Como ver mais e preocupar-se menos: a arte de Georgia O'Keeffe — Iseult Gillespie

Vejam a lição completa: https://ed.ted.com/lessons/how-to-see-more-and-care-less-the-art-of-georgia-o-keeffe-iseult-gillespie

Sentindo-se desligada de criar arte segundo as convenções clássicas, a artista Georgia O'Keeffe começou a fazer experiências com desenhos abstratos que desafiavam uma classificação fácil. Usando as formas e os ritmos da natureza para captar o seu mundo interior, estas experiências tornaram-se a pedra angular do movimento conhecido por Modernismo Americano. Iseult Gillespie explora as obras da esquiva pintora e escultora.

Lição de Iseult Gillespie, realização de Lisa LaBracio.

Uma tela encharcada
em tonalidades do pôr-do-sol,

cores irradiando como chamas.

À primeira vista, esta pintura

pode parecer
uma imagem abstrata, impossível.

Mas um olhar mais atento revela
os caules tenros,

as pétalas sensuais
e a textura aveludada duma "Canna".

Esta metamorfose de temas naturais
numa geometria abstrata

é vulgar na obra
de Georgia O'Keeffe,

a revolucionária pintora
e escultora americana.

Mas a magia por detrás
desta transformação

mantém-se tão esquiva
como a própria artista.

Nascida em Wisconsin em 1887,
O'Keeffe passa a infância

a apanhar flores silvestres
e a arranjar frutos para pintar.

Aos 17 anos, foi para Chicago
estudar no prestigiado Instituto da Arte.

Os professores ensinaram-lhe
a reproduzir fielmente a realidade

segundo as convenções
dos mestres europeus.

Embora ela apreciasse a solidão
e a precisão esta arte,

O'Keeffe sentia pouca
ligação pessoal com ela.

Depois de ir para Nova Iorque,
sentiu-se cada vez mais atraída

para as linhas limpas

para a composição atraente
e as cores vivas da arte japonesa.

O'Keeffe em breve encontrou
um professor cujas lições a inspiraram

a pôr em prática esses interesses.

Ao contrário dos professores anteriores,

Arthur Wesley Dow incitava os seus alunos

a concentrar-se em representações
mais abstratas

de luz, forma e cor.

Essas lições manifestaram-se

na primeira série
de desenhos abstratos de O'Keeffe.

Feitas a carvão, apresentam
uma série de linhas onduladas,

sombreados ousados
e nuvens esvoaçantes.

Estes desenhos desafiam
uma classificação fácil,

sugerindo, mas nunca correspondendo
a qualquer referência natural específica.

Pintores europeus anteriores
de tradição cubista

tinham usado uma geometria rígida
para abstrair temas externos.

Mas aqui, O'Keeffe usava
as formas e ritmos da Natureza

para captar os seus
sentimentos interiores.

Experiências como estas
em breve se tornaram na base

dum movimento artístico
chamado o Modernismo Americano.

Embora não haja um estilo só
que defina a pintura Modernista

os seus proponentes partilhavam o desejo
de desafiar as tradições realistas

que dominavam o ensino da arte.

A partir do final da década de 1910,
a pintura modernista

usava com frequência formas
geométricas e cores ousadas

para sondar a psique americana.

O0Keeffee mergulhou
nessas experiências

mas tinha relutância
em mostrar a sua nova obra.

Mas quando um amigo enviou
os desenhos dela a carvão

ao comerciante de arte Alfred Stieglitz,

ele ficou extasiado.

Em 1916, organizou
uma grande exposição em Nova Iorque.

Isso marcou o início da carreira
de O'Keeffe como artista popular

e uma relação que levaria
ao casamento em 1924.

O casamento não eliminou
o gosto de O'Keeffe pela solidão.

Viajou muito para ensinar,

e recolhia-se com frequência
durante meses seguidos para pintar.

Quer estivesse a explorar
os desfiladeiros escarpados do Texas,

as tranquilas florestas
da Carolina do Sul,

ou o deserto queimado do Novo México,

o seu processo criativo baseava-se
na observação ritual e próxima.

Prestava uma atenção meticulosa
aos pequenos pormenores

e passava horas a misturar tintas
para criar as cores exatas.

Quando encontrava o tom perfeito,
registava-o

numa coleção crescente
de cartões coloridos à mão.

O'Keeffe também fazia experiências
com a perspetiva de realçar objetos

que muitas vezes eram ignorados.

Em "Cabeça de Carneiro com Hollyhock",

coloca uma caveira desgastada
e uma delicada flor

por cima das colinas.

Esta caveira enorme
sobrepõe-se à paisagem,

mostrando o esqueleto e as montanhas
a uma luz nova, inquietante.

O público ficou cativado

com aquela perspetiva única
e comportamento secreto.

Foi especialmente elogiada
pelas suas muitas pinturas de flores,

que iam das papoilas flamejantes
aos nenúfares fantasmagóricos.

Stieglitz e outros críticos da época

estavam enfeitiçados
pela psicologia de Freud,

e rapidamente relacionaram
estas pinturas com os genitais femininos.

Mas O'Keeffe ignorava
essas interpretações.

Rejeitava o olhar masculino
que dominava o mundo da arte

e exigia que a sua obra
fosse respeitada

pela sua evocação emocional
do mundo natural.

Por fim, O'Keeffe instalou-se
no Novo México,

perto de um dos seus retiros
preferidos enquanto artista.

Aos 70 anos, os olhos
começaram a falhar-lhe,

mas ela continuou a explorar
os mistérios da paisagem

em novos meios, tácteis.

O'Keeffe continuou a criar
até morrer aos 98 anos.

e é recordada como
a "Mãe do Modernismo Americano".

Décadas depois, a sua obra mantém
a sua energia selvagem

e a mística pessoal de O'Keeffe.