¿Por qué no entendemos el arte contemporáneo? | Jessica Backus | TEDxCornellTech

¿No estás seguro de tu postura en el arte contemporáneo? Jessica Backus comparte algunas estrategias para poder entenderlo mejor.

Actualmente, Jessica Backus es Directora de aprendizaje y del proyecto de arte genoma de Artsy ("The Art Genome Project"), enciclopedia, base de datos en línea, y motor de búsqueda para temas relacionados con el arte. Backus se graduó de la maestría de Historia del Arte en Hunter College, Nueva York, donde su investigación se enfocó en el arte de posguerra en Alemania.

Esta charla es de un evento TEDx, organizado de manera independiente a las conferencias TED. Más información en: http://ted.com/tedx

Esto va a sonar un poco como
un anuncio de servicio público,

pero aquí va:

levanten la mano

los que no entiendan el arte contemporáneo

o conozcan a alguien que no lo entienda.

¿Hay alguien?

Sí. Yo tampoco.

Yo tampoco. Lo sé.

Llevo trabajando unos 10 años
en el mundo del arte

y actualmente trabajo
en una empresa llamada Artsy.

Es una plataforma en línea

en donde trato que el arte sea accesible

para quienquiera que le interese aprender
o quizá empezar a coleccionar.

Esto es algo con lo que
me encuentro a diario,

y soy muy consciente

de que mucha gente considera
el arte contemporáneo como una farsa.

Este es uno de mis ejemplos favoritos
de este tipo de recelo.

Esta es una escena de la comedia
"Colgados en Filadelfia",

y Danny DeVito interpreta
a un excéntrico coleccionista de arte

que deambula por el lugar
señalando las piezas y diciendo:

"Esto es una estafa.

Una farsa, muy ordinario".

Se detiene y ve una pieza
que le encanta y dice:

"Me fascina, la quiero".

La galerista se inclina hacia él

y en voz muy bajita
y sofisticada le dice:

"Eso es el aire acondicionado".

Sin desanimarse, le responde:
"Lo quiero, lo es todo para mí".

Creo que la moraleja aquí
es muy sencilla, ¿verdad?

O bien el arte contemporáneo
es una farsa total

o tienes que estar metido
en la materia para entenderlo.

Y si no estás metido,

tal vez te sientas inferior
por no entenderlo.

Bueno, pienso que es
una situación lamentable,

y por eso quería hablarles al respecto,

y, aunque bromeé con que esto
sonaba a anuncio de servicio público,

en realidad, creo que el arte hoy en día

es un bien público,

y, por lo tanto,
todos merecemos más de él.

Ahora, voy a mencionar
algunas razones históricas

por las que el arte resulta
tan inaccesible hoy en día.

También les voy a dar algunos consejos

que les ayudarán a entender
el 99 % del arte que vean.

Antes de entrar en el tema, voy
a empezar con algunos conceptos básicos.

Voy a hablarles sobre el arte
moderno y contemporáneo.

Las diferencias entre ellos
abarca tanto como para dar otra charla,

pero cuando hablo de "arte moderno",
me refiero al arte desde 1900.

Y cuando digo "contemporáneo",
son obras desde los años 60.

Y también hablaré del arte occidental,

el cual tiene su propia tradición
que lo diferencia del resto,

lo que podríamos llamar
"arte no occidental",

una categoría amplia para lo que
no sea de EE. UU. o Europa.

Bueno, ¡pues vamos a empezar!

¿Por qué no entendemos
el arte contemporáneo?

En mi opinión, hay tres razones.

La primera es el mundo
del arte en sí mismo.

El mundo del arte
se regocija en su exclusividad.

En lugar de intentar invitarte
y ayudarte a involucrarte con el arte,

te prepara para fallar desde el inicio.

Como sabemos, la música,
la televisión y los podcasts

pueden disfrutarse a pedido:
vienen a nosotros.

Mucha gente los disfruta
de una manera muy especial e intensa.

Entonces, ¿por qué no puede pasar
lo mismo con el arte contemporáneo?

Pienso que en parte se debe
al modelo de servicio bajo demanda,

en el sentido de que, con el arte,

tienes que salir al mundo para vivirlo.

Tienes que ir a un museo o una galería,

y ya estando ahí encontrarás
galeristas y curadores

y así llegas al mundo del arte,
en cierto sentido.

En el arte, las instituciones
son el centro de todo,

y casi siempre son monumentales

como ciudades sobre colinas.

