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A principios del siglo 21, tomamos por sentado el gran
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y diverso mundo musical a nuestro alrededor puede ser
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accesado con un solo click
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Pero hace no tanto tiempo, la música era un evento
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raro y distante en un mundo de silencio
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Como fue que sucedió este milagro?
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"versión instrumental de "Poker Face" de Lady Gaga"
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La música, uno de los mas impresionantes frutos de la civilización humana
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se ha convertido en un fenómeno global
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Y es tan difícil para nosotros imaginarnos un tiempo cuando, hace siglos ya
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las personas podían pasar semanas sin escuchar ningún tipo de música
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Inclusive en el siglo XX, era posible que escucharas tu sinfonía favorita
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cuatro o cinco veces a lo largo de tu vida
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En las épocas antes de que la música pudiese ser grabada
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La historia de la música, pasa por etapas de descubrimientos
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que continúan hoy en día.
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El siguiente grán descubrimiento podría suceder en un callejón
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de Beijing o en un bar en South Shields.
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Can't read my, can't read my No, he can't read my poker face
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# She's got me like nobody... #
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Sea cual sea la música que sea de tu agrado
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Monteverdi o Mantovani, Mozart o Motown, Machaut o todos los anteriores
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Las técnicas que utilizan no sucedieron por accidente
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Alguien, en algún lugar los inventó primero.
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La música nos puede hacer llorar o bailar
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Refleja la época en la que fue escrita. Nos ha deleitado,
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retado, emocionado, y confortado.
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En esta serie, voy a trazar el extraordinario
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viaje desde su inicio.
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No utilizaré "elegantes" o confusas etiquetas
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Términos como: barroco, impresionismo o nacionalismo
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no serán utilizados.
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En vez de eso, trata de imaginar cuan revolucionario
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y que emocionante pudieron ser muchas de las innovaciones
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que hoy en día damos por sentado para la gente del pasado.
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Hay un millón de maneras de contar la historia de la música
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Esta es la mía.
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Podrías pensar que la música es un lujo,
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un accesorio para hacer la vida más disfrutable
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y esta bien si piensas eso,
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pero nuestros ancestros cazadores no estarían de acuerdo contigo.
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Par ellos, la música era mucho más que sonidos gratos para el oido
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"Rugido de animales"
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Era un asunto de vida o muerte.
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No me crees? déjame llevarte atrás al año 32,000 A.C
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a las pinturas de la era de piedra en Chauvet, Francia.
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Las personas que las dibujaron pueden haber utilizado el canto como una vital
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manera de encontrar donde te encontrabas en
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un laberinto de cavernas
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En 2008, científicos especialistas en acústica hicieron el extraordinario
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descubrimiento que las pinturas en Chauvet (Francia)
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que se encuentran dento de una enorme e inaccesible red de tuneles
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se encuentran localizadas en los puntos de mayor resonancia
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para que el canto pudiese resonar por todo el sistema
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subterráneo desde estos puntos especiales, rebotando y generando eco
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"Sonido de corno"
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También sabemos que la música tuvo un lugar importante
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en los rituales del paleolítico, puesto que silbatos
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y flautas hechos de hueso fueron encontrados en estas cavernas.
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De estos viejos artefactos seria que un día provendría la sección de alientos de Duke Ellington
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y las enormes filas de las mujeres gaiteras de Dagenham.
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"Sonidos de cornos"
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Para el momento en que las tríbus empezaron a asentarse en un lugar
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y crear cultivos, entre 9000 y 7000 a.C
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sabemos que la música se había convertido en una actividad esencial
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Así como era utilizada para ayudar al ritmo del trabajo,
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la música era vista como algo poderoso, magico y
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si el ambiente lo permitía, seductor.
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Y sin embargo, no sabemos absolutamente nada de como era la música
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de estas antiguas sociedades sonaba
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Porque no podían escribir su música,
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ha desaparecido completamente.
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No existen videos, música escrita, MP3 pitagórico
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ni un rastro de ella.
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Pero si se han desenterrado algunos instrumentos
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"Sonido de cornos"
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Estas son conocidas como lures.
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siete de ellas fueron excavadas en un campo en Dinamarca en 1797,
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ahora conocidas como las lures de Brudevaelte. Se encontraron perfectamente preservadas en un
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pantano durante 2,500 años, y todavía emiten sonido hoy en día.
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Estas dos son replicas.
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Las lures son tan famosas en Dinamarca que tienen incluso una marca de mantequilla
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nombradas en su honor
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Estas lures pueden lucir un poco difíciles de cargar
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pero en cuanto a tecnología, se encuentran a una larga distancia de ser
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una cascara de fruta vacía o un tambor hecho de un jarrón de arcilla.
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Lo que nos dicen es esto...
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Es un grave error describir lo que los músicos hacian
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en el siglo XVII a.C como primitivo.
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Crear estos elaborados instrumentos de bronce solo pudo ser
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hecho por la mano de obra de una sociedad sofisticada.
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Recuerda, estas lures fueron hechas y utilizadas aproximadamente 1000 años
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antes de la construcción del muro de Adriano
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No sabemos como era que los escandinavos de la era del bronze
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tocaban en sus lures pero probablemente su proposito era infundir miedo
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En la misma época en que las lures de Braudevaelte intimidaban
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a sus vecinos, mucho más al sur,
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los griegos sentaban los fundamentos de la civilización occidental
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Los griegos tenían la creencia de que la música era ciencia y arte al mismo tiempo
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y la tomaban muy en serio
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Vale la pena tomar a consideración que las siete materias obligatorias en la escuela eran :
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gramática, retórica, lógica, aritmética, geometría, astronomía
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y música.
