Century" | Art21

[Karharina Grosse]
Per me è affascinante

ricreare una nuova idea di pittura.

Non si tratta solo di metodologie formali,
come il volume e il colore,

si tratta anche di come il dipinto appare
nello spazio pubblico.

La superficie può essere
rozza e ingombrante

io la posso dipingere con gli acquerelli

il risultato è bizzarro.

Si tratta di un tipo di pittura intima,

ma su larga scala.

È come pensare ad alta voce,

questo è il mio modo di lavorare.

Il risultato finale è un volume
che galleggia per questa foresta.

Ho visto questo posto e ho pensato
che fosse molto interessante lavorare

con gli alberi-

Per rendere gli alberi una parte importante
dell'immagine complessiva finale.

Queste immagini iconiche mi affascinano,
ad esempio gli alberi, il suolo

il paesaggio.

In quel parco, gli alberi sono rigidi
come piccoli soldati.

Ho pensato di inserire qualcosa nel mezzo
come se fosse un enorme pila di legname,

che è giunto e fatto volare lì
da un potere

che non siamo in grado di spiegare,
ma sappiamo che è lì.

La semplice presenza
di oggetti di diverse dimensioni

ci porta a pensare
che qualcosa deve essere successo,

ma non capiamo cosa sia.

Gli alberi sono piccoli e fragili,
ma sono comunque più alti dell'opera.

Gli alberi ridimensionano il mio lavoro.

Gli edifici intorno sono alti
e questa è una sfida per un lavoro all'aperto.

In questi lavori su grande scala,
il lavoro di squadra è importante, in particolare per MetroTech.

È l'installazione più grane
che abbia mai fatto.

Dovevamo produrre 18 pezzi
in breve tempo.

Ho creato dei modelli
e ne abbiamo discusso via Skype.

Amaral ha creato questi oggetti,

plastificarli

renderli duraturi e duri
con vetroresina e resina.

Ci servivano persone che se ne occupassero,
che li spostassero,

che li portassero a destinazione,
e capissero come montarli insieme.

Ho iniziato a lavorare con mio fratello
tre anni fa.

È un ingegnere.

È la prima volta che ho in squadra
qualcuno che non sia del mondo dell'arte.

Si è unito a noi durante un progetto enorme
per la Temporäre Kunsthalle di Berlino

dove abbiamo costruito elissi
che si appoggiavano ai muri.

E le elissi erano alte nove metri.

Dovevamo lavorare con un costruttore navale
e un ingegnere strutturale,

mettendo insieme i pezzi
e issarli per posizionarli.

È stato un bel momento.

Lui sa molto bene come connettere
la teoria necessaria

a capire il processo ingegneristico,

e conosce il linguaggio e le parole.

Poi, può venire da me
alla fine della giornata,

e dire:
"guarda qui ci serve questo bullone."

Da bambini eravamo molto uniti.

È diventato un membro indispensabile
della mia squadra.

Da bambini,
i nostri genitori ci portavano ovunque.

Ci portavano a vedere dipinti, disegni.

Andavamo anche spesso a teatro.

Entrambi i miei genitori hanno avuto
una grande influenza.

Mia madre disegnava e dipingeva,

poi cucinava
e ci portava a lezione di musica.

Non si definiva un'artista.

Sono io che mi dico
che mia madre era un'artista.

È lei che ha scoperto
che avevo un talento per le arti visive.

Una mattina, avevo fatto
un lavoro con gli acquerelli,

avevo copiato una foto in bianco e nero
da un giornale.

Pensava fosse fantastico.

Mi incoraggiò a continuare.

Mia madre ci faceva dipingere
i muri del garage.

Ci riuniva e diceva,
"facciamo dei piccoli disegni

e vediamo qual è il risultato finale."

Era normale per noi dipingere.

Il mio lavoro non si basa sulle idee
ma sui pensieri.

Il pensiero è un sentimento più fluido
che necessita di riscontro

e che si modifica nel processo.

Quindi, ho un accordo con me stessa
nel momento in cui inizio qualcosa.

Quell'accordo si basa su un giudizio.

Per esempio, io voglio che due elementi
coincidano escludendosi a vicenda.

Come può funzionare in quel dipinto
o nell'ambiente della galleria

con la sua struttura architettonica.

