John Akomfrah em "Londres" - Temporada 10 - "Arte no Século 21" | Art21

"A Art21 orgulhosamente apresenta um segmento com o artista John Akomfrah, do episódio 'Londres', da décima temporada da série "Arte no Século 21".

'Londres' estreou em setembro de 2020 na PBS. Assista agora na PBS e no aplicativo PBS Video: https://www.pbs.org/video/london-8x7jrh/

Desde o início da década de 80, o cineasta inovador John Akomfrah criou enormes instalações de vídeos em canais múltiplos que misturam arquivo com imagens e áudios autorais. Seus trabalhos épicos conectam, de forma ambiciosa, os legados globais da escravidão e do colonialismo à degradação ambiental e a sua própria biografia.

John Akomfrah nasceu em Acra, Gana, em 1957. Cineasta pioneiro, Akomfrah cria instalações de vídeos em canais múltiplos que examinam criticamente o legado do colonialismo, a diáspora negra e a degradação ambiental.
Akomfrah entrelaça imagens autorais com material de arquivo para criar narrativas emocionantes e repletas de camadas que justapõe a memória pessoal e a histórica, passado e presente, crise climática e crise humanitária.

Aprenda mais sobre o artista em: https://www.pbs.org/video/london-8x7jrh/

CREDITS | Executive Producer: Tina Kukielski. Series Producer: Nick Ravich. Director & Producer: Ian Forster. Editor: Morgan Riles. Director of Photography: Andrew Kemp.

Assistant Curator: Danielle Brock. Design & Animation: Momentist, Inc. Composer: Joel Pickard. Additional Art21 Staff: Lauren Barnett, Lolita Fierro, Joe Fusaro, Meghan Garven, Jonathan Munar, and Emma Nordin. Narration: Okema T. Moore.

Additional Photography: Jarred Alterman, Joshua Bagnall, Bryan Chang, Matt Conway, Pau García Laita, Christoph Lerch, Jonnie Lewis, John Marton, and Rafael Salazar Moreno. Assistant Camera: Santi Arcos, Alex Rozerot Kirkwood, Oliver Richardt, Charlie Stoddart, Matt Ward, Yifan Wen, and Ava Wiland. Location Sound: Simon Forrester, Tim Hodge, Sean Millar, Annie Needham, and James Page. Beijing Field Producer: Vicky Du. Production Assistants : Jonathan Batty, Adam Roberts, and Rialda Zukic.

Digital Intermediate: Cut + Measure. Post-Production Producer: Alex Laviola. Colorist: Chris Ramey. Post-Production Sound Services: Konsonant Post. Re-Recording Mixer & Sound Editor: Gisela Fullà-Silvestre. Online & Conform: David Gauff. Additional Animation: Andy Cahill. Assistant Editors: Jasmine Cannon, Jonah Greenstein, and Mengchen Zhang. Descriptive Video Information: Captionmax. Public Relations: Cultural Counsel. Station Relations: De Shields Associates, Inc. Legal Counsel: Barbara T. Hoffman, Esq.

Artwork Courtesy: John Akomfrah, Phyllida Barlow, © Anish Kapoor. DACS, London / ARS, NY 2020, Christian Marclay, Black Audio Film Collective, Hauser & Wirth, Lisson Gallery, Paula Cooper Gallery, Smoking Dogs Films, and White Cube. Additional Music: “Craft” & “Pandora’s Box” by Christian Marclay; Atavistic Records.

Interns: Shane Daly, Grace Doyle, Eda Li, Daniela Mayer, Jason Mendoza, Nikhil Oza, Anika Rahman, Ana Sanz, Sara Schwartz, Victoria Xu, and Sadie Yanckello.

Archival Materials: BlackBoxGuild; Teri Bloom; British Council; Jacob Burckhardt; © Paula Court; CriticalPast; Paul Crosby; Adrian Gaut; Alexander Gold; Andy Haslam; Intermezzo FIlms / Luc Peter; Pierce Jackson; Lucerne Festival; Museu d’Art Contemporani de Barcelona; Pond5; SandenWolff, Courtesy Public Art Fund, NY; Jared Schiller; Snapchat; © Tate; © The Eva Hesse Estate; The Kitchen Archive, ca. 1971–1999; The Getty Research Institute; Whitechapel Gallery Archive; White Cube; © Whitney Museum of American Art, 2010.

Special Thanks: The Art21 Board of Trustees; Lucy Adams; Ashitey Akomfrah; Anthony Allen; Barlow studio assistants; Alison Burstein; CAFA Art Museum; Anna Cerdà i Callís; Clare Chapman; Coriander Studio; Cultureshock Media; Des Moines Art Center; Susan Doyon; Raena Franklin; Gibbs Farm; Emma Gifford-Mead; Elissa Goldstone; Nora Gomez-Strauss; Lina Gopaul; Melissa Saenz Gordon; Tim Griffin; Louise Hayward; Mackie Healy; Shelley Hirsch; Huddersfield Contemporary Music Festival; ICA Boston; Jupiter Artland; Kapoor studio assistants; Esther Knuth; Betsy Lack; David Lawson; Los Angeles County Museum of Art; Jon Lowe; Millennium Park, City of Chicago; Ministry of Tourism, Arts & Culture, Republic of Ghana; Tessa Morefield; David Moss; Capucine Perrot; Pitzhanger Manor & Gallery; Elizabeth Robert; Royal Academy of Arts; Dread Scott; Somerset House; Tate Britain; Venetia Tate; Times Square Arts; Sophie Treharne Nurse; Venice Biennale; Lucy Wilkinson; Nora Woodin; and Allison Wruble.