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Lo que más amaban acerca de la música eran los concursos. En serio.
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Todos conocen que los griegos inventaron los juegos olímpicos.
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Para los griegos no era solo correr desnudo, pelear
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y arrojar la javalina lo importante.
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Estaban fascinados por los concursos de canto.
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Si, el Factor X es un formato creado desde hace 3000 años
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algo así como el Factor Epsilon, podría decirse, o Esparta tiene talento
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Los concursantes se presentarían ante una audiencia y un panel de jueces.
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Y los ganadores eran premiados con dinero.
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Este es el inicio de la música como una profesión
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Los griegos también inventaron el drama y el musical europeo.
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Se piensa que los dramas cómicos de Aristofanes, por ejemplo,
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eran cantados.
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Quisiera cantarles un acto de un drama musical griego
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Para ustedes - "Gracias por la Moussaka"
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o "Grecia es la palabra" quizás, pero no puedo
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Todas las canciones se han perdido, aunque sepamos sus letras.
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Los griegos heredaron su pasión por el teatro,
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poesía y música a los romanos,
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quienes lo exportaron con sus legiones a lo largo del mediterraneo
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Pero los romanos, de igual manera, nunca encontraron un método para escribir su música
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y así, cuando Roma cayó en el siglo V
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la música de la antigüedad fue olvidada.
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Tan callada como una tumba
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Casi.
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"Coro masculino"
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Nuestro único vinculo con la música del periodo tardío romano fue
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el canto llano cristiano, que data al menos de el siglo IV d.C
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El canto en misa ha sido siempre central para la tradición cristiana.
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Se cantaba una versión de los salmos en latín
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así como la eucaristía, o misa
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Es conocido o descrito como canto gregoriano, debido a
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el Papa Gregorio el Grande, quien fue papa a finales del siglo VII d.C
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Es bello, antiguo y misterioso.
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Lo que no tiene, ahora sabemos, es relación alguna con el Papa Gregorio.
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Esta es uno de los peores errores en la clasificación de la historia cultural.
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Sería como descubrir que la bota de Wellington no tenía nada
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que ver con Duke,
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O que el "Earl of Sandwich" no tenía nada que ver con el BLT
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"El Canta"
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"Ellos cantan en unisono"
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En las primeras formas de canto llano,
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monjes músicos cantarían una tonada sin
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acompañamiento, sin ritmo y armonía.
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Son cantados en unísono
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El canto llano permaneció igual durante siglos.
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Pero fue entonces, en algún momento durante el siglo IX d.C que alguien, en algún lugar tuvo
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la brillante idea de agregar niños al coro
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"Voces agudas se agregan al coro"
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Suena más lleno y brillante con voces altas
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y bajas, no es así?
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Los niños cantan una octava más alta que los adultos.
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Se le llama una octava porque en la música eclesiástica del momento
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solo había 8 notas de las cuales elegir
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En las notas blancas de un teclado actual
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las dos lineas de las voces se encuentran a una distancia de 8 notas
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La idea de tener adultos y niños cantando a una octava de distancia genero una nueva idea
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Que tal si las dos notas no tuvieran una distancia de octava,
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sino que fuesen notas totalmente distintas
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Que tal si agregaran esta nota, por ejemplo?
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"Dos notas suenan en un intervalo de quinta"
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"Cantan el intervalo"
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Brillante!.
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"Cantan de manera armónica"
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No llegaron muy lejos. La nueva linea no era independiente
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sino que se quedaba exactamente en paralelo a la original.
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Esta técnica de lineas paralelas,
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que empezó alrededor del siglo X d.C, fue llamada organum,
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porque, para ellos, sonaba como un órgano, y de hecho si suena como tal
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"Organo toca la misma música"
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Lo que estamos escuchando es el primer experimento de lo que llamaríamos
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armonía, distintos sonidos que suenan simultaneamente.
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"Cantan de manera armónica"
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Podría parecernos blando y poco aventurero para nosotros hoy en día,
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pero entonces, y a inicios del siglo XI d.C, era dinamita auditiva
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La enorme emoción de cantar dos notas al mismo tiempo tuvo otro resultado.
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Esta vez, se volvieron locos.
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Dejaron una de las lineas inmovil.
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En esta forma de organum,
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un cantante se mantiene permanentemente cantando la misma nota
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digo cantante, pero esta técnica es
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tan aburrida de cantar que empezaron a usar instrumentos en vez de cantantes,
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un órgano, quizás, o instrumentos hoy en día olvidados
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como el salterio o la zanfona.
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No estoy inventando esto, realmente tenían un instrumento que tocaba
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solo una nota de manera continua. Inclusive tenían un nombre para la nota larga.
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Drone
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"Suena un drone"
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"Se unen voces, cantando una nota"
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Este drone más melodía es un tipo de canto llano
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que es utilizado hoy en día con las gaitas.
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El tubo perforado toca la melodía todavía es conocido como
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el cantante.
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"Música de gaita"
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Para el siglo X d.C, los músicos mas innovadores
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empezaron a mezclar los dos estilos en uno solo
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Organum paralelo y organum drone.