Mentre lavoro,
mentre uso strumenti e colori

ricevo un riscontro immediato
dal materializzarsi di quel primo accordo

che potrebbe cambiare la relazione
che ho con quell'accordo.

Queste informazioni,

a ogni passo possono cambiare

e questo è il flusso dei pensieri
che trovo immensamente interessante

e non può essere deciso
e scritto su pietra dall'inizio.

Per il Nasher, volevo fare qualcosa
che non fosse una scultura

e che non usasse lo spazio
come un luogo per essere ostentato.

Ci sono due grandi pannelli di vetro

e il resto sono muri.

E ci si può spostare tra questi.

Perciò puoi vedere attraverso l'edificio,

verso il giardino, le piante
e le sculture che si assomigliavano.ù

Come si può essere riconoscibili
in questa situazione?

Deve essere una sorta di spazio negativo
che coincida un movimento dipinto.

È meraviglioso che l'invito
a un museo di sculture coincida

con il mio desiderio di creare
uno spazio negativo del volume

con un dipinto posto sopra
a quello spazio negativo.

È un confronto fantastico
tra questi due pensieri.

Ho iniziato a pensare all'esperimento
come qualcosa che occupasse lo spazio

come se fosse stato preso dalla scatola
e gettato lì.

Non volevo che il pezzo si relazionasse
con altre cose,

volevo che si appoggiasse al muro

esattamente nel punto di connessione
tra il muro e il pavimento

e che quel collegamento fosse coperto
dal mio lavoro.

Così da rendere impossibile riconoscere
quale fosse il pavimento e quale il muro,

che al Nasher sono molto simili,
la pietra calcarea del muro e il pavimento.

E ho fatto qualcosa
che uscisse da quello spazio.

Volevo qualcosa che fosse all'interno
e uscisse all'esterno oltre il vetro.

Questa è la Kunsthaus in Graz, Austria,
e un edificio meraviglioso.

È una bolla.

Una forma molto organica.

Qui farò uno spettacolo relativo

a una delle mie domande fondamentali,

Come può un dipinto apparire in uno spazio
e cosa serve per mostrarlo?

Non voglio mettere mura in quello spazio

che mi permetterebbero
di mostrare delle tele.

La gabbia di metallo è il tetto.

L'abbiamo fatto così perché posso lavorare
nello spazio dall'alto.

Questi blocchi di polistirene sono mura solide
su cui è possibile dipingere.

Oltre al polistirene, non ho blocchi
che determino lo spazio dei muri.

Non ci sono finestre eccetto queste aperture
nel soffitto con le luci.

Userò la tela o un tessuto spesso,
forse della tela per vele.

La voglio stropicciare.

E in certi casi voglio dipingere
sulla superficie

e in atri casi

si potrà camminare sulla tela
o attraverso l'istallazione.

Il processo di pittura verrà fatto in loco.

Stiamo cercando di capire
come costruire queste increspature

su grandi dimensioni?

Perché trovo che lo spazio
che si crea tra le pieghe è interessante.

Mi piace l'idea di camminare
in una struttura difficile da vedere come unica.

Mi affascina la condizione di essere

parte di qualcosa
e allo stesso tempo di osservarla.

Credo sia la nostra condizione abituale.

Tutto ciò ha molto a che fare
con le dimensioni.

Penso che siamo capaci
di pensare in grande e allo stesso tempo

siamo minuscoli in relazione
a ciò che ci circonda.

Perciò cambi le tue dimensioni
mentre cammini.

Il cambio di dimensioni in questa mostra
è davvero una cosa interessate.

E credo che sia quello
che c'era di interessante a Nasher.

La camera del fango al piano di sotto
era l'unico spazio

senza alcun legame con il giardino.

E al piano di sopra avevo il pezzo
più analitico in relazione

con il giardino, le piante, eccetera.

Sono molto avventurosa.

Sono cresciuta facendo escursioni
e arrampicandomi in montagna.

Più tardi rimasi affascinata
dagli spazi che incontri

in un paesaggio
e nel dipingere quel paesaggio,

perché ti siedi in un luogo vasto
e puoi vedere attorno a te a 360 gradi.

E poi inizia a pensare se c'è un ordine?

Cosa percepisco?