Así que primero tienes que pasar
por todo lo anterior para llegar al arte.

Literalmente, tienes que subir la montaña,

como en el MET aquí en Nueva York,
para poder llegar al arte.

Vamos a hablar un poco de arte.

La artista británica Tracey Emin afirma:
"El arte moderno es solo el medio

por el que nos aterrorizamos
a nosotros mismos".

El arte hoy puede ser
conceptual o cerebral;

puede ser difícil y aburrido.

Vamos a hablar sobre el porqué,
pero antes les diré la tercera razón

por la que no entendemos
el arte contemporáneo.

Y resulta que es lo único
que podemos cambiar a voluntad.

Nosotros mismos.

En parte es nuestra culpa,

pero la cara de la moneda es que
el arte necesita ser comprendido.

Nos necesita, al espectador,
para interpretarlo y darle significado.

Y ahora uno se pregunta:
"¿Cómo se supone que haga eso?".

Para poder responder esa pregunta
necesitamos regresar al principio;

a cuando el arte no significaba
lo que significa hoy.

Muy bien.

Ahora voy a pedirles
que piensen en los artistas.

Piensen en las características
con las que los asocian.

La mayoría pensamos que
los artistas son originales o creativos.

Podrían ser genios.

Quizás difíciles de carácter,
pero apasionados por su trabajo.

Actúan como si las normas
sociales no aplicaran para ellos.

Solo tenemos que remontarnos
250 años para tener

una percepción totalmente distinta
de lo que significa ser un artista.

Este cambio sucede ante nuestros ojos

si comparamos dos enciclopedias
del siglo XVIII.

Aquí vemos, de 1728,
"Los mapas del conocimiento"

de Ephraim Chambers.

Y aquí...

en donde lista todos los tipos
de logros humanos,

en donde buscaríamos el arte,
hay dos grupos muy diferentes.

Uno para arquitectura,
escultura y manufactura,

llamadas "las artes mecánicas".

Y en una categoría aparte

vemos la pintura y la perspectiva
bajo el título de "óptica".

La idea de homogeneidad
en un artista o en las artes plásticas

aún no existe.

Si nos adelantamos a 1751,
observamos la enciclopedia de Diderot.

Y por primera vez, las artes se agrupan
tal y como las conocemos hoy.

Música, pintura, escultura,
arquitectura y grabado

aparecen en el mismo grupo.

Y, es más, las agrupó
en el ámbito de la imaginación.

La imaginación es, pues, como
un reino superior del logro humano

mucho más alto que la memoria y la razón,
los otros dos grupos de Diderot.

¿Y qué sucede al elevar el arte
al ámbito superior de la imaginación?

Se convierte casi en una religión,

y los artistas en una especie
de sacerdotes seculares.

Y, como en todas las religiones,
el arte comienza a desarrollar

sus propias instituciones,
su manera de pensar,

sus propias conductas
y sus propios intermediarios,

que son quienes pueden hablar
directamente con los dioses

y transmitirlo al resto de nosotros.

Son estos intermediarios
a los que llamo "el mundo del arte",

y como en la religión,
tienen su propio lenguaje litúrgico.

Quizás reconozcan esto
o lo hayan visto en alguna parte.

Este es un ejemplo:

"La humanidad aspira a la grandeza,
al deseo de ser libre de la enajenación

y a la dominación de la gravedad.

Una dialéctica física y existencial,

que está en un estado
permanente de oscilación

entre el ascenso y el descenso voluntario,

nos impulsa a explorar
los límites del equilibrio".

Podemos interpretar esto
como "ponerse de pie".

Recientemente, dos investigadores,
Alix Rule y David Levine,

descubrieron que este lenguaje
tiene rasgos propios suficientes

para considerarse un dialecto
en sí mismo:

tiene su propia sintaxis,

su propio vocabulario con palabras
como "aporía" y "transversal",

que nadie utiliza en el día a día.

Y, claro, nos preguntamos: ¿por qué
el arte habla de esta manera?

A decir verdad, hay
algunas razones históricas

relacionadas con la teoría
sobre cómo el arte crea significado.

Pero en realidad, este tipo
de lenguaje es un indicador social

que designa a un grupo
interno y a uno externo,

es decir que si uno lo lee
en un boletín o en un artículo,

generalmente no está escrito para ti.

Sé que esto es una frustración,

y para mí también lo es.

A veces tampoco lo entiendo.