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"Cantan armonías sobre un drone"
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Una de estas innovadoras fue Kassia de Constantinopla
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Es la primera compositora cuyo nombre ha llegado a nosotros
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Lo que hace su música tan intrigante es la inusual mezcla de
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armonías simples e impredecibles
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La armonía fue el primer paso gigante de nuestros ancestros medievales
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tomado ya cercano al siglo XI d.C
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Otro evento iba a alterar el camino de la historia de la música dramaticamente.
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La invención de la notación musical.
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Cuando un monje cantaba canto llano en los siglos
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previos al IX d.C, lo que podían leer era el texto
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en latín, de lo que fueran a cantar. Solo el texto.
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Tenían que memorizar la melodía. Todo esto!.
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Esto es uno de los logros más espectaculares de memorización en la historia
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de la raza humana. Pero también es una locura.
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Tomaría hasta 10 años de repetición diaria y práctica
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para memorizar el repertorio de canto llano de la iglesia
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Así que era altamente deseado el encontrar una manera de recordar
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a uno mismo como eran las melodías de un texto.
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Este es un himno romano del siglo IV d.C escrito en griego antiguo.
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Sobre las palabras
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se puede apreciar un intento de escribir una melodía.
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Un intento al fín
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Nadie se puede poner de acuerdo en como debería de sonar
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Cientos de años pasaron hasta que aparecieron los "garabatos"
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Ese no es su verdadero nombre, el cual sería "neumas"
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pero garabatos es lo que son
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Esta es una página del Winchester Troper
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uno de los manuscritos más antiguos de organum que sobreviven en el mundo
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Es el trabajo de monjes anglo-sajones.
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Lo que muestra es el texto en latín que debía de ser cantado
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con garabatos sobre las palabras y en el margen
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La idea de los garabatos era para dar una indicación de
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si las notas de la melodía subían o bajaban en una debida
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silaba, que era mejor que nada.
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Pero los garabatos tenían un gran defecto.
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Eran esencialmente una manera de ayudar a la memoria
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a recordar una melodía que ya supieran.
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No sirven para enseñar una nueva melodía sin haberla escuchado anteriormente
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Esto es porque no son muy buenas indicando que tan alto
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o bajo cada nota debe de ser,
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como un mapa sin longitud ni latitud.
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La innovación vino en el siglo XI en la ciudad italiana de Arezzo,
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y fue la idea de un monje músico de nombre Guido
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hoy en día conocido como Guido de Arezzo.
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El método de Guido era simple y claro.
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Primero que nada, le dio a estos garabatos, o neumas,
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una manera estandarizada y fácil de leer.
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Así que cada nota tenía su propio símbolo o neuma.
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Después dibujo cuatro lineas sobre las cuales las notas,
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o neumas, serían colocadas.
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Una de las lineas que dibujo iba en color rojo representaba una nota fija
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que era la equivalencia musical
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de el ecuador, o el meridiano de Greenwich.
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De esta manera siempre que una nota, o neuma, es colocado,
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representa su altura, osease, si es un la, un si, o un do.
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"La"
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si la nota sube, el neuma sube.
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- Más alto-
"la"
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y si baja, el neuma baja, paso a paso
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"Ole, ole, ole, ole, ole, ole"
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Antes de Guido, pensarías una melodía y se la enseñarías a todo el mundo
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esperando que se la enseñen a otros sin cambiarla demaciado
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Despues de Guido, la música podía ser escrita en una página
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y podía ser reproducida por alguien que nunca hubiera escuchado la melodía antes.
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El método de Guido ha sido refinado a lo largo de los años para indicar
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la duración de las notas, por ejemplo,
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pero es esencialmente el mismo sistema que usamos para escribir música hoy en día
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"But every time she asks me Do i look OK?"
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"I say"
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"When I see your face"
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"There's not a thing that I would change"
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"Cos you're amazing"
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"Just the way you are"
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"And when you smile..."
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La posibilidad de poner múltiples lineas de melodía
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en una partitura le permitió a los compositores planear
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estructuras musicales mucho más complejas.
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Esto iba a poner la música en curso a una mucho mayor
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sofisticación
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todo gracias a la gran idea de un monje de Arezzo.
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La habilidad de plasmar ideas musicales en una página
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permitió un acercamiento a la música
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mucho más ambicioso que cualquier cosa que le precediera.
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Una historia tiene que tiene que ser recordada
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y hablada es necesariamente menos compleja que una novela, la cual
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puede ser escrita y desarrollada con una mayor duración
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De igual manera fue con la invención de la notación musical.
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Ahora podías tener múltiples lineas musicales,
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posibilidades infinitas empezaban a surgir
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Lo que se necesitaba para darse cuenta del gran potencial era que un músico
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se volviera un poco loco, y en su genio creativo abriera la armonía a
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mil y un posibilidades,
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que fue lo que sucedió en París en el siglo XIII d.C
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"Coro masculino"
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Su nombre era Perotín
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y compuso música para la recién construida catedral de Notre Dame.
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Lo que hizo fue, preguntarse una sencilla pregunta -
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que pasaría si tuvieses más de dos voces
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cantando al mismo tiempo?
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Que tal si tuvieras 3?
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"Tres voces cantan de manera armónica"
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o no lo quiera Dios, cuatro?
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"Cuatro voces cantan de manera armónica"
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Esto puede no sorprendernos, pero creeme,
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era una revolución musical.
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Perotín nos da la idea de un aventurero,
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una fuerza creativa, un genio.
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que concibió y escribió
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los más complejos conjuntos de notas escuchados hasta hoy en día.
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un conjunto de notas es llamado un acorde.
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Así suenan algunos de los acordes de Perotín.
