Esiste una differenza tra arte e artigianato? - Laura Morelli

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Leonardo da Vinci era o non era un genio dell'arte? Certamente lo era, ma era anche nato nel posto giusto e nel periodo giusto. In epoca pre-rinascimentale gli artisti occidentali ricevevano pochissimo riconoscimento individuale per il loro lavoro. E in molte culture non occidentali, le forme tradizionali sono sempre state considerate superiori rispetto a forme innovative. Allora, da dove ricaviamo le nostre nozioni di arte e di artigianato? Laura Morelli ripercorre la storia di come si attribuisce valore alle arti visive.

Lezione di Laura Morelli, animazione di Sandro Katamashvili.

Quando sentite la parola arte,

cosa vi viene in mente?

Un quadro, come la Gioconda,

una famosa scultura o un edificio?

Che dire di un vaso, di una trapunta
o di un violino?

Tutte queste cose sono considerate
anch'esse arte o si tratta di artigianato?

E qual è, in ogni caso, la differenza?

A quanto pare, la risposta
non è così semplice.

Un cucchiaio o una sella
possono essere finemente rifiniti,

mentre un monumento può
anche essere banale.

Proprio come non tutti
gli strumenti musicali sono funzionali,

non tutti i dipinti o le statue
sono fini a se stessi.

Ma se è così complicato
distinguere l'arte dall'artigianato,

perché allora distinguiamo gli oggetti
in questo modo?

Si potrebbe dire che sia il risultato

di una drammatica svolta storica
negli eventi.

Ci sembrerà ovvio oggigiorno

considerare persone
quali Leonardo da Vinci o Michelangelo

come artisti leggendari

e sì, certamente loro possedevano
talenti straordinari

ma ebbero anche la fortuna
di vivere nel posto giusto

al momento giusto,

perché appena prima della loro esistenza,

il concetto di artista
esisteva a mala pena.

Avendo l'opportunità di entrare
in una bottega medievale europea,

avremmo assistito a una scena simile,

sia che il luogo appartenesse

a un muratore, a un orafo,
a un cappellaio,

oppure a un pittore di affreschi.

Il maestro, seguendo una rigida serie
di norme della corporazione,

assicurava che apprendisti
e operai specializzati

si facessero strada
nelle loro professioni

dopo molti anni d'esperienza

e secondo fasi di realizzazione
ben definite,

trasmettendo le tradizioni consolidate
alla generazione successiva.

I patroni consideravano
questi artigiani

collettivamente piuttosto che
come individui

e i loro lavori, a partire dai calici
di vetro di Murano,

fino al merletto fiammingo,

avevano valore come simboli

non solo per la loro bellezza,
ma anche

per l'appartenenza
a una tradizione specifica.

E il cliente che aveva
commissionato e pagato il lavoro,

che fosse una bella sedia,

una scultura in pietra, una collana d'oro,

o un intero edificio,

era più probabile
che ne ricevesse lui il credito

che non chi lo aveva
progettato o costruito.

Non fu prima del 1400

che si cominciò a tracciare una linea

di demarcazione
tra arte e artigianato.

A Firenze, in Italia,
un nuovo ideale culturale,

passato alla storia

come Umanesimo e Rinascimento,

iniziava a prendere forma.

Gli intellettuali fiorentini
iniziarono a diffondere l'idea

di ricreare opere classiche
greche e romane,

dando, tuttavia, un più ampio valore
alla creatività individuale

rispetto alla produzione collettiva.

Alcuni pittori coraggiosi

che per molti secoli,

erano stati pagati al metro quadro,

richiesero con successo ai loro mecenati

di essere pagati, invece,
in base al merito.

Nel corso di una sola generazione,

l'atteggiamento nei confronti
degli oggetti e dei loro artefici

sarebbe cambiato
in modo sensazionale,

al punto che nel 1550,

Giorgio Vasari,

non a caso amico di Michelangelo,

pubblicò un importante libro chiamato,

"Vite dei più eccellenti pittori,
scultori e architetti",

ed elevò queste categorie di creatori

al livello di rock star, condividendone
succosi dettagli biografici.

Nella mente del pubblico

pittura, scultura e architettura

erano ora considerate arte,

e le menti creative
dei loro artefici, artisti.

Nel frattempo, quelli che mantennero

le tradizioni della corporazione
producendo fedelmente

candelieri, vasi di ceramica,

gioielli in oro o porte in ferro battuto,

furono riconosciuti
dalla comunità come artigiani,

e i loro lavori, furono considerati
arti minori o decorative,

andando a connotare uno status inferiore

e consolidando la distinzione

tra arte e artigianato, tuttora esistente

nel mondo occidentale.

Quindi, se consideriamo un quadro

di Rembrandt o di Picasso come arte,

dove si colloca una maschera africana?

Un vaso di porcellana cinese?

Un tappeto Navajo?

Si è scoperto che nella storia dell'arte,

il valore conferito all'innovazione

è l'eccezione più che la regola.

In molte culture del mondo,

la distinzione tra arte e artigianato

non è mai esistita.

Infatti, opere che potrebbero
essere considerate artigianato,

un tappeto peruviano

un vaso della dinastia Ming

un totem,

sono considerati forme visive preminenti
delle culture d'appartenenza.

Quando gli storici dell'arte
del diciannovesimo secolo

si resero conto che l'arte
di alcune culture non-occidentali

restava immutata per millenni,

classificarono quelle opere
come primitive,

insinuando che i loro creatori
fossero incapaci di innovazione

e quindi non erano veri artisti.

La cosa che non compresero era che

questi artefici non cercavano affatto
d'innovarsi.

Il valore delle loro opere
risiedeva proprio

nel preservare la tradizione visiva,

non nella volontà di cambiarla.

Negli ultimi decenni, opere come

trapunte, ceramiche e sculture in legno

sono state inserite
in maniera più prominente

nei libri di storia dell'arte

ed esposte nei musei

accanto a dipinti e sculture.

Quindi, forse è arrivato il momento
di rinunciare a termini vaghi,

come arte e artigianato,

a favore di un'espressione
come "arti visive"

che comprende una gamma più ampia
di produzioni estetiche.

Dopo tutto, se il nostro apprezzamento
degli oggetti

e dei loro creatori
è tanto condizionato

dalla nostra cultura e
dalla nostra storia,

allora l'arte e la sua definizione

stanno davvero negli occhi di chi guarda.