L'art post-Internet | Olga Sviblova | TEDxRANEPA

Dans sa présentation, Olga soulève plusieurs questions : qu'est-ce que l'art et comment a-t-il évolué à l'ère d'Internet ? Qu'est-ce qu'un artiste à l'ère de l'art post-Internet ? Un artiste doit-il encore savoir se servir de ses mains pour être considéré comme tel ?

Olga Sviblova est critique d'art, réalisatrice de documentaires, docteure en histoire de l'art, professeure, organisatrice d'évènements, directrice du Musée Multimedia Art de Moscou, membre de l'Académie russe des Beaux-Arts, Artiste émérite de la Fédération de Russie et membre de l'Union des Artistes de Russie.

Cette présentation a été donnée lors d'un évènement TEDx local utilisant le format des conférences TED mais organisé indépendamment. Pour en savoir plus : http://ted.com/tedx

Quand on parle de l'art à l'époque
des technologies numériques,

et cette époque est devenue notre réalité,

il faut d'abord réfléchir
à ce qu'est l'art.

Qui peut dire ce qu'est l'art ?

En deux mots.

(Dans la salle) Un moyen d'expression
pour ceux qui ont quelque chose à dire.

(Dans la salle)
Quelque chose qui nous touche.

(Dans la salle) Une démarche.

Qui a vu l'exposition
sur Kabakov ? Levez la main.

L'art, ce n'est pas seulement
un moyen d'expression

ou quelque chose qui nous touche.

Quand on voit l'installation
« Déchets » de Kabakov,

où sont suspendues à un fil
de petites étiquettes

sur lesquelles figurent des petits mots
que l'on s'échange au quotidien :

« Macha, tu as oublié ton parapluie »,

« Tolia, va t'asseoir »,

mais aussi des petits déchets, que chacun
d'entre nous produit en grandes quantités.

Nous utilisons et produisons des déchets.

Ces déchets sont notre mémoire

et cela devient de l'art, merveilleux
et percutant chez Ilya Kabakov.

Les déchets ont une importance cruciale
dans l'art contemporain en général.

D'où cela vient-il ?

Si l'on repense à la révolution de 1917,

dans l'ensemble, les artistes
ne s'en sont pas rendu compte,

parce que la révolution d'Octobre
s'est produite en fin d'année.

C'était l'automne, il faisait froid

et, si vous avez vu l'exposition
à la galerie Tretiakov,

où figuraient des œuvres de 1917,

la vie des artistes n'avait pas changé.

Pendant encore six mois,
ils se sont retrouvés dans les cafés,

ont passé des soirées
à déclamer de la poésie,

ont organisé des salons.

En 1918, au début de la guerre civile,

qui a aggravé l'état du pays, déjà meurtri
par la Première Guerre mondiale,

ils se sont brusquement aperçus qu'après
la promulgation des décrets de Lénine,

quand tout a été nationalisé,

qu'il n'y avait plus
de clientèle pour l'art.

Alors, de manière sincère ou peut-être
par l'effet du syndrome de Stockholm,

les artistes se sont tournés vers
la révolution, les rêves de révolution,

les artistes sont traditionnellement
de gauche, ici, en France, partout.

C'est là que l'avant-garde russe
a commencé à se disputer le titre

de meilleur prolétariat artistique.

Mais en 1917 va se produire
la principale révolution,

celle qui pour l'art d'aujourd'hui,

il y a 102 ans,

celle qui s'est produite quand Duchamp...

Quelqu'un connaît-il ce nom ?

C'est bien.

Qu'a-t-il exposé à New York ?

Un égouttoir et son célèbre urinoir.

À ce jour, ses urinoirs se trouvent encore
dans les plus grands musées du monde.

Duchamp a prouvé une chose simple :

l'art, c'est un objet purement symbolique.

Si on pense aux objets exposés au musée,

quand on entre au musée,

un interrupteur s'allume
dans notre cerveau

et on se met à les regarder
comme des objets de musée.

Tout dépend donc du point de vue adopté.

Nous voulons voir et nous voyons.

Il faut comprendre que voir et regarder
sont deux actions distinctes.

Chacun de nous,
en regardant une œuvre d'art,

ressent et comprend uniquement
ce qu'il a à l'intérieur de lui,

projette sur cet objet symbolique
diverses significations.

Quand on admire aujourd'hui
un tableau du Tintoret ou de Tiepolo,

on ne voit pas ce qu'avait voulu
exprimer l'artiste en son temps.

