Ben Cameron: Die wahre Macht darstellender Künste

Kunstmanager und Live-Theater-Liebhaber Ben Cameron betrachtet die Lage der Live-Künste und fragt: Wie kann der Zauber von Live-Theater, Live-Musik, Live-Tanz mit dem ständig eingeschalteten Internet konkurrieren? Bei TEDxYYC zeigt er einen gewagten Blick nach vorn.

Ich bin ein kultureller Allesfresser,

einer, dessen täglichen Arbeitsweg

das Tragen eines iPod möglich macht,

eines iPods, auf dem Wagner und Mozart sind,

Pop-Diva Christina Aquilera,

Country-Sänger Josh Turner,

Gangster-Rap-Künstler Kirk Franklin,

Konzerte, Symphonien und vieles mehr.

Ich bin ein unersättlicher Leser,

ein Leser, der sich von Ian McEwan bis zu Stephanie Meyer durchliest.

Ich habe die "Twilight"-Tetralogie gelesen.

Und bin jemand, der für sein Heimkino lebt,

ein Heimkino, in dem ich DVDs, Video-on-Demand

und eine Menge Fernsehen verschlinge.

Für mich, "Law and Order: New York",

Tina Fey und "30 Rock"

und "Judge Judy" -- "Echte Menschen, echte Fälle,

endültige Richtersprüche."

Nun, ich bin überzeugt, viele von Ihnen

teilen wahrscheinlich meine Vorlieben,

besonders meine Leidenschaft für "Judge Judy",

und Sie würden jeden bekämpfen,

der versuchte, sie uns wegzunehmen,

ich bin mir jedoch nicht ganz so sicher, ob Sie die wichtigste Leidenschaft meines Lebens teilen,

eine Leidenschaft für gewerbliche, darstellende Künste im Live-Format,

darstellende Künste, die das orchestrale Repertoire aufführen, ja,

aber auch Jazz, Ausdruckstanz, Oper,

Theater und mehr und mehr und mehr.

Also, offen gesagt

befürchten viele von uns, die in der Branche arbeiten,

dass die Branche durch Technologie bedroht

und möglicherweise entformt wird.

Während wir zunächst das Internet

als das fantastische neue Marketinginstrument ankündigten,

das alle unsere Probleme lösen würde,

erkennen wir nun, dass das Internet diesbezüglich,

wenn überhaupt etwas, dann zu effektiv ist.

Abhängig davon, wen man liest, steht ein Kunstverband

oder ein Künstler, der versucht die Aufmerksamkeit

eines potentiellen Einzelticket-Käufers zu erlangen

im Wettstreit mit

drei- bis 5.000

verschiedenen Marketing-Botschaften,

die ein typischer Bürger jeden Tag sieht.

Wir wissen tatsächlich,

dass Technologie unser größter Rivale um Freizeit ist.

Vor fünf Jahren haben Angehörige

der Generation X 20,7 Stunden online und fernsehend verbracht,

überwiegend fernsehend.

Angehörige der Generation Y sogar noch mehr --

23,8 Stunden, vorwiegend online.

Und jetzt kommt ein typischer

Erstsemester-Student der Universität

am College an

und war bereits

20.000 Stunden online

und hat 10.000 weitere Stunden

mit Videospielen zugebracht,

eine nachdrückliche Erinnerung daran, dass wir

in einem kulturellen Kontext tätig sind,

in dem Videospiele höhere Verkaufszahlen erreichen,

als Musik- und Filmaufnahmen zusammen.

Darüber hinaus befürchten wir, dass Technologie

unsere wesentlichen Annahmen zum kulturellen Konsum verändert hat.

Dank des Internets glauben wir,

alles was wir wünschen, wann immer wir wollen

bis an die Haustür geliefert bekommen zu können.

Wir können morgens um drei shoppen, oder abends um acht

und dabei Jeans bestellen, die auf unsere spezifischen Körpertypen zugeschnitten sind.

Erwartungen an Personalisierung

und Anpassung an Kundenwünsche,

die von live darstellenden Künsten --

mit festgelegten Vorhangzeiten und Veranstaltungsorten,

Besucher-Unannehmlichkeiten wie die Anreise, das Parken und so weiter --

einfach nicht befriedigt werden können.