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Perotín también innovó en otro aspecto de la música
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Puede no haber sido el primer compositor en utilizar ritmo
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en la música eclesiástica, pero es el primero en encontrar
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una manera de escribirlo, usando un sistema donde las notas más cortas están
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unidas con una barra horizontal, que el llamaría ligadura
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El gustaba de un patrón rítmico en particular,
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un patrón fácil de recordar
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porque es el ritmo de la melodía de "The Archers"
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# Dum-de-dum de-dum-de-dum, dum-de-dum de-dum dum. #
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Perotín utilizó este patrón frecuentemente, como se puede escuchar en este himno
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compuesto para la navidad de 1198 d.C, Viderunt Omnes.
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"Coro masculino canta ritmicamente"
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En esta maravillosa obra
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puedes escuchar no solo el alegre ritmo
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sino armonías extrañamente eficientes, sorprendentemente avanzadas para su época.
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"Cantan distintos ritmos de manera armónica"
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Hay que recordar que antes de Perotín, la mayoría de la gente
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raramente había escuchado música, a menos que fuese en la iglesia
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Pero durante el siglo XIII d.C, la música secular empezó a salir
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de la obscuridad
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Estos músicos eran los Bob Dylans de aquel entonces
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trovadores y troveros
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compositores y cantantes que viajaban solamente acompañados
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por los instrumentos disponibles en esa época
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En su momento de mayor fama, cientos de estos trovadores
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recorrían toda Europa.
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Donde fue que este fenómeno de los trovadores
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con sus canciones sobre el noble y elegante amor provinieron?
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La respuesta puede sorprenderte. Provinieron de Andalucía, la España musulman
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"Hombre canta acompañado de un instrumento de cuerda"
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En la música de los trovadores, todavía puedes escuchar
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trazos de sus raíces arabias
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"Hombre canta acompañado de un instrumento de cuerda"
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La España musulmana le proveyó a la Europa cristiana con sofisticados
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instrumentos musicales que se convertirían en la base de la música secular
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El rebab, un precursor del violín,
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el al'Ud, que se convertiría en el laúd y luego en la guitarra
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y el qanun, un tipo temprano de citara.
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Aunque nuevos instrumentos no sería lo único que los compositores
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europeos heredaron de la cultura del Islam
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La otra fue un gusto por el ritmo
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"Instrumentos de cuerda tocan de manera rítmica"
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Las canciones de los trovadores, así como sus versiones arabias originales
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estaban formadas por la rítmica poética de sus letras,
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así que estas canciones tienen al menos un ligero, pulso que puede marcarse con el pie,
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y es de ahí de donde Perotín obtuvo sus ritmos.
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Al final del siglo XV d.C, casi todos los componentes vitales
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de la música habían sido descubiertos - notación, melodía y ritmo
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la superposición de voces una encima de la otra
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y una selección básica de instrumentos para complementar la voz humana
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Una pieza final se requería para que el rompecabezas estuviese terminado
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Alrededor del año 1400, la armonía dio un salto enorme,
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un salto que cambiaría la música por el resto de sus días
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Todavía vivimos con ese cambio hoy en día.
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Antes de 1400, a pesar de las innovaciones de Perotín
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cuando los compositores ponían notas una encima de la otra
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solo tomaban de un limitado menú de opciones o combinaciones
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Estaba la octava.
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Y había dos tipos de combinaciones más, las cuales los compositores medievales
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llamaron "perfectas", porque era pensado que eran una manera de invocar a la deidad
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La cuarta perfecta
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y la quinta perfecta.
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Antes de 1400, eso era todo lo que usaban.
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En esta famosa pieza por ejemplo, todas las armonías son cantadas
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cuatro a cinco notas de distancia de la melodía
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# Gaudete, gaudete Christus est natus
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# Ex Maria Virgine, gaudete... #
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Para nuestros oídos, acostumbrados a los siguientes 600 años de armonía,
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algo esta faltando, que hace que la música suene plana
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y algo fría.
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# Tempus adest gratiae Hoc quod optabamus
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# Carmina laetitiae Devote reddamus
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"Inician tambores"
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# Gaudete, gaudete Christus est natus
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# Ex Maria Virgine, gaudete. #
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Lo que esta faltando es una combinación de notas que,
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antes de 1400, los compositores habían ignorado.
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"Coro femenino cantando"
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El hombre que uso estas combinaciones para dar
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un enorme salto en nuestro conocimiento de la armonía
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Era un compositor ingles de nombre John Dunstaple
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Dunstaple dio uso a la poderosa pero imperfecta tercera.
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porque una tercera es imperfecta?
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Si cuentas tres notas a partir de tu nota inicial, do,
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llegas a mi. Porque esta distancia no es perfecta?
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La razón es que la tercera, a diferencia de la cuarta y la quinta,
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tiene dos versiones distintas, lo que llamaríamos una versión mayor
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y una versión menor. Es muy ambigua.
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Puedes apreciar cuan ambigua es contando más adelante en el teclado.
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si cuentas tres notas desde re, llegas a fa,
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creando una tercera menor, igual que de mi a sol.
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pero de fa a la, como de do a mi, es una tercera mayor.
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El hecho de que la tercera puede ser mayor o menor,
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dependiendo desde donde empieces a contar,
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puede sonar como una pequeña diferencia tecnica, pero no lo es
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La tercera mayor y la tercera menor es el pivote
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sobre el cual toda la música occidental se balancea.