On ne sait pas si la Joconde était
l'amie, l'épouse du commanditaire

ou simplement une courtisane
qui plaisait à l'artiste.

On ne connaît pas les relations
qu'entretenaient ces personnes,

tout comme les sujets bibliques,
qu'on devrait semble-t-il tous connaître,

mais qui nous sont inaccessibles,
à nous qui sommes d'une autre époque.

De même que, heureusement
ou malheureusement,

les gens ont aujourd'hui
oublié les décrets de Lénine,

qui soit dit en passant
ont causé tant de désastres

dont nous ne sommes, à ce jour,
pas complètement remis.

Alors comment percevons-nous l'art ?

Il y a autant de manières de voir
une œuvre que d'individus.

Et cela n'a rien à voir avec le fait
qu'on soit ou non un expert.

Nos regards évoluent,

et peu importe ce que
nous savons de l'artiste,

ce que nous racontent les guides,

qui retiennent forcément notre attention
s'ils font bien leur travail,

ce n'est jamais qu'une façon
d'attirer notre attention.

Vers quoi ?

D'un côté, l'art est symbolique,

mais de l'autre, la logique de l'évolution
autonome de l'art est implacable,

tout comme celle du développement
autonome de la science.

Peu importe les tentatives de
Lyssenko pour réfuter la génétique,

et il a réellement entravé
son développement,

parce qu'à son époque,
dans le domaine de la génétique,

les scientifiques soviétiques
faisaient de grands progrès.

Lyssenko est arrivé et y a mis un terme.

Mais la génétique évolue malgré tout

et on doit aujourd'hui faire avancer
la génétique, comme partout ailleurs.

L'art étant dans cette logique
de développement autonome,

comment le définir autrement
qu'à travers sa dimension symbolique ?

Les grands courants se sont succédé

parfois sur des millénaires,
puis sur des siècles,

mais depuis la fin du 20e siècle,

tout a changé.

Le rythme des évolutions s'est accéléré,

or l'art, ce n'est pas que des sentiments,

c'est le reflet avec un temps d'avance
de ces évolutions historiques,

y compris des évolutions
de notre mode de vie.

À partir de la fin du 19e siècle,

l'art n'évolue plus seulement
sur un rythme décennal.

En fait, chaque artiste devient
au 20e siècle son propre courant.

Il y a eu l'impressionnisme,
puis l'expressionnisme,

puis l'avant-garde, puis le modernisme

et les évolutions de ces courants
ont été extrêmement rapides.

Alors, qu'est-ce que l'art ?

Nous nous sommes éloignés des canons.

Prenez les canons médiévaux,
aucun nom d'artiste ne nous est connu.

L'art médiéval qui nous est parvenu
est grandiose, mais anonyme.

Ensuite, il y a eu la Renaissance.

Et aujourd'hui, qu'y a-t-il ? Des déchets.

De très beaux déchets chez Ilya Kabakov.

Donc, qu'est-ce que l'art ?

Comment définir cette notion ?

L'art, c'est bien sûr la communication,

un vecteur de symboles
et de communication.

C'est un double moyen de communiquer.

Il fait naître un dialogue intérieur entre
chaque spectateur et une œuvre d'art.

L'art, c'est notre miroir.

Quand on se regarde
dans le miroir de l'art,

on voit bien plus
que ce qu'on savait sur soi.

Soudain, on a accès
à ce qui nous était inconnu.

C'est certainement pour cela
que l'art est vivant

et ce depuis des millénaires.

L'art est un moyen de communication
essentiel entre les hommes.

Maintenant, intéressons-nous à Internet.

Aujourd'hui, nous vivons plus
en ligne que hors-ligne.

Or, si on vit sur Internet,
on y communique forcément.

Je ne parle pas des réseaux sociaux
dont nous sommes tous addicts aujourd'hui.

Nous devenons des esclaves, avec cette
immense liberté d'accès à l'information,

qui a aussi des avantages incroyables.

Nous avons arrêté de nous parler,

nous avons oublié que le contact humain
n'était pas interdit,

mais agréable, important,
et même nécessaire pour les enfants,

les enfants ne peuvent pas grandir
sans chaleur humaine.

Aujourd'hui ils n'ont
plus le temps, plus besoin.

Internet est devenu un concurrent sérieux

à tout ce qui participait avant
au développement psychologique.

Et si la communication
s'opère désormais sur Internet,

cela signifie que l'art
s'y est déplacé aussi.

Si on parle de Net art...

Et il arrive rapidement, à mesure
que nos vies s'installent sur Internet.

