Ben Cameron: La vera forza della performance artistica

Direttore artistico e appassionato di teatro, Ben Cameron guarda allo stato della performance artistica: come può la magia del teatro, della musica e della danza dal vivo competere con l'onnipresenza di internet? Al TEDxYYC ci offre un coraggioso sguardo in avanti.

Io sono un onnivoro culturale,

uno i cui spostamenti quotidiani

sono resi possibili grazie ad un iPod,

un iPod che contiene Wagner e Mozart,

la diva del pop Christina Aguilera,

il cantante country Josh Turner,

il gangsta-rapper Kirk Franklin,

concerti, sinfonie e molto, molto altro.

Io sono un lettore vorace,

uno che legge da Ian McEwan a Stephanie Meyer.

Ho letto la quadrilogia di Twilight.

E sono uno che vive per il suo home theater,

un home theater dove divoro DVD, video on demand,

e tanta televisione.

Per me "Law and Order: SVU"

Tine Fey e "30 Rock"

e "Judge Judy" -- "Le persone sono reali, i casi sono reali,

i giudizi sono definitivi".

Ora, sono sicuro che molti di voi

probabilmente condividono le mie passioni,

specialmente quella per "Judge Judy"

e che combattereste contro

chiunque tentasse di portarcela via,

ma sono meno convinto che condividiate la vera passione della mia vita:

le performance artistiche professionali dal vivo,

esibizioni che possono essere orchestrali, certo,

ma anche jazz, danza moderna, opera,

teatro e molto, molto altro ancora.

Sapete, in verità

è un settore che molti di noi addetti ai lavori temono

che sia minacciato e che possa essere distrutto

dalla tecnologia.

Se all'inizio abbiamo promosso Internet

come l'eccezionale strumento di marketing

che avrebbe risolto tutti i nostri problemi

ora capiamo che Internet è a dir poco

troppo efficace nel farlo.

A seconda di chi leggete, un'organizzazione d'arte

o un artista che cerca di attirare l'attenzione

di un singolo spettatore pagante

ora deve competere con qualcosa

tra i 3 ed i 5.000

messaggi di marketing diversi

che un cittadino medio vede ogni giorno.

Sappiamo per certo

che la tecnologia è il concorrente più forte nell'intrattenimento.

Cinque anni fa

le donne trascorrevano 20.7 ore tra online e TV,

per la maggior parte TV.

Gli uomini anche di più --

23.8 ore, la maggior parte online.

Ora, una comune

matricola universitaria

arriva al college

dopo aver già passato

20.000 ore online

e in più 10.000 ore

davanti ai videogiochi,

un secco monito al fatto che operiamo

in un contesto culturale

in cui i videogiochi vendono più

della musica e dei film messi insieme.

Peggio ancora, temiamo che la tecnologia

abbia alterato il nostro concetto di consumo culturale.

Grazie ad internet

crediamo di poter avere quello che vogliamo quando lo vogliamo

comodamente a casa nostra.

Possiamo fare acquisti alle tre del mattino o alle otto di sera,

ordinare jeans su misura per la nostra esatta corporatura.

Aspettative di personalizzazione

e adattamento

che l'arte realizzata dal vivo --

che ha tempi definiti, locali definiti,

problemi per il pubblico come i viaggi, i parcheggi ed altro --

semplicemente non può offrire.

Tutti sappiamo che

in futuro questo significherà:

come chiediamo a qualcuno cento dollari

per il biglietto di un concerto, un opera, un balletto

quando quello spettatore è abituato a scaricare da internet

24 ore al giorno

a 99 cents a brano, o gratis?

Sono domande difficili

per quelli che lavorano in questo campo.

Ma per quanto ci sembri solo un nostro problema,

sappiamo che non siamo soli.

Siamo tutti coinvolti

in un riallineamento sismico

e basilare della cultura e della comunicazione,

un riallineamento che scuote e decima

l'industria dei quotidiani e dei periodici,

quella dei libri e delle pubblicazioni, e non solo.

Incastrati come siamo da accordi sindacali antiquati

che inibiscono o proibiscono

la copia fisica e lo streaming

bloccati in grandi strutture

progettate per irrigidire

il rapporto ideale

tra artista e pubblico

più adatti al diciannovesimo secolo

e bloccati in un modello fondato sugli alti introiti delle vendite di biglietti,

per i quali chiediamo prezzi esorbitanti,

molti di noi tremano davanti al collasso della Tower Records

e si chiedono: "Siamo noi i prossimi?"