Y lo más frustrante es que se usa
casi siempre para complicar

lo que de lo contrario sería
una obra de arte sencilla.

Y es lamentable que esto haga
que el arte simple se desestime

como si fuera una porquería.

Por ejemplo, en la película de terror

"El duende maldito:
de vuelta en el barrio",

si no la han visto, se trata
de unos artistas de hip-hop

que liberan por accidente
a un duende de su prisión mágica.

Si yo la viera, creo
que me sentiría capacitada

para decir: "No me gusta", ¿verdad?

Pero si me la plantearan como la lucha
existencial de la juventud urbana

para superar las barreras,
tanto reales o imaginarias,

físicas y misteriosas que se interponen
en su búsqueda poscapitalista

de fama y riquezas... pues
yo lo llamaría "una porquería".

Como dije, esto es lamentable
porque nos lleva a despreciar

el arte que no nos gusta
y llamarlo una "farsa".

Y quizás sería preferible decir
"no me gusta ese tipo de arte",

porque si dices que no te gusta,
insinúas que hay otro arte que sí.

Y eso quiere decir que tienes una opinión,

y ese es uno de los primeros
pasos para entender el arte.

Voy a hablar un poco
sobre ese tipo de arte.

Son casi 250 años en que el arte
no se trata de belleza,

ni de destreza.

Si recordamos los grupos de Diderot,

se trata imaginación, ¿verdad?

Y si el arte es imaginación e ideas,
y si las ideas son lo primordial,

esto implica que sus formas
y técnicas son secundarias.

En los años 60 surgió el arte conceptual,

que llevó esta premisa
a su conclusión lógica.

Les muestro un ejemplo:
"Una y tres sillas" de Joseph Kosuth.

Lo que en realidad expone es
¿cómo sabemos qué es una silla?

Parece una pregunta simple,
pero Kosuth se la hace.

¿Es porque entendemos
la reproducción fotográfica de una silla

o porque conocemos su estructura,
o simplemente por la palabra "silla",

cuya definición todos compartimos?

Si extrapolamos esta obra,
en realidad pregunta:

¿por qué las cosas significan
lo que significan?

O como Kosuth dijo: "El arte no trata
de colores o formas, sino de significado".

Voy a suponer que después
de esta explicación, la mayoría de Uds.

entienden esta obra.

Puede que no sea atractiva
o interesante, y concuerdo con Uds.

Pienso que en esta obra las ideas
son demasiado claras, casi perfectas,

que en realidad se vuelve aburrida.

El arte contemporáneo
no tiene que ser así.

Y lo que me resulta más interesante
sobre el arte no son las ideas en sí,

sino cómo se expresan.

Este "cómo" es lo que
los historiadores del arte

llaman "estrategias" o "modos"
si es que han escuchado esos términos.

Y dentro de las estrategias
es donde vemos las soluciones

más interesantes y creativas,
y las mayores innovaciones.

Voy a compartir con Uds.
cinco de estas estrategias.

Quizá los artistas solo quieran buscar
una nueva experiencia sensorial,

así de simple.

James Turrell, con obras
en el Guggenheim de Nueva York,

dijo: "Quería crear una luz,
como la que se ve en los sueños".

Y es lo que muestra en esta obra:
es como una experiencia reveladora

sobre la luz al entrar. Así de simple.

Los artistas pueden incorporar
el significado en los materiales.

En 2014, Kara Walker, ocupó la refinería
de azúcar "Domino" en Brooklyn.

Es una fábrica abandonada de 130 años,

y creó esta esfinge monumental.

Se aprecia que la esfinge tiene
rasgos típicos de la criada negra;

es la imagen estereotipada
de una esclava negra.

Walker usó más de 30 toneladas
de azúcar para hacer esta obra.

Usó azúcar. ¿Cuál es su significado?

Por supuesto, es la conexión
con el lugar, la refinería "Domino",

y también el azúcar fue un factor
importante en la trata de esclavos.

Walker quiere que hagamos nuestras
propias asociaciones con el azúcar;

su significado en la vida diaria
y en nuestra violenta historia.

Quizá, cómo esta historia se relaciona
con nuestra vida en el presente.

Los artistas a veces solo
tratan de evocar emociones,

ya sea alegría o nostalgia
de los globos de la infancia.

Para toda emoción, hay siempre
una obra que la expresa.

[Arte sobre el arte]

Este es un tema más difícil, pero
los artistas se la pasan creando arte,

se implican en él y con su historia.

Esta obra de Mark Flood se titula
"Another Painting" [Otro cuadro más].

