Phyllida Barlow: Homemade | Art21 "Extended Play"

Episodio 276: La escultora Phyllida Barlow habla sobre su método idiosincrático de hacer arte, aprender y enseñar, y construir una carrera como artista. Desde su casa estudio en Londres, Barlow recuerda su infancia, donde presenció la manera ad hoc de su madre de hacer ropa y juguetes para sus hijos. Su madre trataba los materiales de la vida doméstica cotidiana como recursos con potencial infinito, una actitud que afectó la creación artística de Barlow. Exhibidas en el @Haus der Kunst en Múnich, Alemania, las enormes esculturas de Barlow anti-monumentales que a su vez se balancean e inclinan, están compuestas por materiales no tradicionales como el cartón, la madera laminada y la tela de colores.

Como una estudiante de arte en Londres en la década del 60, Barlow luchó con las técnicas, los procesos y las formas que se esperaban de la escultura. "Todo tipo de cosas eran tabú, como la domesticidad o ciertas manualidades que se asociaban más con las mujeres", dice la artista. "Lo importante para aprender eran las tradiciones estrictas de la escultura y yo no era buena en ninguna". Sin embargo, esta experiencia luego formó el método de Barlow como profesora, donde impulsó a sus estudiantes a crear prácticas que revelaran sus personalidades, aspiraciones y deseos en vez de seguir una tradición en particular.

Para Barlow, el arte y los artistas existen independientemente si los ve una audiencia, "Hay un montón de artistas que no tienen exhibiciones, hay un montón de arte que nunca se ve", señala Barlow. "Muchos artistas soportan eso toda la vida y es heroico". Intrigada por lo inadvertido y lo desconocido, Barlow afirma su creencia en "el acto creativo como una experiencia privada".

Phyllida Barlow nació en Newcastle, Inglaterra, en 1944. Inspirada por el ambiente urbano, las esculturas de Barlow unen materiales no convencionales como el cartón, la madera laminada, el yeso y el cemento con pintura y tela de colores vibrantes. Sus formas inventadas se crean a través de procesos de acumulación, eliminación y yuxtaposición, gestos que Barlow describe como "más funcionales que artísticos". Las obras masivas resultantes desafían a las experiencias del espacio físico de los espectadores al extender los límites de masa, volumen y altura a medida que destacan, bloquean e interrumpen el espacio. Sin embargo, estas obras permanecen distintivamente anti-monumentales, el artista deja uniones expuestas y sin terminar, lo que revela los medios de hacer las obras y de jugar con las tensiones entre la dureza y la suavidad, lo arrogante y lo cómico, lo pictórico y lo escultural.

Obtenga más información sobre el artista en el siguiente link:
https://art21.org/artist/phyllida-barlow/

El video es dentro de una colección que se conforma con la participación de Art21 en la iniciativa multi-institucional Coalición de Arte Feminista. La Coalición de Arte Feminista (FAC, por sus siglas en inglés) es una plataforma para proyectos de artes confeccionados por feminismos, y promueve la colaboración entre instituciones de artes cuyo objetivo es hacer público su compromiso con la justicia social y el cambio estructural.

CRÉDITOS | Productor de serie: Ian Forster. Director: Ian Forster. Editor: Drigan Lee. Cámara: Andrew Kemp y Anne Misselwitz. Sonido: Sean Millar. Asistente de cámara: Clemens Rosenow y Charlie Stoddart. Colorista: Jonah Greenstein. Mezcla de sonido: Adam Boese. Música: Joel Pickard. Cortesía de obra de arte: Phyllida Barlow, Haus der Kunst, y Hauser & Wirth. Imágenes de archivo: Phyllida Barlow y Fabian Peake. Agradecimientos especiales: Elena Heitsch, Damian Lentini y Lucy Wilkinson.

"Extended Play" es financiada por The Andy Warhol Foundation for the Arts (La fundación de Andy Warhol por las artes) y, en parte, por los fondos públicos del Departamento de Asuntos Culturales de Nueva York en colaboración con el Ayuntamiento; Dawn y Chris Fleischner; el Consejo contemporáneo de Art21 y contribuyentes individuales.

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[Phyllida Barlow: Hecho en casa]

Mi madre era muy creativa:

tejía, confeccionaba ropa, cosía.

Amaba como me enseñaba

armar muebles para casa de muñecas

de cajas de fósforos descartadas.

Tenía una manera ad hoc,
sencilla de hacer las cosas.

Era la antítesis de una juguetería,

intentaba reciclar todo lo que
teníamos en casa.

Cuando estudiaba arte,

había tantos aciertos y errores

en las técnicas, en los procesos,
en las formas,

hasta en las ideas.

Y muchas cosas se consideraban tabú,

como la domesticidad
o ciertas manualidades

que se asociaban con las mujeres,

como tejer o coser.

Aquellas tradiciones estrictas
en la escultura

eran importantes
y debía aprenderlas,

y yo no era muy buena en eso.

Años más tarde, mi pedagogía
fue influenciada

por no seguir un método acertado o errado

sino en tratar de encontrar
cosas que realmente

revelen algo idiosincrásico
en el estudiante.

Algo como ¿cuáles son sus aspiraciones?

¿En qué piensan?

Y, después, poder invitarlos

a comenzar a pensar en procesos

que reflejen esos deseos y ambiciones.

Mi pedagogía tenía mucho que ver

con aquello que me había faltado
aprender en la escuela de arte.

Tengo cinco hijos.

Casi todos están rondando los
cuarenta años.

Y creo que quería continuar
transmitiendo ese sentido positivo

que tenía mi madre, que sepan que
pueden tener vidas felices

y hacer lo que quieran hacer,

sin sentirse obligados a superar

alguna expectativa más alta.
[RISAS]

Son todos artistas.

Nuestra tercer hija es una enfermera
de pacientes con VIH en Londres.

Así que tiene un trabajo apropiado,

pero pinta un montón,
lo cual es sorprendente.

Hay muchos artistas
que no exponen.

Hay mucho arte que nunca se ve.

Y eso me intriga mucho.

Trabajar en algo que no tiene un destino

tiene su parte solitaria y triste.

Y muchos artistas lo padecen
su vida entera,

y eso es heroico.

La novela que nunca se publica,

¿nunca debió escribirse?

Claro que sí.

Es una contribución fantástica

a la cultura del momento

porque ese individuo
tiene una gran ansia de hacerlo

sin otras presiones válidas
que lo restringa.

Esas son cosas en las que pienso

en que hay mucho sobre el mundo del arte

y la forma en la que lo experimentamos

que es fantástico,
pero también hay muchas cosas

de las que no se hablan o
no se reconocen,

que es lo oculto y lo desconocido

y el acto creativo
como una experiencia muy privada.

Hay un gran deseo potente

de crear algo.

Y, ¿acaso eso se extingue?

Espero que no. [RISAS]