Tutte le persone con cui parlo in questo ambiente

si riflettono nelle parole di Adrienne Rich,

che, in "Sogni di un linguaggio comune" scrisse

"Siamo fuori in una terra che

non ha una lingua, non ha leggi.

Ciò che facciamo insieme è pura invenzione.

Le mappe che ci hanno dato

sono obsolete da anni."

E per quelli tra voi che amano l'arte,

non siete contenti di avermi invitato per sollevarvi il morale?

(Risate)

(Applausi)

Ora, invece di dire che siamo sull'orlo della nostra estinzione,

preferisco credere che siamo impegnati in una riforma radicale,

una riforma come la riforma religiosa

del 16° secolo.

La riforma delle arti, come quella religiosa

è in parte spronata dalla tecnologia,

proprio come la stampa a caratteri mobili ha guidato

la riforma religiosa.

Entrambe le riforme sono state promulgate con la scissione,

l'autocritica interna

e un sostanziale ripensamento dei modelli di business antiquati.

Nella sostanza, entrambe le riforme, credo

proponessero delle domande:

chi ha il titolo di praticare?

Come dare il titolo di praticare?

E comunque, abbiamo bisogno

di qualcuno che interceda per noi

per avere un'esperienza dello spirito divino?

Chris Anderson, uno che sicuramente conoscete,

redattore capo di Wired ed autore de "La lunga coda"

è stato il primo, secondo me, a puntualizzare l'argomento.

Molto tempo fa ha scritto, beh,

che grazie all'invenzione di internet,

del web,

delle mini-cam e di altro,

i mezzi della produzione artistica

sono stati democratizzati

per la prima volta nella storia dell'uomo.

Negli anni 30, se volevi fare un film,

dovevi lavorare per la Warner Bros o per la RKO

perché chi poteva permettersi un set,

le luci e l'attrezzatura per il montaggio,

la sceneggiatura e tutto il resto?

Oggi, invece, chi in questa sala non conosce un quattordicenne

che sta lavorando sul suo secondo, terzo o quarto film?

(Risate)

Analogamente anche i mezzi della distribuzione

sono stati democratizzati per la prima volta nella storia.

Sempre negli anni 30 la Warner e la RKO lo facevano per voi.

Oggi guardate Youtube o Facebook:

avete una distribuzione mondiale

senza lasciare la comodità della vostra stanza.

Questi due aspetti stanno causando

una massiccia rivisitazione del mercato culturale,

un'epoca in cui tutti sono potenziali autori.

Francamente, ciò che vediamo in questo ambiente

è un periodo impressionante

in cui tutto il mondo sta cambiando

mentre ci allontaniamo da un tempo in cui il numero di spettatori precipita.

Ma il numero dei partecipanti alle arti,

persone che scrivono poesia, che cantano,

che si esibiscono nei cori di chiesa,

sta esplodendo oltre ogni immaginazione.

Questo gruppo... alcuni li chiamano i "pro ams":

artisti dilettanti che lavorano a livello professionale.

Li trovate su YouTube, nelle gare di ballo,

ai festival del cinema e altrove.

Stanno radicalmente espandendo

le nostre nozioni sul potenziale di un vocabolario estetico,

e allo stesso tempo sfidano e indeboliscono

l'autonomia culturale delle nostre istituzioni tradizionali.

In pratica ora viviamo in un mondo

definito non dal consumo

ma dalla partecipazione.

Ma voglio essere chiaro:

come la riforma religiosa non è stata la sentenza di morte

della vecchia Chiesa o del sacerdozio,

io credo che le nostre istituzioni artistiche

continueranno ad avere importanza.

Sono ancora la migliore opportunità

per gli artisti di avere una dignità economica,

non opulenza, ma dignità.

Sono i posti in cui gli artisti

che meritano e vogliono lavorare ad un certo livello di risorse

troveranno una casa.

Ma intenderli come sinonimo

dell'intera comunità artistica

è decisamente troppo limitativo.

E mentre noi cercavamo di distinguere

il dilettante dal professionista

l'unico sviluppo davvero interessante

negli ultimi 5, 10 anni

è stata la crescita

dell'artista professionale purosangue,

l'artista professionale

che lavora non per le sale da concerto o sul palco

ma più spesso per

i diritti delle donne o per i diritti umani,

per il riscaldamento globale o per gli aiuti all'AIDS

non per necessità economica,

ma per una profonda, organica convinzione

che il lavoro per cui è stato chiamato

non può essere fatto nel tradizionale,

ermetico ambiente artistico.

