Uma breve história da religião na arte — TED-Ed

Vejam a lição completa em: http://ed.ted.com/lessons/a-brief-history-of-religion-in-art-ted-ed

Antes de começarmos a pôr a arte nos museus, a arte servia sobretudo como contrapartida visual para histórias religiosas. Estas pinturas, esculturas, têxteis e iluminuras teológicas de há séculos ainda serão relevantes para nós? Jeremiah Dickey descreve a evolução da arte aos olhos do público e explica como o espetador moderno pode ver a História da Arte como uma conversa global em continuação.

Só há cerca de cem anos, mais ou menos,

é que a civilização ocidental
começou a pôr a arte em museus,

pelo menos em museus parecidos

com as instituições
públicas que vemos hoje.

Antes disso, a arte tinha,
quase sempre, outros objetivos.

O que chamamos hoje de Belas-Artes

era principalmente o que as pessoas sentiam

como uma dimensão estética da religião.

As pinturas, a escultura,
os têxteis e as iluminuras

eram os meios de comunicação da sua época,

proporcionando uma imagética vívida

para acompanhar as notícias do dia.

Neste sentido, a arte ocidental

partilhava um objetivo utilitário

com outras culturas em todo o mundo,

algumas das quais nem sequer
têm uma palavra para "arte".

Então, como definimos aquilo
a que chamamos arte?

Falando genericamente,
estamos a falar aqui

de uma obra que comunica visualmente

um significado para além da linguagem,

quer através da representação,

quer da organização no espaço
de elementos visuais.

A prova deste poder
da iconografia, ou seja,

a capacidade de as imagens
transmitirem um significado,

pode encontrar-se com abundância

se olharmos para a arte

a partir da história das
principais religiões mundiais.

Mais tarde ou mais cedo, na sua história,

quase todas passaram por
qualquer tipo de fase anicónica.

O aniconismo proíbe qualquer
representação visual do divino.

O objetivo é evitar a idolatria,

ou a confusão entre a representação
da divindade e a própria divindade.

Mantendo-a real, por assim dizer,

na relação entre o individual e o divino.

No entanto, isso pode ser difícil de manter,

dada a compulsão de
representar visualmente

e interpretar o mundo à nossa volta,

uma compulsão difícil de suprimir.

Por exemplo, ainda hoje,

em que é proibida a representação
de Alá ou do Profeta Maomé,

podemos encontrar uma
celebração abstrata do divino

nos padrões de arabescos
dos desenhos têxteis islâmicos

com floreados magistrais de pinceladas

e na caligrafia árabe,

em que as palavras do profeta

assumem um papel duplo
como literatura e como arte visual.

Do mesmo modo, na arte
dos períodos primitivos

do cristianismo e do budismo,

a presença divina de Cristo e de Buda

não aparece sob a forma humana

mas é representada por símbolos.

Em ambos os casos,

utiliza-se a referência iconográfica

como forma de reverência.

A representação antropomórfica

ou a representação sob a forma humana

veio a espalhar-se nestas religiões

apenas séculos mais tarde,

sob a influência das tradições
culturais que as rodeavam.

Historicamente falando,

a apreciação pública da arte visual

em termos diferentes duma
função tradicional, religiosa ou social,

é um conceito relativamente novo.

Atualmente, fetichizamos
o fetiche, por assim dizer.

Vamos aos museus ver a arte antiga

mas a nossa experiência dela

está muito afastada do seu contexto

em que inicialmente pretendia ser vista.

Pode dizer-se que o espetador atual

não possui a riqueza do compromisso

que tem com a arte contemporânea,

que é criada com relevância para a sua época

e fala a sua linguagem cultural.

Também se pode dizer que a história
daquilo a que chamamos arte

é uma conversa que continua,

à medida que o nosso
presente contemporâneo

passa a ser o passado
clássico das gerações futuras.

É uma conversa que reflete

as ideologias, as mitologias,
os sistemas de crenças, os tabus

e muito mais coisas
do mundo em que foi feita.

Mas isso não quer dizer
que as obras de outra época,

feitas para servir uma determinada
função nessa altura,

estejam mortas ou não tenham nada
a oferecer ao espetador moderno.

Apesar de num museu

as obras de arte de
diversos locais e épocas

serem apresentadas ao lado umas das outras,

isoladas do seu ambiente original,

essa justaposição tem benefícios.

As exposições são organizadas
por curadores,

pessoas que seguiram essa carreira

dada a sua aptidão para
recontextualizar ou remisturar

artefactos culturais numa
apresentação coletiva.

Enquanto espetadores,
podemos depois apreciar a arte

em termos dum tema comum
que pode não ser aparente

numa determinada obra

enquanto não for vista ao lado de outra.

Podem aparecer novos significados
sobre os quais podemos refletir.

Se para aí estivermos inclinados,

podemos mesmo começar a ver
todas as obras de arte

como parte complementar
de um todo indefinido, unificado

da experiência humana passada,

um caminho que vem ter
diretamente à nossa porta

e continua connosco,

aberto a quem o quiser explorar.