Und wir sind uns alle überaus dessen bewusst,

was wird es in der Zukunft bedeuten,

wenn wir jemanden auffordern, hundert Dollar

für ein Symphonie-, Oper- oder Balletticket zu bezahlen,

wenn der Kulturkonsument daran gewöhnt ist, im Internet

rund um die Uhr

ein Lied für 99 Cent oder umsonst herunterzuladen?

Das sind immense Fragen

für jene von uns, die in diesem Gebiet arbeiten.

Doch so besonders sie uns scheinen,

wir wissen, dass wir nicht alleine sind.

Wir alle sind eingebunden

in eine seismische, grundlegende

Neuordnung von Kultur und Kommunikation,

eine Neuordnung, die Industrien erschüttert und dezimiert:

die Zeitungs-Industrie, die Magazin-Industrie,

die Buch- und Verlagsindustrie und weitere.

So wie wir in den darstellenden Künsten aufgezäumt sind, durch antiquierte Gewerkschaftsverträge,

die mechanische Vervielfältigung und Streaming

behindern und oft verbieten,

eingesperrt in große Einrichtungen,

entworfen zur Versteinerung

der idealen Beziehung

zwischen Künstler und Publikum,

die am besten ins 19. Jahrhundert passt

und eingeschlossen in ein Geschäftsmodell, das von hohen Ticketeinnahmen abhängt,

bei dem wir überzogene Preise verlangen,

schaudern viele von uns im Nachbeben des Zusammenbruchs von Tower Records

und wir fragen uns: "Sind wir die Nächsten?"

Jeder, mit dem ich im Bereich der darstellenden Künsten spreche,

stimmt den Worten Adrienne Richs zu,

die in "Der Traum einer gemeinsamen Sprache" schrieb:

"Wir sind draußen in einem Land, das

keine Sprache, keine Gesetze hat.

Was immer wir zusammen machen, ist reine Erfindung.

Die Karten die man uns gab,

sind um Jahre veraltet."

Und die unter Ihnen, welche die Künste lieben,

sind Sie nicht froh, dass Sie mich hierher eingeladen haben, um Ihren Tag zu erhellen?

(Gelächter)

(Beifall)

Nun, anstatt zu sagen, dass wir am Rande unserer eigenen Auslöschung stehen,

bevorzuge ich zu glauben, dass wir in eine grundlegende Reform eingebunden sind,

eine Reform gleich der Reformation

des 16. Jahrhunderts.

Die Kunstreform wird, wie die Religionsreformation,

zum Teil durch Technologie angetrieben,

wobei tatsächlich die Druckerpresse der Reformation

den Durchbruch brachte.

Bezeichnend für beide Umwälzungen waren zänkische Diskussion,

innerlicher Selbstzweifel

und massive Neuordnung überlebter Geschäftsmodelle.

Und im Kern, denke ich, stellten beide

Umwälzungen die Fragen:

Wer darf praktizieren?

Wie werden sie zur Ausübung berechtigt?

Und wahrlich, brauchen wir jemanden

um für uns zu vermitteln,

damit wir eine Erfahrung mit einem geistig Göttlichen haben?

Chris Anderson, jemand den Sie sicher alle kennen,

Herausgeber und Leiter des Magazins Wired und Autor von "The Long Tail - Der lange Schwanz",

war für mich wirklich der erste, der eine Menge davon festmachte.

Er schrieb vor langer Zeit,

dank der Erfindung des Internet,

Web-Technologie,

Mini-Kameras und so weiter,

wurden die Mittel künstlerischen Schaffens

zum ersten Mal in der Geschichte

der Menschheit demokratisiert.

Wenn man in den 1930ern einen Film machen wollte,

musste man für Warner Brothers oder RKO arbeiten,

denn wer konnte sich ein Filmset

eine Beleuchtungs-Ausstattung, Schnittmaschinen,

Vertonung und das alles leisten?

Und wer hier in diesem Raum kennt nicht eine 14-jährige,

die fleißig an ihrem zweiten, dritten oder vierten Film arbeitet?

(Gelächter)

Ähnlich wurden die künstlerischen Vertriebswege

zum ersten Mal in der menschlichen Geschichte demokratisiert.

Wiederum in den 30er Jahren, übernahmen das Warner Brothers und RKO für einen.