Les premières formes de Net art
sont apparues en même temps qu'Internet.

D'une part, il y a des œuvres
que l'on peut diffuser via Internet,

car Internet nous offre la possibilité
de diffuser tout ce qu'on veut.

Tous les musées deviennent
disponibles sur nos écrans,

on peut regarder des films, des vidéos,

on peut regarder des photos,
on peut tout faire.

Internet a cette capacité fascinante
de reproduire et de rendre accessible

n'importe quel contenu
qui existe hors-ligne.

Internet possède ses propres
genres artistiques et ses spécificités.

Prenez les photomontages.

Notre ministre de la Culture défend
le développement des arts traditionnels,

quand on parle d'un « art populaire »,
on pense à la céramique de Gjel,

à la dentelle de Vologda,

mais les photomontages
font aussi partie de l'art populaire.

Regardez ce qu'il se passe aujourd'hui
sur Instagram, sur Youtube.

Les vidéos, ce sont des chefs-d'œuvre !

Nous utilisons Internet
comme un dispositif,

comme on utilisait autrefois
le télégraphe ou le téléphone.

Il y a douze ou quatorze ans, nous avons
souhaité définir le concept de Net art,

au-delà de l'idée de récupérer
des contenus sur Internet

et de créer une œuvre à partir
de ce qu'on y a trouvé.

J'ai été deux fois commissaire
du pavillon russe à la Biennale de Venise,

en 2007 et en 2009.

En 2007, nous avons exposé une œuvre
de la jeune artiste Julia Milner,

qui est devenue aujourd'hui
incontournable dans le Net art.

Elle s'appelait « Click I Hope »
et c'était une véritable révolution,

parce que le Web 2.0
en tant que technologie,

je pense que vous savez mieux
que moi ce qu'est le Web 2.0,

moi je l'ai découvert à ce moment-là,

le Web 2.0, cette technologie interactive,
venait tout juste de naître.

C'était un écran blanc, comme
le moteur de recherche Google.

On y lisait « I hope », « J'espère »,

dans 50 langues.

Les gens devaient cliquer.

En voyant l'artiste, je lui ai demandé :

« Comment vont-ils cliquer et trouver ? »

Elle m'a dit : « Ils trouveront. »

J'ai dit : « Faisons un prototype.
Moi je n'y crois pas. »

J'étais là à 5 heures du matin à me dire -

il n'y avait pas de bots
informatiques à l'époque -

« Dans la journée d'accord, ses amis
cliqueront, mais la nuit qui le fera ? »

Mais j'ai vu que les gens cliquaient.

Les gens trouvaient.

Nous ne savons pas
comment fonctionne aujourd'hui

ce système incroyable d'autocommunication.

Et quand les gens cliquaient,
on voyait deux compteurs :

combien il y avait d'utilisateurs actifs
et quelle langue ils choisissaient.

On ne savait pas pourquoi les gens
cliquaient en russe ou en anglais.

Naturellement, l'anglais venait en tête,

puis l'espagnol est passé devant,
puis les Russes se sont connectés.

Pour la première fois, Venise
était reliée au monde entier.

Chacun pouvait ouvrir la page et cliquer.

Qu'est-ce que c'était ?
Est-ce que c'était de l'art ?

Comment trouver un espace sur Internet où
on percevra un jeu comme une œuvre d'art ?

On perçoit déjà les performances comme
de l'art, on a appris à les voir ainsi.

C'est alors qu'apparaît
quelque chose de fabuleux.

Le nom de domaine .art.

C'est un nom de domaine
que chaque artiste ou musée -

aujourd'hui, la plupart des grands musées
sont passés au nom de domaine .art -

c'est un nom de domaine international,

qui nous aide à repérer
ce qui doit être vu comme de l'art.

Si M. Dupont crée un site
pour poster ses photos, c'est une chose,

mais s'il l'appelle dupont.art,

si on le cherche comme artiste...

Il sera beaucoup plus facile à trouver.

Est-ce que c'est un artiste ?

Nous ne savons pas.

Chaque année, des milliers d'étudiants
sortent diplômés des écoles d'art

mais seules quelques dizaines
marqueront l'Histoire.

C'est normal.

Dans la vie réelle, ce sont des experts
qui déterminent qui est un artiste,

ce sont les collectionneurs,
les personnalités publiques,

la presse, les galeries
et finalement les musées.

Ensuite, c'est le temps
qui opérera une sélection.