Oggi il modo della danza non è definito solo

dal Royal Winnipeg Ballet o dal corpo di ballo nazionale del Canada,

ma dal Liz Lerman's Dance Exchange,

una compagnia multi-generazionale, professionale,

i cui ballerini vanno dai 18 agli 82 anni,

e che lavorano con scienziati genetisti

sul sequenziamento del DNA

e con i fisici nucleari al CERN.

La comunità teatrale professionale di oggi

è definita non solo dallo Shaw o dallo Stradford Festival

ma anche dal Cornerstone Theater di Los Angeles,

un gruppo di artisti che dopo l'undici settembre

ha messo insieme 10 diverse comunità religiose --

i bahia, i cattolici,

i musulmani, gli ebrei

anche i nativi americani

e le comunità di orientamento gay

aiutandole a creare i loro spettacoli specifici

ed uno spettacolo collettivo,

in cui hanno esplorato le differenze tra le loro religioni

ed hanno trovato un punto comune

come un primo passo importante

verso una cura sociale inter-culturale.

Gli artisti di oggi, come Rhodessa Jones,

lavorano nelle carceri femminili

aiutando le detenute ad articolare la difficoltà della reclusione,

mentre gli sceneggiatori ed i registi lavorano con i ragazzi delle gang

per trovare canali alternativi alla violenza

e molto, molto altro ancora.

Proprio per questo, credo che invece di essere

annientata, l'arte dal vivo è alle porte di un'epoca

in cui saremo più importanti

di quanto lo siamo mai stati.

Sapete, da tempo diciamo

di essere critici per la salute dell'economia nella vostra città.

E lo siamo di sicuro.

Spero sappiate che ogni dollaro speso per il biglietto di un'esibizione artistica

genera dai cinque ai sette dollari per l'economia locale,

denaro speso in ristoranti o per i parcheggi,

nei negozi di tessili dove compriamo i tessuti per i costumi,

dall'accordatore che sistema gli strumenti e ancora altro.

Ma le arti diventeranno più importanti per l'economia

nel prossimo futuro,

specialmente in industrie che nemmeno immaginiamo,

così come sono state centrali per l'iPod,

e l'industria dei videogiochi,

cosa che pochi, se non nessuno,

avrebbero mai previsto 10 o 15 anni fa.

La leadership nel mercato dipenderà ancora di più

dall'intelligenza dell'emozione

dall'abilità di ascoltare con attenzione,

di trovare un'empatia,

di esprimere un cambiamento, di motivare gli altri --

proprio quelle doti

che le arti stimolano ad ogni incontro.

In particolare adesso,

mentre dobbiamo confrontarci tutti

con l'errore di una pura prospettiva di mercato,

priva di consapevolezza sociale,

dobbiamo impadronirci del potenziale delle arti

per modellare i nostri caratteri individuali e nazionali

e specialmente quelli dei giovani,

che troppo spesso sono oggetto del bombardamento sensoriale

invece che dell'esperienza consapevole.

Specialmente ora, in questo mondo,

in cui viviamo in un contesto

di leggi sull'immigrazione regressive ed onerose,

di reality TV che si nutrono d'umiliazione

e in una mentalità per causa della quale

la cosa che sentiamo ripetere sempre,

ogni singolo giorno negli Stati Uniti

in ogni stazione ferroviaria, dei bus, in ogni aeroporto è:

"Signori e signore,

comunicate ogni comportamento sospetto

o individuo sospetto

alle autorità più vicine a voi".

Quando siamo spronati in tutti i modi

a vedere in nostri simili con ostilità

e paura, pregiudizio, sospetto.

Le arti, in qualsiasi forma, ogni volta che ci riuniscono

ci invitano a guardare ai nostri simili

con generosità e curiosità.

Lo sa il cielo se abbiamo mai avuto bisogno

di questa capacità nella storia,

ne abbiamo bisogno proprio ora.

Sapete, noi siamo uniti

non dalla tecnologia, dall'intrattenimento o dal design,

ma da una causa comune.

Noi lavoriamo per produrre società sane, vibranti,

per alleviare la sofferenza umana

per promuovere un ordine mondiale

più consapevole, sostanziale, empatico.

Saluto tutti voi come attivisti in questa missione

e vi invito ad abbracciare ed a fare tesoro delle arti nel vostro lavoro,

qualsiasi sia il vostro obiettivo.

Vi prometto che la mano della Doris Duke Charitable Foundation

è tesa verso di voi in amicizia ora e per gli anni a venire.

E vi ringrazio per la vostra gentilezza e la pazienza che avete avuto nell'ascoltarmi.

Grazie e buona fortuna.