Heute ab zu YouTube, Facebook;

und man hat eine weltweite Verbreitung

ohne die Ungestörtheit des eigenen Schlafzimmers aufzugeben.

Diese Doppelwirkung verursacht

eine gewaltige Neubestimmung des Kulturmarktes,

eine Zeit, in der jeder ein potentieller Autor ist.

Offengestanden, was wir in diesem Umfeld sehen

ist eine kolossale Zeit,

in der sich die ganze Welt verändert,

während wir aus einer Zeit schreiten, in der Zuschauerzahlen abstürzen.

Die Zahl der aktiven Künstler jedoch,

Menschen die Poesie schreiben, Lieder singen,

die in Kirchenchören mitwirken,

explodiert über unsere kühnsten Vorstellungen hinaus.

Diese Gruppe, andere nannten sie die "Pro Ams",

Amateurkünstler, die auf professionellem Niveau arbeiten.

Man sieht sie auf YouTube, bei Tanzwettbewerben,

Filmfesten und so weiter.

Sie erweitern grundlegend

unsere Vorstellung der Möglichkeiten eines ästhetischen Vokabulars,

während sie die kulturelle Autonomie traditioneller Institutionen

herausfordern und untergraben.

Letztlich leben wir heute in einer Welt,

die nicht durch Konsum,

sondern durch Teilnahme definiert wird.

Ich will jedoch klar sagen,

genau wie die Reformation nicht das Ende

der formellen Kirche oder des Priestertums bedeutete,

glaube ich, dass unsere künstlerischen Institutionen

weiterhin Bedeutung haben werden.

Gegenwärtig sind sie für Künstler die beste Möglichkeit,

ein Leben in wirtschaftlicher Würde zu führen,

nicht im Überfluss, in Würde.

Und sie sind der Ort, an dem Künstler,

die es verdienen und wünschen, mit Mitteln einer bestimmten Größenordnung zu arbeiten,

eine Heimat finden.

Diese jedoch mit der Gesamtheit der

Kunstgemeinde gleichzusetzen

greift bei weitem zu kurz.

Während wir dazu neigten den Amateur

scharf vom Profi abzugrenzen,

war tatsächlich die allerwichtigste Entwicklung

in den zurückliegenden fünf bis zehn Jahren

das Auftauchen

des professionellen Hybrid-Künstlers,

des professionellen Künstlers,

der nicht hauptsächlich in der Konzerthalle oder auf der Bühne arbeitet,

sondern am häufigsten zu Fragen

der Frauenrechte, der Menschenrechte,

oder globaler Erwärmung, oder eben der AIDS-Hilfe,

nicht aus wirtschaftlicher Notwendigkeit,

sondern aus einer tiefen, organischen Überzeugung heraus,

dass die Arbeit zu der sie oder er berufen ist,

nicht im althergebrachten abgeschirmten Umfeld

der Kunst verwirklicht werden kann.

Die heutige Tanzwelt wird nicht allein vom

Royal Winnipeg-Ballett oder dem kanadischen Staatsballett bestimmt,

sondern von Liz Lermans Dance Exchange,

einem generationsübergreifenden, professionellen Tanzensemble,

dessen Tänzer zwischen 18 und 82 Jahre alt sind

und mit Genomforschern arbeiten,

um den DNA-Strang zu verkörpern

und mit Kernphysikern im CERN.

Die professionelle Theatergemeinde von heute

wird nicht allein von den Shaw und Stratford-Festspielen bestimmt,

sonden vom Cornerstone Theater in Los Angeles,

einem Künstlerkollektiv, das nach dem 11. September

10 verschiende religiöse Gemeinden zusammenbrachte --

Bahia, Katholiken,

Muslime, Juden,

selbst amerikanische Ureinwohner

und homosexuelle Glaubensgemeinschaften

und ihnen half, ihre eigenen individuellen Stücke zu schaffen

und ein gigantisches Stück,

in dem sie die Unterschiede ihres Glaubens erkundeten

und Gemeinsamkeit als einen

ersten wichtigen Schritt zu

gemeinschaftsübergreifender Heilung zu finden.