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Hablando de manera vaga, uno es feliz y uno es triste,
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y en la armonía estas terceras hacen que la música sea más rica, más sutil
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y más apasionada.
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"Coro femenino cantando"
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Pero permitir esta tercera mayor - menor en la música
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tuvo otro gran efecto en la música. Empecemos con do de nuevo
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contaremos tres pasos y nos encontraremos en mi, una tercera mayor
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Pero si seguimos contando otros tres pasos a sol,
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hemos creado una tercera menor más.
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Pero que sucede si tocamos estas tres notas al mismo tiempo?
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Las notas tocadas al mismo tiempo son llamadas triadas o acordes
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y las triadas son el pan y la mantequilla de toda la música occidental
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"Música para piano"
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Aquí hay una canción que puedes reconocer, construida por triadas.
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# Morning has broken
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# Like the first morning
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# Blackbird has spoken
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# Like the first bird
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# Praise for the singing
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# Praise for the morning... #
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los músicos del siglo XVI d.C descubrieron que las triadas tenían un importante
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efecto entre ellas cuando eran mezcladas.
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tiene que ver con que notas comparten.
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El acorde de Do, por ejemplo, contiene dos notas iguales
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que el acorde de mi, y por lo tanto esta cercanamente relacionado a el.
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De igual manera el acorde de mi menor comparte dos notas con
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el acorde de sol mayor, y están cercanamente relacionados.
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Mezclando estos acordes que están cercanamente relacionados
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crea un ambiente de armónica suavidad,
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como si mezcláramos colores adyacentes del espectro de colores
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Los acordes tienen otro gran beneficio.
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Pueden crear una sensación de "llegar a casa" en una pieza de música
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Permiteme demostrarlo con una famosa canción religiosa de hace
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unos cuantos cientos de años - Amazing Grace.
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En la primera frase de la canción,
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empezamos con un acorde con las palabras "amazing grace".
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# Amazing grace. #
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Después cambiamos a otro con la palabra "sweet"
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# How sweet. #
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Y después " llegamos a casa" con el acorde que empezamos.
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# The sound. #
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Ese retorno al acorde que pensamos como "casa"
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Es llamado cadencia o final.
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# Amazing grace
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# How sweet the sound. #
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Todo se siente bien con este pequeño viaje de acordes.
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Se sintió bien al regresar a donde empezamos, al final de la frase.
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En la segunda frase, empezamos con otro pequeño viaje de acordes.
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# That saved a wretch like me. #
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Y hemos encontrado otra pequeña cadencia yendo a un nuevo acorde
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en la palabra "me".
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De nuevo, este viaje genera una sensación de satisfacción y un final lógico.
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nos están llevando de un lugar a otro.
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# I once was lost
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# But now I'm found
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# Was blind but now I see. #
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Puedes claramente ver que no hay nada
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riesgoso acerca de la elección de los acordes de esta melodía.
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Lo que estamos viendo aquí es la lógica de los acordes, estan obedeciendo
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estrictas leyes como las leyes de la gravedad, o la órbita de los planetas,
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Mientras que hay acordes que ejercen mayor poder e influencia que otros
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Descubrir el poder de las triadas fue como
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descubrir una reacción química.
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Los compositores se dieron cuenta inmediatamente que algo inmenso
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y transformativo acababa de suceder.
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De aquí en adelante, el acorde básico - la triada,
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uno, tres y cinco - era el rey
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Así como el desarrollo de la armonía hasta este punto había tomado varios
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siglos, de igual manera, el refinamiento de los instrumentos musicales iba en un lento desarrollo
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Pero para el siglo XVII d.C, un nuevo tipo de instrumentos había sido inventado.
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e iba a traer una era dorada en la música popular o "folklorica"
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en Tudor, Inglaterra, si querías ir al peluquero para un corte,
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o algún tipo de cirugía, mientras esperabas
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podías tomar una de estas de la pared y cantar una canción.
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Si, cualquier peluquero del siglo XVII d.C que se respetara tenía una citara
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colgando para que sus clientes, varios de los cuales
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harían ligera su espera con alguna alegre canción popular.
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# Sing no more of dumps So dull and heavy... #
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no estoy inventando esto.
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# Was ever so Since summer first was leavy
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# And sigh no more, but let them go And be you blithe and bonny
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# Converting all your sounds of woe
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# Into hey nonny nonny... #
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Nuevos instrumentos cambiaban la textura de la música.
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Al mismo tiempo que llego la citara, llego el laúd.
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Emparentado con el laúd estaba el instrumento de cuerdas conocido como viol,
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y alrededor del año 1560, el hijo prodigo del viol, el violín
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había sido desarrollado en Italia.
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El siglo XVII d.C también vio un rápido desarrollo en los instrumentos de teclados.
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así que en casa, si tenías algo de dinero, podrías tener un virginal.
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Pero para apreciar la mayor complejidad tecnológica,
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ningún instrumento del siglo XVII d.C se acerca a el órgano.
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# Then sigh not so, but let them go And be you blithe and bonny
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# Converting all your sounds of woe Into hey nonny nonny
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# Then sigh no more, but let them go And be you blithe and bonny
-
# Converting all your sounds of woe Into hey nonny nonny. #
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Aplausos
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Mano a mano con esta expansión de música puramente instrumental
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fue un vasto repertorio de música popular.
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Muchas veces las mismas melodías eran utilizadas por la música eclesiastica
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y la música popular, con diferentes textos, obviamente.
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"música de flauta"
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Las primeras canciones religiosas que tomaron prestadas pegajosas melodias populares
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fueron aquellas dedicadas a la navidad.
