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Anish Kapoor en "London" - Temporada 10 - "Art in the Twenty-First Century" | Art21

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    Los objetos son, yo creo, ilusorios.
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    Nunca son lo que aparentan ser.
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    Los miramos, más que todo, con amor,
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    odio, deseo,
    repulsión u otros sentimientos.
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    El observador esta involucrado.
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    Siempre hay una conversación.
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    Una de las cosas que he encontrado
    en mi proceso,
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    es esa incertidumbre de lo
    que un objeto es.
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    ¿Es el lugar del objeto aquí o allá?
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    Pienso que está aquí en algún lado.
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    ¿Por qué no vemos la cámara?
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    Tal vez no puedes hacerlo de otra manera.
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    Incluso ahí, puedes ver que la cámara
    está ahí.
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    Los objetos brillantes han estado en
    el arte por mucho tiempo.
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    Pero, todos eran convexos.
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    He trabajado con la concavidad.
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    Lo que tiene es un punto focal.
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    Lo aumenta y pone todo de cabeza.
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    Para ese momento,
    existe una sensación de vértigo.
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    Es esa sensación de poner
    todo de cabeza que
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    me interesa.
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    Pensamos que la geometría es cognoscible.
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    Lo interesante sobre la geometría
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    es que cuando se lleva al
    enésimo nivel de conocimiento,
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    se vuelve incognoscible.
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    Aquí hay otra.
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    Hace cosas similares pero de
    una manera diferente.
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    Este es un rectángulo con
    un borde curvo.
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    Es una línea recta aquí y aquí.
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    Pero, toda la superficie
    entre ellas es curva.
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    Así, que es todas las cosas
    que quiero que un objeto tenga
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    es que sea cóncavo.
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    Lewis Carroll propuso un
    mundo en el que caes.
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    El hoyo del conejo o como sea.
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    La sensación de caer
    es obviamente una gran parte de
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    concavidad.
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    Como artistas desarrollamos
    nuestra educación en público.
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    No puedes saber si será
    un éxito en término de
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    lo que pretende el trabajo.
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    Uno tiene que tomar el riesgo.
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    He visto personas caminar en
    un lugar y van y se quedan...
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    de esa manera.
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    Genial, eso es lo que estoy buscando.
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    La sensación de ¿cómo puede ser?
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    Desde "Cloud Gate" terminó se me
    ha informado que 200 millones
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    de personas lo han visto,
    lo que es increíble.
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    200 millones de personas aparentemente
    significa 500 millones
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    de selfies, lo que me encanta.
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    Cuando lo hice por primera vez, sentí
    que era demasiado popular,
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    muy... sencillo.
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    Reflexione sobre ello
    y me di cuenta que hace algo
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    bastante interesante.
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    Cuando estas en el es enorme.
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    Pero unos pasos más atrás y ya no lo es.
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    Tiene un tipo de rango.
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    El tamaño de algo es el tamaño de algo.
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    Grande, pequeño sea lo que sea.
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    Una escala de algo, es una
    rara combinación
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    de significado, tamaño y emoción.
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    Logra decir: la medida de mi cuerpo
    esta en relación a
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    un objeto que hace algo
    a mi espíritu.
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    Lo que lleva que uno se pregunte
    a si mismo qué tan grande soy,
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    que tan pequeño soy y ¿qué tan
    significativo uno es o de todas
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    las variaciones?
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    Como todos los buenos niños indios,
    estaba bastante seguro que
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    la única cosa que iba a ser era
    un ingeniero
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    o algo parecido.
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    Pero, cuando tomé la decisión de
    convertirme en un artista cuando
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    tenia 17 años, sabía que era
    lo que tenia que hacer.
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    Vine aquí para ir a la escuela de arte.
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    Debido a que Londres es
    maravillosamente cosmopolita,
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    me quedé.
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    Vengan conmigo e intentare
    explicar qué es lo que
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    estamos haciendo al lado.
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    O lo que pensamos hacer.
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    Estoy en el proceso de
    hacer distintas formas.
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    Todas son relativamente orgánicas
    y todas tienen interior.
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    No estamos preguntando
    cómo podemos hacer este proceso
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    más simple.
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    Comenzare algo, ya sea
    un dibujo en la pared
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    o en un pedazo de papel
    sea lo que sea.
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    No lo sobrepienso.
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    Solo los dejo salir.
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    E intento seguir las implicaciones de eso.
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    Pero después, por supuesto,
    alguien tiene que hacerlos.
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    Este fue hecho por Hilary
    quien esta trabajando
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    allí abajo.
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    Requiero un tipo de pensamiento
    particular para hacerlo con precisión.
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    Ella y yo hemos entendido, a lo largo
    de los años, lentamente como haces
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    los dibujos de manera adecuada
    para que el objeto
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    de hecho encaje.
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    Crecí en un lugar llamado Dehradun
    en el Norte de la India.
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    Esta en el pie de las cordillera
    de el Himalaya.
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    Así que, siempre, al norte
    del pueblo estaban
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    las montañas.
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    Eran una contsante presencia misteriosa.
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    Es algo que ha estado en mi
    trabajo desde los primeros
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    trabajos de pigmentos que hice,
    hace 40 años a estas montañas
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    vacías.
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    La proposición aquí es que hay un lugar
    y espacio
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    a través de ello, más allá de ello.
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    Nunca es solo físico.
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    Que siempre hay algo más.
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    He trabajado mucho con azules oscuros.
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    Este es un negro muy, pero muy
    oscuro con el que estoy trabajando
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    en el momento.
    El rojo como negrura.
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    Rojo como oscuridad.
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    Rojo como interior.
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    Pienso que el color
    como una cualidad inmersiva.
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    Es como tomar una ducha.
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    Entras a la ducha, te mojas.
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    Una vez que has estado enfrente
    de una cosa roja
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    te vuelves rojo.
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    Está contigo, a tu alrededor.
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    Esencialmente es un
    reflejo de tu interior.
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    Me defino por esto.
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    Pero de hecho, cierro mis ojos,
    no lo soy.
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    Soy algo completamente diferente.
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    Soy inmenso.
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    Creo que tiene que ver con el rojo.
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    los objetos representan estas
    proposiciones psíquicas.
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    Symphony for a Beloved Son es
    una cinta transportadora que tiene
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    grandes cúmulos de cera que van
    despacio hasta la cima y caen,
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    haciendo, espero, un gran desorde.
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    Lo que estoy buscando,
    es ese sentimiento de presencia,
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    decadencia, procesar todas las cosas
    que son usadas tanto
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    por procedimientos mecánicos
    y por la escultura en sí.
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    Aquí hay un trabajo que es más o menos
    20 toneladas de cera en este gran bloque
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    que gira lentamente.
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    No pasa mucho.
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    Se llama My Red Homeland.
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    Porque mi tierra natal es roja,
    tanto en el interior
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    como el exterior.
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    Uno no hace psicoanálisis
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    por diversión.
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    Lo hice por 30 años.
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    Estaba en ello porque lo necesitaba.
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    Lo que me encanta de ello es que es
    un proceso que propone que el
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    mundo interior es un poco,
    o incluso más, significativo
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    que el llamado mundo real.
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    Y el objetivo es trabajar con ello.
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    Es lo que pasa en mi estudio.
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    Uno vuelve una y otra vez.
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    ¿Cuál es esta maldita
    obsesión con el rojo?
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    ¿Por qué lo tengo que
    hacer una y otra vez?
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    No puedo evitarlo.
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    Solo estoy ahí.
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    Ser artista es una carrera muy larga.
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    Hay mucho que hacer y abrirse de
    verdad a uno mismo es
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    la parte más dura del trabajo
    que puede hacer.
Title:
Anish Kapoor en "London" - Temporada 10 - "Art in the Twenty-First Century" | Art21
Description:

"Art21 se enorgullece en presentar un segmento de artista, con Anish Kapoor, del episodio " London" de la décima temporada de la serie "Art in the Twenty-First Century".

"Londres" se estrenó en septiembre de 2020 en PBS. Véalo ahora en PBS y en la aplicación PBS Video: https://www.pbs.org/video/london-8x7jrh/

Artista insignia de su generación, el escultor Anish Kapoor transforma de forma poética acero inoxidable, piedra, cera, PVC y pigmentos de colores en formas trascendentes y desconcertantes que provocan preguntas fundamentales sobre la percepción, la conciencia y la espiritualidad. Con la icónica escultura pública Cloud Gate, conocida popularmente como "The Bean", en Chicago, y una importante retrospectiva en Pekín, esta película es un retrato íntimo de un artista de un gran renombre internacional.

Anish Kapoor nació en 1954 en Bombay (India). Conocido mundialmente por sus esculturas que desafían la percepción y sus instalaciones públicas a gran escala, Kapoor trabaja con materiales industriales como el espejo, el acero, la piedra y el vinilo para crear formas que evocan lo metafísico y desafían las ideas del espectador sobre el espacio físico.

Más información sobre el artista en: https://art21.org/artist/anish-kapoor
CRÉDITOS | Productora ejecutiva: Tina Kukielski. Productor de la serie: Nick Ravich. Director y productor: Ian Forster. Editor: Morgan Riles. Director de fotografía: Andrew Kemp.

Ayudante de curación: Danielle Brock. Diseño y animación: Momentist, Inc. Compositor: Joel Pickard. Personal adicional de Art21: Lauren Barnett, Lolita Fierro, Joe Fusaro, Meghan Garven, Jonathan Munar y Emma Nordin. Narración: Okema T. Moore.