Heutige Darsteller wie Rhodessa Jones

arbeiten in Frauengefängnissen,

sie helfen Frauen dabei, den Schmerz der Kerkerhaft auszudrücken,

während heutige Stückeschreiber und Regisseure mit Jugendbanden arbeiten,

um alternative Ausdrucksmöglichkeiten statt Gewalt zu finden

und vieles, vieles mehr.

Und ja, ich denke, eher als ausgelöscht zu werden,

sind die darstellenden Künste an der Schwelle einer Zeit aufgestellt,

in der wir bedeutender sein werden,

als wir es jemals waren.

Nun, wir haben es schon lange gesagt,

wir sind entscheidend für die Gesundheit der ökonomischen Gemeinschaften in Ihrer Stadt.

Und zwar hundertprozentig.

Ich hoffe Sie wissen, dass jeder Dollar, der in einer Gemeinde für ein Billet der darstellenden Künste ausgegeben wird,

weitere fünf bis sieben Dollar für die lokale Wirtschaft generiert,

Dollar, die in Restaurants ausgegeben werden, oder fürs Parken,

beim Tuchhändler, wo wir Stoffe für unsere Kostüme kaufen,

dem Klavierstimmer, der die Instrumente stimmt und so.

Aber die Künste werden bedeutender für Volkswirtschaften,

während wir voranschreiten,

besonders in Industrien, die wir uns bislang nicht einmal vorstellen können,

genauso wie sie entscheidend für den iPod waren

und die Computerspiele-Industrie,

die wenige, wenn überhaupt jemand von uns,

vorhergesehen haben vor 10 oder 15 Jahren.

Unternehmensführung wird zunehmend von

emotionaler Intelligenz abhängen,

der Fähigkeit genau zuzuhören,

Einfühlungsvermögen zu haben,

Veränderung auszudrücken, andere zu motivieren --

genau jene Fähigkeiten

die Kunst bei jeder Begegnung kultiviert.

Gerade jetzt,

da wir uns alle dem Irrtum der

ausschließlichen Marktorientierung stellen müssen,

uniformiert durch soziales Gewissen,

müssen wir die Macht der Kunst ergreifen und preisen

um unsere individuellen und nationalen Eigenarten zu formen,

und insbesondere das Wesen der jungen Menschen,

die allzu oft eher dem Bombardement der Sinneseindrücke

als bewusst aufgenommener Erfahrung unterworfen sind.

Letztlich, gerade heute, in dieser Welt,

in der wir im Kontext

regressiver und lästiger Einwanderungsgesetze leben,

mit Reality-TV das durch Erniedrigung gedeiht,

und in einem Kontext kritischer Beurteilung,

wo das, was wir am häufigsten hören,

tagein, tagaus in den Vereinigten Staaten,

an jedem Bahnhof, jedem Busbahnhof, jedem Flughafen ist:

"Meine Damen und Herren,

bitte melden Sie jedes auffällige Verhalten

oder verdächtige Personen

der nächstliegenden Behörde."

Wo wir auf all diese Arten ermutigt werden

unseren Nächsten mit Feindseligkeit zu begegnen

und Furcht und Verachtung und Argwohn.

Die Künste, was auch immer sie machen, laden uns jedesmal, wenn sie

uns zusammenführen, dazu ein, unser Gegenüber

mit Großmut und Neugier zu betrachten.

Weiß Gott, wenn wir diese Fähigkeit jemals in der

Geschichte der Menschheit brauchten,

dann brauchen wir sie jetzt.

So sind wir also miteinander verbunden,

denke ich, nicht durch Technik, Unterhaltung und Design,

sondern durch eine gemeinsame Sache.

Wir arbeiten daran, gesunde, pulsierende Gesellschaften zu fördern,

um menschliches Leiden zu mildern,

um eine umsichtigere,

substantielle, empathische Weltordnung zu schaffen.

Ich grüße Sie alle als Aktivisten in dieser Aufgabe

und dränge Sie, die Kunst in Ihrer Arbeit zu umklammern und ihr einen hohen Stellenwert einzuräumen,

was auch immer Ihr Ziel sein mag.

Ich versprechen Ihnen, die Hand der gemeinnützigen Doris Duke-Stiftung

ist heute und in kommenden Jahren in Freundschaft ausgestreckt.

Und ich danke Ihnen für Ihre Güte und Ihre Geduld mir heute Nachmittag zuzuhören.

Vielen Dank und viel Glück.