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Algunos de los primeros villancicos fueron tomados de alegres tonadas populares.
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"Versión instrumental de : Good Christian Men Rejoice"
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Uno de los motivos por los cuales estos villancicos de hace 500 años siguen pareciendonos familiares
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es porque un cambio significativo estaba tomando lugar
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en la estructura musical de la época.
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Tiene que ver con el posicionamiento de la melodía.
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Cuando, en el siglo X d.C,
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los monjes cantores empezaron a agregar voces al canto llano
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iniciando el proceso conocido como polifonía,
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las posiciones de las voces, se asumió que
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la melodía principal, que puede verse en rojo en nuestro diagrama, tenía que ir abajol
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y la melodía agregada tenía que ir encima
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Gradualmente las dos lineas se convirtieron en cuatro
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y esta melodía principal se vio enterrada dentro de las cuatro voces.
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Eso es el porque la tercera linea en cualquier coral de cuatro lineas
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es conocida como tenor, porque esta era la parte
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que tenía la melodía principal, tenir siendo el verbo en francés de la palabra "tener"
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Damos por sentado que una melodía de una pieza va
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en la parte superior (más aguda), pero no era el caso antes del siglo XVII d.C
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Gradualmente, en todos los tipos de música,
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la melodía fue ascendiendo a la parte superior
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# In dulci jubilo Let songs and gladness flow
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# All our joy reclineth In praesepio
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# And like the sun he shineth... #
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Una vez que la melodía se encontraba en la parte superior de la textura musical
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se volvió más fácil de reconocer las palabras de manera clara.
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Y la palabra estaba a punto de adquirir un nuevo y emocionante lugar en la música.
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# Alpha es et O. #
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En 1450, en la ciudad alemana de Mainz, uno de los
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descubrimientos tecnológicos más importantes de nuestra civilización
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fue inventado - la imprenta de Johannes Gutemberg
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Dentro de los 50 años posteriores a la llegada de la imprenta
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La música estaba siendo impresa
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Ahora, nuevas ideas musicales podían llegar cada vez más lejos
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Se puede ver en la carrera del compositor más influyente
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del periodo, Josquin Des Prez.
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Josquin nació en lo que hoy conocemos como la frontera Franco - Belga
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pero en su adultez, el vivió en Ferrara, Italia,
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trabajando como compositor para un rico y poderoso duque.
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En terminos de sonido puro, Josquin no podría ser descrito como un radical.
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Pero en un aspecto fundamental, Josquín hizo un parteaguas
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de lo que se hacía antes para convertirse en un pilar de la música de la época.
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Josquin es el primero compositor de la historia para quien
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el significado de las palabras es mayusculo, y quien trato de
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traer y expresar el significado que el quería para las palabras
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No es de sorprenderse que la mayoría de las obras que el escribió
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para la iglesia fueran motetes, que significa literalmente, las palabras.
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Uno de estos motetes es el Miserere Mei, ten piedad en mí.
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"Coro masculino canta Miserere Mei"
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# Deus... #
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Miserere Mei fue compuesto en 1503. El empleador de Josquin,
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el Duque de Ferrara, era amigo del más notorio
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predicador de su época, el monje dominicano, Savonarola,
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un genio que constantemente atacó los excesos de la iglesia católica
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Eventualmente fue arrestado
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y en prisión, escribió una plegaria pidiendo por el perdón de Dios
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por confesar falsamente por crímenes bajo la agonía de la tortura.
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El texto de su plegaria, esencialmente proclamando su inocencia.
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rápidamente se extendió por Europa.
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Así que el trabajo de Josquín era hacer esto una declaración política
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que se entendiese claramente. Como lo hizo fue innovador.
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Simplemente, Josquin se aseguró que
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las palabras fueran siempre audibles, y eso fue lo innovador
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porque hasta aquel entonces, créanme si quieren
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las palabras en una pieza de música eran casi inentendibles.
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Durante siglos, las letras de las obras habían tenido poca importancia
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En la música popular, las audiencias estaban bailando, y tomando
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hasta el olvido, o se estaban cortando el cabello en vez de escuchando los textos de las canciones.
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Y en la iglesia, los textos eran cantados en latín.
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Lo que es más raro, lo que se cantaba se cantaba de tal manera que era casi
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imposible de entenderlo.
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Esta técnica es conocida como "melisma, donde largos trozos de melodía
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son puestos sobre una sola silaba del texto
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El estilo melismatico podía ser atractivo, pero
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destruía cualquier intento del escucha de tratar de comprender el texto que se cantaba
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Asi que en los primeros compases del motete de Josquín
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cada voz canta la misma frase: Miserere mei, Deus,
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"Ten piedad de mi, Señor" una por una
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# Miserere mei, Deus
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# Miserere mei, Deus. #
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Josquin repite esas palabras, "Miserere mei, Deus"
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a lo largo de la obra como un mantra. También encuentra maneras de resaltar
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las palabras que iban a ser imitadas
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por compositores una y otra vez.
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Una, es tener las voces cayendo como una cascada
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"Voces cayendo como cascada, una encima de la otra"
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Otra es detener toda actividad
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y que las voces canten las mismas silabas en bloques de acordes
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"cantan todos juntos"
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En 1517, 17 años después de la ejecución de Savanorola
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Lutero dio inicio con la reforma.
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No solo cambió la religión, la música religiosa cambio también
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En las iglesias luteranas, por primera vez, la congregación
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formo parte del coro,
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cantando en el idioma nativo de cada región o país.