Major underwriting for Season 10 of Art in the Twenty-First Century is provided by PBS, National Endowment for the Arts, Lambent Foundation, The Anna-Maria and Stephen Kellen Foundation, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Toby Devan Lewis, The Horace W. Goldsmith Foundation, Henri Lambert, Nion McEvoy & Leslie Berriman, and Sakana Foundation.

Series Creators: Susan Dowling and Susan Sollins. ©2020 Art21, Inc.

#JohnAkomfrah #London #Art21

Tradução para o português: Luanda Jabur

♪arranjos de cordas vibrantes♪

Quando era mais novo, o sonho era estudar
história da arte e eu só queria ser um

historiador de arte. Nem mesmo artista, só
um historiador, nem sei de onde veio isso.

Acho que a primeira vez que vim aqui
devia

ter 14 anos, voltei todos os meses até
ir embora de Londres para a faculdade.

Comecei com os mais gentis, os Constables.
O Constable sempre me passa essa sensação,

é como dar os primeiros passos em
uma iniciação à pintura.

É como uma representação fatídica da zona
rural inglesa. Tenho esse tipo de

familiaridade com certas características
da paisagem inglesa. Entendo tudo isso.

Turner é um escolhido porque tem um gesto
de vontade e imaginação em primeiro plano.

Tem o que chamo de olho cinematográfico.
É uma pintura, mas parece que você está

no desastre.

Tudo que eu amo sobre Turner
desde o começo está aqui.

Quando se é jovem, as pinturas te moldam
porque elas te ensinam como ser humano.

Não me ensinaram a ser uma pessoa preta,
mas me ensinaram a ser humano.

Devagar me dei conta, é como um
templo da branquitude, onde quer que olhe

você pode ver. A branquitude é oferecida
pelas pinturas como visão de excelência.

É quase um momento psicanalítico de
vir a ser. Justo a coisa que você ama pode

ser o que te mantém em um estado de
desconforto sobre seu lugar na cultura.

Então, você tem que encontrar outra forma
de se aproximar

daquilo que ama, enfeitando com outras
histórias, memórias, narrativas.

Me interessei em fazer filmes com telas
múltiplas porque parecia uma

forma de juntar interesses difusos.

Em um projeto no qual você mesmo filmou
o material, ter material de arquivo diz

de cara: multiplicidade. Ou vozes em ação,
em vez de uma única voz.

Sou mais coreógrafo que criador.

Sempre amo essas coisas.

— Sim.

De certa forma você consegue
só ver,

não sei, mas estranhamente você vê
que é 4k.

Sim, sim, tem mais detalhes nas linhas.

Sim, é só mais detalhe, é só mais luz.

É.

Olha aquilo.

O espectro inteiro, mas dá pra ver o que
está acontecendo.

Incrível.

[Risos]

É isso aí. Volta ali.

Se você vive como vivi em Londres,
crescendo como pessoa racializada, uma das

missões era entender quem você era e, como
resultado, dar esse sentido para outros.

Esse sentimento ser compartilhado
com outros foi muito importante

para o Black Audio Film Collective surgir.

Nós crescemos como grupo em uma faculdade
de artes na costa sul da Inglaterra.

Nós ouvimos de amigos ao redor do
país que algo estava acontecendo

em Handsworth e que devíamos
documentar aquilo.

Os jovens estão com raiva.

Não é só o desemprego.

Isso é só o pano de fundo.

É só -- todo mundo sente isso. Certo?

Não é a maior parte.

É a perseguição que está acontecendo com
as pessoas pretas da região.

Uma das características dos anos 70 e 80
foi uma série de protestos em todo o país.

O motivo que grupos de homens e mulheres
pretos tomaram a rua

tinha algo a ver com o presente, claro.
Mas também

era como um acúmulo de todos os tipos de
outros eventos que levaram a aquele ponto.

Isso é para aqueles com quem a história
não foi amigável.

Para aqueles que conheceram as crueldades
de um despertar político.

Precisávamos lembrar as pessoas de que os
protestos eram cercados de todas essas

outras histórias.

"Handsworth Songs" era uma tentativa de
fazer isso.

Queríamos levantar a questão da
representação negra no cinema.

Nos anos 90, sentimos que tínhamos
feito isso.

Continuamos amigos e aliados apesar de não
trabalharmos mais como coletivo.

Literalmente, alguns meses atrás o que
definia essa praça eram os

acampamentos permanentes de pessoas
pró-Brexit e pessoas anti-Brexit. E

é claro que todos se foram agora. Parece
um negócio fechado, mesmo, é deprimente.