Fotografía adicional: Jarred Alterman, Joshua Bagnall, Bryan Chang, Matt Conway, Pau García Laita, Christoph Lerch, Jonnie Lewis, John Marton y Rafael Salazar Moreno. Ayudantes de cámara: Santi Arcos, Alex Rozerot Kirkwood, Oliver Richardt, Charlie Stoddart, Matt Ward, Yifan Wen y Ava Wiland. Sonido en exteriores: Simon Forrester, Tim Hodge, Sean Millar, Annie Needham y James Page. Productora de campo de Pekín: Vicky Du. Ayudantes de producción : Jonathan Batty, Adam Roberts y Rialda Zukic.

Intermediación digital: Cut + Measure. Productor de postproducción: Alex Laviola. Colorista: Chris Ramey. Post-Producción Servicios de Sonido: Konsonant Post. Mezclador de regrabaciones y editor de sonido: Gisela Fullà-Silvestre. En línea y conformidad: David Gauff. Animación adicional: Andy Cahill. Ayudantes de edición: Jasmine Cannon, Jonah Greenstein y Mengchen Zhang. Información descriptiva del vídeo: Captionmax. Relaciones públicas: Cultural Counsel.
Relaciones con la cadena: De Shields Associates, Inc. Asesoría jurídica: Barbara T. Hoffman, Esq.

Obras de arte por cortesía de: John Akomfrah, Phyllida Barlow, © Anish Kapoor. DACS, Londres / ARS, NY 2020, Christian Marclay, Black Audio Film Collective, Hauser & Wirth, Lisson Gallery, Paula Cooper Gallery, Smoking Dogs Films y White Cube. Música adicional: "Craft" y "Pandora's Box" de Christian Marclay; Atavistic Records.

Becarios: Shane Daly, Grace Doyle, Eda Li, Daniela Mayer, Jason Mendoza, Nikhil Oza, Anika Rahman, Ana Sanz, Sara Schwartz, Victoria Xu y Sadie Yanckello.

Material de archivo: BlackBoxGuild; Teri Bloom; British Council; Jacob Burckhardt; © Paula Court; CriticalPast; Paul Crosby; Adrian Gaut; Alexander Gold; Andy Haslam; Intermezzo FIlms / Luc Peter; Pierce Jackson; Lucerne Festival; Museu d'Art Contemporani de Barcelona; Pond5; SandenWolff, Courtesy Public Art Fund, NY; Jared Schiller; Snapchat; © Tate; © The Eva Hesse Estate; The Kitchen Archive, ca. 1971-1999; The Getty Research Institute; Whitechapel Gallery Archive; White Cube; © Whitney Museum of American Art, 2010.

Agradecimientos especiales: The Art21 Board of Trustees; Lucy Adams; Ashitey Akomfrah; Anthony Allen; Barlow studio assistants; Alison Burstein; CAFA Art Museum; Anna Cerdà i Callís; Clare Chapman; Coriander Studio; Cultureshock Media; Des Moines Art Center; Susan Doyon; Raena Franklin; Gibbs Farm; Emma Gifford-Mead; Elissa Goldstone; Nora Gomez-Strauss; Lina Gopaul; Melissa Saenz Gordon; Tim Griffin; Louise Hayward; Mackie Healy; Shelley Hirsch; Huddersfield Contemporary Music Festival; ICA Boston; Jupiter Artland; Kapoor studio assistants; Esther Knuth; Betsy Lack; David Lawson; Los Angeles County Museum of Art; Jon Lowe; Millennium Park, City of Chicago; Ministry of Tourism, Arts & Culture, Republic of Ghana; Tessa Morefield; David Moss; Capucine Perrot; Pitzhanger Manor & Gallery; Elizabeth Robert; Royal Academy of Arts; Dread Scott; Somerset House; Tate Britain; Venetia Tate; Times Square Arts; Sophie Treharne Nurse; Venice Biennale; Lucy Wilkinson; Nora Woodin; y Allison Wruble.

La 10ª temporada de Art in the Twenty-First Century cuenta con el apoyo de PBS, National Endowment for the Arts, Lambent Foundation, The Anna-Maria and Stephen Kellen Foundation, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Toby Devan Lewis, The Horace W. Goldsmith Foundation, Henri Lambert, Nion McEvoy & Leslie Berriman y Sakana Foundation.

Creadoras de la serie: Susan Dowling y Susan Sollins. ©2020 Art21, Inc.

#AnishKapoor #Londres #Art21
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Video Language:
English
Team:
Art21
Project:
"Art in the Twenty-First Century" broadcast series
Duration:
12:38

Spanish (Latin America) subtitles

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