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Lutero, además de ser teólogo, academico
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escritor y predicador, era un compositor.
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El creía fervientemente que la música era para todos,
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no solo monjes y coros entrenados.
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El quería que las congregaciones de sus iglesias tuvieran la posibilidad de
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unirse cantando himnos con confianza y entusiasmo,
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y esto significaba tener melodías fáciles de cantar.
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Fue por esto que Lutero reunió una serie de canciones populares de su época
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y les puso textos religiosos.
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También escribió una serie de nuevas melodías con propósitos religiosos.
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Esta es una de las canciones que escribió Lutero, Ein Feste Burg Ist Unser Gott -
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"Nuestro Dios es una gran Fortaleza."
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# Ein feste burg ist unser Gott
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# Ein gute wehr und waffen... #
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Lo que se puede notar inmediatamente acerca de este coral, o himno protestante
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es que semueve
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las palabras van silaba por silaba
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nota por nota, con una melodía clara por encima
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Así es como sonarían los himnos por los siguientes 500 años.
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# Mit ernst ers jetzt meint
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# Gross macht und viel list
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# Ein grausam ruestung ist
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# Auf erd ist nicht seingleichen. #
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Lo que siguió a la reforma de Lutero fue
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100 años de intolerancia religiosa y terorismo de estado.
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En medio de este baño de sangre, que quizás no nos sorprenda,
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es que el carácter de la música sacra se convirtió fue de penitencia
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arrepentimiento y lamento.
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"Coro cantando de manera sombría"
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Pero la obscura nube de la agonía y el lamento
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no iba durar por siempre.
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Música de cuerdas
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Mientras el siglo XVII d.C llegaba a su final, la música religiosa
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a pesar de que era todavía comisionada por la iglesia y por ricos
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nobles, iba a cambiar su rol
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en los años 1570 y 80s, una nueva ola de música secular
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llego como un cálido verano de Italia al resto de Europa.
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Parecía contener la semilla de algo
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muy distinto de las duras realidades de los conflictos religiosos.
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No por última vez en la historia de la música, la música artistica,
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la música de la gente "elegante"
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sería salvada de si misma por las melodías populares y tradiciones.
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La figura pionera en esta nueva ola de música secular fue
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un compositor Frances llamado Jacques Arcadelt.
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El músico de laúd en la pintura de Caravaggio que podemos ver aquí, esta tocando
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una obra de Arcadelt, tan famoso era.
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Todo respecto a sus canciones tenía un toque de pomposidad y autoridad.
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Sus letras trataban de los placeres humanos
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están llenas de imágenes sensuales y alusiones sexuales.
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El trabajo en Italia donde escribió madrigales,
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Después se mudo a Francia, donde escribió sus equivalentes - chansons
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Como ejemplo es la simpática "Cuento de Margot"
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el misterioso seleccionador de uvas.
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# Margot, labourez les vignes Vignes, vignes, vignolet
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# Margot labourez les vignes bientot
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- # En revenant de Lorraine et Margot
- En revenant de Lorraine et Margot
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# Rencontrai trois capitaines
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# Vignes, vignes, vignolet Margot labourez les vignes bientot
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# Margot, labourez les vignes Vignes, vignes, vignolet
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# Margot, labourez Les vignes bientot. #
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# Flow, my tears fall
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# From your springs... #
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El exito de las canciones de Arcadelt inspiro a otros compositores,
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uno de ellos era un contemporáneo cercano de Shakespeare, John Dowland
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quien, para el año 1600, era el más famoso escritor y cantante
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de Europa.
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# ..Where night's black bird
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# Her sad infamy sings
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# There let me live
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# Forlorn... #
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Las obras de Dowland son llamativamente distintas
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en actitud a cualquier cosa escrita anteriormente.
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A el le interesa la gente y sus emociones, no dioses y demonios.
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Una canción como Flow My Tears no parece fuera de lugar
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inclusive hoy en día.
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# ..Lost fortunes deplore
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# Light doth but shame
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# Disclose... #
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La música para el año 1600 se había convertido en una rica mezcla de lo sacro y lo secular,
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instrumental y vocal, pero casi todo lo que podrías
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escuchar en aquella época era en pequeña escala.
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Era el momento para que alguien, en algun lugar,
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empezara a crear formas largas y substanciales que duraran una
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tarde entera y dejaran a sus audiencias pidiendo más.
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Y eso fue exactamente lo que sucedio.
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Nació la Opera.
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El hombre del momento, uno de los diez compositores más influyentes
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de todos los tiempos, fue Claudio Monteverdi.
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En sus manos , la opera paso de la nada a ser el todo.
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"Música instrumental dramatica"
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En la opera, la música esta al servicio del drama, y
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por esto necesita expresar sentimientos complejos e inclusive conflictivos.
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Afortunadamente, Monteverdi había estado por varios años
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intentando lograrlo
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con sus madrigales llenos de pasión.
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Para lograrlo, tuvo que re-calibrar la armonía.
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Veamos uno de sus madrigales
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que causo conflicto, inclusive en su propia época.
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Es del quinto libro de madrigales de 1605,
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y se llama O Mirtillo, Mirtill'Anima Mia,
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Oh, Myrtle, Myrtle, Mi alma, Escuchame un poco.
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# Che chiami crudelissima
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# Amarilli. #
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Es obvio que Monteverdi esta introduciendo todo tipo de
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acordes que no parecen relacionados el uno con el otro.