Alors comment distinguer un chef-d'œuvre
sur Internet, sur Instagram ?

Car Instagram regorge de chefs-d'œuvre !

Comment déterminer
ce qui constitue une œuvre d'art ?

Eh bien, c'est très facile.

Si quelqu'un se définit sur Instagram
comme « Artist », il utilise .art,

s'il a la balise .art,

il nous dit : « Je n'ai pas juste
photographié ma partie de pêche,

j'ai créé une œuvre d'art.
Regardez-la, s'il vous plaît. »

Ça plaira à certains, pas à d'autres.

S'il affirme que ses photos
sont de l'art, elles le deviennent.

Parce que ça fait longtemps qu'un artiste,

ce n'est plus juste un type
avec son béret vert et ses pinceaux.

L'artiste de la Renaissance
est un modèle qui a disparu.

Dans l'art conceptuel,
il n'y a souvent même pas d'images.

On débat encore au sujet de ce qu'est
le « Carré noir sur fond blanc ».

L'art est un concept flottant.

Mais si un individu considère sa création,

peu importe quels déchets il a utilisés,

s'il considère sa création comme de l'art,

il suffit d'une balise sur Internet

pour le considérer comme un artiste.

Ensuite, le temps nous dira
qui sortira vraiment du lot.

Peut-être grâce à une cote de popularité ?

Sur Internet, tout s'exprime
par des cotes, des classements,

or dans une cote,
il n'y a pas de pour et de contre,

il y a un chiffre.

C'est un profond bouleversement,

parce que jusqu'à présent, le monde
se divisait entre « haut » et « bas »,

« paradis » et « enfer », il y avait
toujours du positif et du négatif.

Mais on ne réfléchit plus en termes de
« droite/gauche », « masculin/féminin »,

ni en termes de « pour ou contre ».

Une cote, c'est un chiffre.

On ne peut rien y faire.

Si on se penchait sur le cœur du problème,

bien sûr qu'on changerait tout.

Peut-être que nous allons créer
des groupes d'experts,

ça existe d'ailleurs déjà.

Mais qui aura le plus grand impact :
les experts ou les cotes de popularité ?

Si le processus actuellement en cours,

un processus en ligne
qui commence dès maintenant

et qui deviendra bientôt une avalanche -

si ce processus se poursuit,

nous aurons une nouvelle forme
d'espace sur Internet,

un espace de divertissement,
d'information et de communication.

Cela nous donnera d'autres possibilités
que celle de présenter sur Internet

ce qu'on y présente déjà comme de l'art,

de se considérer comme un artiste,
de renouveler la créativité,

parce que bien sûr, Internet
nous donne ces possibilités.

Je crois que dès lors
que les scientifiques se rendront compte

qu'ils peuvent aussi utiliser .art,
ça deviendra intéressant.

Car les scientifiques pensent, rêvent,
d'une manière presque paradoxale,

comparé aux artistes, ceux qui
savent dessiner, disons un corbeau -

c'était une tâche insurmontable
pour moi quand j'étais petite,

reproduire le volume et les ombres -

on ne peut tout simplement
pas les comparer.

L'union de l'art et de la science,

ce n'est pas juste lorsqu'un artiste
va questionner un scientifique

au sujet des nanotechnologies pour ensuite
essayer de les représenter visuellement.

Non, ce qui est intéressant, c'est quand
il y a un élan de créativité commune.

Je vais vous dévoiler un secret,

les scientifiques maîtrisent
le discours conceptuel,

or l'art contemporain
est purement conceptuel :

créer quelque chose de ses mains
sans son cerveau, c'est impossible.

Des petites mains, ça se trouve.

Il y aura toujours des gens
pour souder, scier, dessiner pour vous.

Mais la question, c'est : quoi ?

Aujourd'hui, c'est à qui
trouvera le meilleur concept.

Or, je pense que

les scientifiques maîtriseront
la logique du discours artistique

plus rapidement que les artistes
ne domptent les nouvelles technologies.

Faut-il encore faire les Beaux-Arts ?

La question se pose.

Mais si un aspirant artiste
ne sait pas ce qui a existé avant lui,

il risque de ne jamais
recevoir de Prix Nobel,

tout comme ne le recevra pas
celui qui réinventera la roue.

Mais ça crée de multiples opportunités,
ça nous ouvre les yeux.

Les choses bougent beaucoup
dans le monde de l'art

et nous aussi, nous pouvons
faire bouger les choses,

si nous réfléchissons sérieusement
à l'empreinte que nous voulons laisser.