Si nos imaginamos en una feria
de arte, el lugar donde las galerías

venden sus obras,

y ya has visto miles de obras
en venta, puesto tras puesto,

y al final ves esto: "otro cuadro más".

Aquí vemos a Niki de Saint Phalle.

En la década del 60 empezó
a dispararles a sus lienzos.

Es un gran acto de nihilismo:
literalmente dispararle

al soporte esencial del arte
de los últimos 500 años.

Los artistas también
expanden sus posibilidades,

yendo más allá de los soportes
y espacios convencionales del arte.

En 1970, Robert Smithson
crea "Muelle en espiral",

una masa terrestre artificial
que penetra casi 500 metros

dentro del Gran Lago Salado.

Aquí, Smithson usa la tierra
como su soporte y su museo.

Vemos a Azuma Makoto,
que se asoció con JP Aerospace

para lanzar un bonsái
a la estratosfera, a más de 27 700 metros,

y filmarlo con cámaras GoPro.

Estos artistas muestran que el arte
puede ser sobre cualquier cosa

y experimentarse en cualquier parte,
ya sea en la Tierra, o más allá.

Esto nos lleva a ustedes.

Supongo que se preguntan:

¿Cómo voy a empezar
a experimentar este arte?

Un buen comienzo es saber que
el arte puede ser sobre cualquier cosa,

y es probable que en algún lugar
haya una obra relevante

relacionada con algo de nuestra
vida, algo importante para uno,

ya sea un interés por temas
de género e identidad, o política

y el movimiento
"Las vidas negras importan",

quizá tecnología o solo como una forma
nueva y atractiva de interactuar.

Esta es una de mis obras favoritas
del colectivo de arte

"Teatro de Disrupción Electrónica"

y se llama "Artefacto
de inmigración fronteriza".

Consiste en una serie
de teléfonos de prepago distribuidos

a los inmigrantes indocumentados
que cruzaban la frontera de México

para entrar al sur de California.

Los teléfonos incluían sistemas GPS
que los guiaba al agua en el desierto.

Los teléfonos también incluían
poesía, porque son obras de arte.

Y como eran para ayudar
a los inmigrantes indocumentados,

este grupo fue investigado
por la unidad de ciberdelitos del FBI,

y durante un interrogatorio
el FBI preguntó por qué había poesía.

"¿Es poesía encriptada?".
Y la respuesta fue:

"¿No está toda poesía encriptada?".

El arte se parece mucho a esto ¿verdad?

Es una forma encriptada de significado.

Y no siempre tiene
solo un significado, ¿verdad?

No es la respuesta que el FBI buscaba,
algún tipo de palabra clave.

Hay varios significados.

Y para tratar de entender esta obra,
o por así decirlo, descifrarla,

solo necesitamos pensar en esas
cinco estrategias que expliqué,

y "desmontar" las preguntas que
puedes tener la próxima vez que veas arte

Al ver una obra, pregúntense:
¿qué veo aquí?, ¿qué siento?,

¿puedo tocar el arte?,
¿puedo entrar en él?

Si se siente algo nuevo,
puede ser agradable o no,

pero si se nota eso, sin más,
puede bastar para entenderlo.

Otra pregunta. ¿Qué materiales se usan?

Esta obra de Damien Hirst
se titula "Por el amor de Dios".

Es un cráneo que contiene
8000 diamantes impecables.

¿Qué trata de expresar Hirst
al usar este material?

¿Qué siento? ¿Por qué?

¿Qué hace el artista para provocar
ese sentimiento en mí?

Y, por último, ¿qué es lo que esta obra
dice sobre otras obras?

Esta puede ser la pregunta más difícil
porque requiere conocimiento previo,

pero se puede leer un artículo,
la ficha en la pared.

Y ahora que ya sabemos
cómo funciona este lenguaje,

el tipo de lenguaje que se usa
en un artículo de arte,

quizá se pueda "traducir".

Y si eso permite captar
una idea, ya es gran avance.

Creo que el 99 % del arte
que seguimos sin "captar"

al hacernos estas preguntas,

quizás la cuestión es
que no nos gusta, sin más.

¿Y saben qué?

Probablemente haya personas
a las que les pasa lo mismo.

¡Y no pasa nada!

Vayan a ver obras de arte
y no hace falta que les gusten,

que no les agraden muchas de ellas,
porque sobre la marcha

encontrarán arte que sí les guste.

Gracias.