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El quiere que te sientas sorprendido o intrigado, especialmente si ensalza
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las palabras del poema. Así que sobre las palabras,
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"Che chiami crudelissima, Amarilli,"
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"La que llamas cruel, Amarilli" crea una serie de
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acordes deliberadamente chocantes, llamados una disonancia o suspención
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# Come sta il cor di questa... #
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En vez de apegarse a los acordes que están cercanamente relacionados el uno
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con el otro, el deliberadamente mezcla acordes no relacionados
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y explota los extraños y desorientadores sonidos que esto produce
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# Che chiami
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# Crudelissima
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# Amarilli... #
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Era música que podía manipular nuestras emociones lo que Monteverdi
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aporto a la opera. El también introdujo otro ingrediente,
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un efecto dramático que aunque había sido inventado en Venecia
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en aquel entonces una de las más ricas y poderosas ciudades estado.
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Su enorme basilica, San Marco, empleaba algunos de los
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mejores músicos en Europa, incluyendo por algún tiempo, a Monteverdi.
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Además de eso, el edificio servia como una especie de
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laboratorio musical y acustico.
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Un equipo de tío y sobrino llamados Gabrielli desarrolló
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un precursor del sonido surround en San Marco,
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colocando grupos de cantantes
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e instrumentos en diferentes partes del edificio
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haciendo que cantaran y tocaran alternándose entre ellos
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El termino técnico de esta técnica es Policoral, muchos coros.
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"la música se alterna de la izquierda a la derecha"
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Monteverdi sabía y admiraba este estilo policoral
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y pensaba que podría funcionar junto con su estilo
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emocional e intimo de madrigales cuando le vino la idea de escribir operas.
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Monteverdi no inventó la opera,
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un compositor Florentino llamado Peri lo hizo en el año de 1597 d.C
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Pero Monteverdi escribió la primer opera de calidad, Orfeo,
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que hizo debut en Mantua en el año de 1607 d.C
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Estaba apuntando a conseguir un efecto sumamente emocional,
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claidad narrativa, máximo impacto, y no iba a obedecer
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ninguna regla acerca de lo que podía hacer o no podía
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"Mujer cantando opera"
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Es más, Monteverdi invento una nueva combinación de instrumentos
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nunca utilizados juntos anteriormente.
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Tomo recursos de los estilos nuevos y antiguos, uso música coral,
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contó las historias a través de sus personajes
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que se expresaban directamente a la audiencia.
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Casi todo acerca del Orfeo era novedoso
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Era fuerte, largo y moderno
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y no hay que olvidar que liberador debió de ser,
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porque mientras que las técnicas musicales se habían desarrollado
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siglo por siglo, así también se había desarollado la habilidad de expresar
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emociones más complejas e inesperadas en el camino.
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Monteverdi estaba utilizando la música más allá.
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Orfeo fue presentada en la corte ducal para una pequeña y
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selecta audiencia. La última opera de Monteverdi, La coronación de Popea,
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fue presentada en un teatro veneciano, en frente de un público que pagó su entrada.
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Es uno de los dramas más radicales de todos los tiempos.
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Porque era tan radical?
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Para ponerlo sencillo, porque era acerca de gente real
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y sus complicadas y revoltosas emociones.
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El emperador Neron y su amante Popea fueron personajes historicos reales
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y la música de Monteverdi funciona como el soundtrack
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para sus pasiones que sucedieron en la vida real
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En la superficie, Popea es acerca de la lujuria
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y la ambición conquistandolo todo.
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Termina con un dueto para Nero y Popea de gran erotismo,
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llamado Pur TiMiro, Pur Ti Godo "Te veo, Te poseo"
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y parece que Nero y Popea están siendo felicitados
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por su conducta criminal
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# Pur ti miro
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# Pur ti godo
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# Pur ti miro
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# Pur ti godo
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# Pur ti stringo
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# Pur t'annodo
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# Pur ti stringo... #
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La pasión exuda de este dueto,
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"Te adoro, Te abrazo, te deseo, te encadeno"
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es tan franco y sensual, que casi convierte a la audiencia
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recuerden, también ellos están en la recamara
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en voyeurista, incomodamente siendo testigos del intercambio privado de
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dos extrañamente desinhibidos extraños.
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Esto era algo totalmente nuevo
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# O mia vita
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# O mia vita
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# O mio tesoro... #
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Lo más llamativo de este climax es lo que significaba para
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los venecianos.
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Ellos sabían que seguía después en la vida real, osease
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después de la caída de la cortina
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Nero mato a su nueva emperatriz Popea y a su hijo nonato
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y luego a si mismo, mientras su régimen colapsaba en las flamas.
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La audiencia de Monteverdi vería el final de la ópera
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como lo que era - un salvaje ataque al estado rival de Venecia, Roma.
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La Coronación de Popea puede ser
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vista como una crítica de los excesos del poder romano
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y la gran necesidad de recato
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# Piu non peno
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# Pi non moro
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- # O mia vita
- O mia vita
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# O mio tesoro
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- # O mia vita
- O mia vita
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# O mio tesoro... #
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Monteverdi dio paso a una explosión de energía musical
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"Verano" de Vivaldi
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si las innovaciones sucedieron a la velocidad a la que camina un caracol
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en los años previos, los próximos 100 años vieron un avance veloz
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En el proximo programa, la era de Vivaldi, Bach y Haendel
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y el exhilarante sonido de la innovación
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Subtitulos por Sebastián Castro
