Come vedere meglio e non preoccuparsi: L'arte di Georgia O'Keeffe - Iseult Gillespie

Per vedere la lezione completa: https://ed.ted.com/lessons/how-to-see-more-and-care-less-the-art-of-georgia-o-keeffe-iseult-gillespie

Sentendosi lontana dalle convenzioni classiche della creazione artistica, l'artista Georgia O'Keeffe cominciò a sperimentare con disegni astratti che sfidavano ogni facile classificazione. Questi esperimenti, in cui usava le forme e i ritmi della natura per catturare il proprio mondo interiore, divennero il punto di partenza del movimento conosciuto come modernismo americano. Iseult Gillespie esamina le opere dell'inafferrabile pittrice e scultrice americana.

Lezione di Iseult Gillespie, diretta da Lisa LaBracio.

Le sfumature del tramonto sulla tela,

colori che si irradiano come fiamme.

Un dipinto che potrebbe sembrare
un'immagine astratta, impossibile.

Ma uno sguardo più attento
rivela gli steli delicati,

i petali rigogliosi e la trama
vellutata del cannacoro.

Questa metamorfosi di soggetti naturali
in geometrie astratte

è tipica delle opere di Georgia O'Keeffe,

la rivoluzionaria scultrice
e pittrice americana.

Ma la magia dietro questa trasformazione

resta inafferrabile,
proprio come l'artista.

Nata nel Wisconsin nel 1887, O'Keeffe
passò l'infanzia cogliendo fiori di campo

e sistemando frutti da dipingere.

A diciassette anni, si trasferì a Chicago
per studiare al prestigioso Art Institute.

Dai suoi insegnanti imparò
a riprodurre fedelmente la realtà

secondo le convenzioni
dei maestri europei.

Sebbene amasse la solitudine
e la precisione di questo lavoro,

O'Keeffe non si sentiva
in piena sintonia con esso.

Dopo il trasferimento a New York,
fu sempre più attirata dalle linee pulite,

dalle composizioni impressionanti
e dai colori vividi dell'arte giapponese.

O'Keeffe trovò presto un insegnante
le cui lezioni la ispirarono

a mettere in pratica questi interessi.

Diversamente dai precedenti insegnanti

Arthur Wesley Dow spingeva gli studenti
verso rappresentazioni più astratte

di luce, forma e colore.

Il risultato di queste lezioni
fu la sua prima serie di disegni astratti.

Realizzati a carboncino, presentano
una serie di linee ondulate,

sfumature intense e nuvole in movimento.

Non si possono classificare facilmente,

suggeriscono, ma non corrispondono mai
a uno specifico elemento naturale.

I primi pittori europei
della tradizione cubista

usavano una geometria rigida
per astrarre soggetti esterni.

Ma qui O’Keeffe usava
le forme e i ritmi della natura

per catturare i suoi sentimenti.

Esperimenti simili sarebbero presto
diventati il punto di partenza

di un movimento artistico
chiamato modernismo americano.

Anche se la pittura modernista
non è definita da un singolo stile,

i suoi fautori condividevano il desiderio
di contestare le tradizioni realiste

che dominavano la didattica dell'arte.

Dalla fine degli anni '10 del '900
la pittura modernista

usò spesso forme geometriche
e colori accesi

per indagare la psiche americana.

O’Keeffe si lanciò in questi esperimenti,

ma era restia a condividere
il suo nuovo lavoro.

Quando un amico mandò i suoi carboncini
al mercante d'arte Alfred Stieglitz,

questi andò, però, in estasi.

Nel 1916, Stieglitz organizzò
una grande mostra a New York.

Questo segnò l'inizio
della sua carriera d'artista famosa,

e di una relazione che avrebbe portato
al matrimonio nel 1924.

Il matrimonio non ridusse
il suo amore per la solitudine.

Viaggiava molto per insegnare

e spesso si ritirava
per dipingere per mesi.

Che stesse esplorando
gli scoscesi canyon del Texas,

le tranquille foreste del South Carolina,
o lo sbiadito deserto del New Mexico,

il suo processo creativo si basava
sull'osservazione rituale e ravvicinata.

Prestava un'attenzione
meticolosa ai piccoli dettagli,

e passava ore mescolando tinte
per creare proprio i colori esatti.

Quando trovava la tonalità perfetta,

la registrava nella sua sempre
crescente collezione

di schede colore fatte a mano.

O’Keeffe fece anche degli esperimenti
con la prospettiva per celebrare oggetti

che spesso venivano trascurati.

In "Testa d’ariete con malvone"

mette un teschio segnato
dalle intemperie e un fiore delicato

a sovrastare delle colline in basso.

Questo teschio enorme oscura il paesaggio

gettando sulle ossa e sulle montagne
una nuova, inquietante luce.

La prospettiva unica catturava il pubblico
così come il suo comportamento riservato.

Veniva lodata in particolare
per i suoi imponenti quadri sui fiori,

che spaziavano dai papaveri ardenti
alle calle pallide.

Stieglitz e altri critici del tempo,
patiti di psicologia freudiana,

collegarono molto velocemente
queste pitture ai genitali femminili.

Ma O’Keeffe rigettò
queste interpretazioni.

Era infastidita dallo sguardo maschile
che dominava il mondo dell'arte,

e pretendeva che il suo lavoro
fosse rispettato

per la sua evocazione emotiva
del mondo naturale.

Alla fine, O’Keeffe si stabilì
in New Mexico,

vicino a uno dei suoi ritiri
per artisti preferiti.

A settant'anni, la vista
le cominciò a peggiorare,

ma lei continuò a estrarre i misteri
del paesaggio con nuovi mezzi tattili.

O’Keeffe continuò a creare
fino alla sua morte a 98 anni,

ed è ricordata come la "madre
del modernismo americano".

Dopo decenni, i suoi lavori conservano
la loro forza selvaggia

e O’Keeffe il suo fascino.