Cada vez mais há um tipo de
desencanto em estar em Londres.

A maioria de nós, que tem aparência
estrangeira, recebeu cedo a mensagem,

no fim das contas, o Brexit era uma forma
de dizer: "Não queremos vocês".

E isso faz você se sentir, por um momento,
implacável.

Agora que é como se tivesse "acabado",

parte de aceitar a situação é não deixar
que isso te desestabilize.

A essência de todos os experimentos, seja
na política, estética ou narrativa é que

precisa haver uma forma em que passado,
presente e futuro possam formar um todo.

É impossível superestimar a importância
do mar na

formação da diáspora africana e na
identidade negra.

"Vertigo Sea" foi feito a partir de
leituras de Moby Dick.

Relatos de escravizados africanos
perecendo no mar e certamente a crise dos

barcos vietnamitas nos anos 70, tentativas
de escapar do Vietnam e vir para a Europa.

Era importante que parecesse episódico.

Quando fiz a instalação de "Vertigo Sea"
na Turner Contemporary, tinha um Turner e

a pintura que escolhemos era "The Deluge".
Era absolutamente perfeito

para aquela exibição porque deu um tipo
de padrinho para "Vertigo Sea".

Eu sentia que era importante

ter diferentes vozes representando as
formas que os desastres acontecem no mar.

♪ sintetizadores suaves carregados de
tensão♪

A mudança ao fazer "Purple" veio do desejo
de encontrar uma maneira de unir

autobiografia e reflexões históricas.

Se você vive como eu vivi, em Londres nos
anos 60,

ninguém mencionava o fato de que viver
sob uma usina elétrica, que despejava

toneladas de carbono na atmosfera podia
ter efeitos adversos na sua vida. Nunca.

Battersea Power Station estava trabalhando
na revolução cubana e continuou

a funcionar na época que Nkrumah foi
deposto em Gana em 66. Me envenenava

na Marcha de Washington. Tudo isso
acontecia exatamente ao mesmo tempo.

Não há causalidade entre a Marcha de
Washington e minha intoxicação quando

adolescente, mas o tecido conectivo sou
eu.

Eu vivi através disso, eu experienciei
isso.

Então, por consequência, eu sou esse
estranho produto de elementos diversos.

"No céu, esses gases são parcialmente
convertidos em

ácido sulfúrico e ácido nítrico."

♪piano suave♪

Não é verdade que as crianças não sabem
que eventos políticos acontecem, sabem.

Você sentia, era palpável.

Lembro claramente que as coisas tinham
mudado em Gana.

Tenho ascendência ganesa.

Minha mãe era membro do partido governante
que levou Gana à independência em 57.

O golpe militar em 66 basicamente
significava que tínhamos de deixar Gana,

porque golpes são um pouco como a morte
quando chegam. Arrastam tudo.

Eu estava muito feliz de vir pra cá. E por
uma década, isso era o paraíso pra mim.

"Four Nocturnes" foi minha contribuição ao
Pavilhão de Gana na Bienal de Veneza.

A proposta era criar algo sobre a
liberdade de Gana.

O aquecimento global está afetando os
africanos. Estão sofrendo no continente.

Quando você olha uma imagem de uma
pessoa jovem andando no deserto,

também vale considerar, na tela, que
o deserto não é desprovido de história.

Tantos imigrantes africanos se afogaram,
milhares. Cinco, seis anos atrás.

Todas aquelas vidas diziam "Qual é cara?
Você podia ser um de nós.

Se você não é um de nós, o que você fará
pra dizer às pessoas sobre quem somos?"

Uma vez que você entende que é
um produto das coisas,

você não consegue deixar de perceber
isso ao longo da sua vida.

Aqueles que querem morrer livres,
levantem-se comigo!

[aplausos]

Rumo a New Orleans!

O artista Dread Scott decidiu organizar
uma reencenação

da rebelião dos escravizados em 1811,
uma forma de honrar o evento.

Conheço Dread há 15 anos.

Amigos ou aliados costumam me chamar
para algo

e vou, se posso. Me envolvi porque ele me
chamou, em um ato de solidariedade.

Se parecer que estão indo longe demais por
um lado, gentilmente traga para outro. Ok.

Vamos começar agora,
já consigo vê-los.

É um grande evento da diáspora africana
que poderia ter mudado

toda a história da escravidão ao redor das
Américas.

Nós vamos passar os próximos sete meses,
Lara e eu, tentando encontrar a ordem

narrativa do material que filmamos nesses
dois, três dias. Então, começaremos

a adicionar algumas dessas coisas.

Gostaria de evocar outros eventos para
ajudar isso a fazer sentido no presente.

Se você me vir em campo filmando,
estarei com meu colaborador de longa data

David Lawson. Minha companheira Lina,
que também é membro do coletivo

e meu filho Ashitey que está trabalhando
conosco. Nós conduzimos o projeto todo.

O sentimento de pertencimento não é um
ideal abstrato britânico ou de Londres.

É muito concreto, específico. Você faz seu
território onde se sente confortável,

com um bando de amigos e essa é sua
Inglaterra, sua Londres.