E come posso progettare un ordine
da ciò che mi circonda?

Il paesaggio è un luogo non burocratico.

In un paesaggio,
le gerarchie cambiano velocemente.

Qualcosa che era utile un minuto fa

risulta meno interessante
un paio di passi più in là sulla destra.

Perciò c'è una gerarchia instabile,
fluida nel paesaggio.

[Donna 1]
Sono curiosa, come è nata l'idea

di creare quest'installazione?

Dove hai preso l'ispirazione?

[Katharina] Tutti conosciamo gli alberi
in un modo o nell'altro.

Tutti andiamo al parco o nei boschi.

Ma qualcosa è successo agli alberi,

non sappiamo cos'è,

ma non sono dove li vediamo solitamente.

Amo ciò che accade a materiale
e all'immagine quando è dipinta.

Si trasforma in qualcosa di nuovo.

Qualcosa che non è più un albero,
ma allo stesso tempo è un albero.

E amo questo paradosso.

[Donna 1]
È da qui che nasce il tittolo?

[Katharina]
Sì, non lo sai davvero.

Vedi qualcosa da lontano e pensi,
"Oh, ma quello è un uccello."

Poi, ti avvicini e vedi
una busta di plastica.

Penso che questo tipo di ambiguità
è sempre presente.

[Donna 1]
È la prima volta

che lavori con questi materiali?

[Katharina]
Con gli alberi?

Sì.

[Donna 1]
Gli alberi?

[Katharina]
Ho iniziato a interessarmi a questa

tradizioni della scultura dipinta,

del 3D dipinto.

E ho usato un paio di questi elementi
che sono molto forti.

come il fango e il suolo

che sono importante per la nostra vita.

Le foreste hanno una struttura grandiosa,
all'improvviso questa forma lineare si divide.

[Donna 2] Quindi come hai messo insieme
i pezzi a tua disposizione?

[Katharina] Lo puoi vedere,
qui c'è il taglio.

Quello è l'albero.

Questo è stato messo insieme.

È tutta finzione.

Nel momento in cui pensi,
che si tratti di un albero vero

vedi il taglio.

È un albero revisionato.

[Donna 2] Giusto.

[Katharina] Sì.

[Donna 2]
Come hai scelto i colori?

[Katharina]
Si tratta della luce che hai

nello spazio.

Lo spazio è molto scuro.

Perciò volevo
che ci fosse qualcosa che riflettesse

perciò il giallo era importante per me.

Il giallo davanti è diverso

da quello dietro le radici.

Giusto.

Perché sembra che brilli.

[Donna 2] È vero.

[Katharina] Uso colori grezzi,
non mescolati.

Mi piace il rapporto grezzo e diretto
con il proprio corpo.

È come la voce di un cantante, credo,

questo è ciò che ha il colore.

[Donna 1] Hai molto da dire.

[Katharina]
Sì, è vero.

Ho molto da dire. Sì.

[Uomo 1] Tutti i blocchi formano
un'unica grande tela.

Ora che Katharina ha dipinto,
metteremo insieme la tela.

Perciò allineare le sue pennellate,

come si suol dire,

è molto importate ed essenziale
alla scultura stessa.

[Katharina] Sono una pittrice?

Sono una scultrice?

Non lo so.

Parlo con il mondo mentre ci dipingo sopra.

O con esso.

O in esso.

È la collisione di cose
con l'immagine dipinta.

Qualcosa che giunge dall'unione
di pezzi che non possono più essere separati.

C'è la parte plastica e scultorea.

Se la elimino, il dipinto scompare

e se tolgo il dipinto

non c'è più la metamorfosi.

Perciò queste cose in un certo senso stanno insieme,
anche se arrivano

da due mondi diversi.

Non è necessario decidere se sei
un pittore o uno scultore.

Non rende il tuo lavoro più chiaro
o radicale.

Mi piace proprio osservare le cose.

E mi piace avere qualcosa
di figo da guardare.

Perciò faccio questo anche per me stessa.ù

Nel processo creativo, apprezzo molto
ciò che sorge dalla produzione.

Mi diverto, sai?
È una forma di intrattenimento.

Ma deve essere complesso, divertente,
ridicolo e complicato.

Si tratta di inganni,
che infliggo a me e agli altri.

Non dovete credermi.