Espantosas esculturas no palco que combinam música e tecnologia

Começa com um esboço. Depois, evolui para uma obra-prima visual a grande escala, uma celebração da ligação humana. Venha com a famosa artista e "designer" Es Devlin fazer uma visita ao seu trabalho — incluindo as esculturas de palco icónicas que ela criou para a Beyoncé, Adele, Kanye West, U2 e outros — e aprecie a primeira apresentação da sua obra para a próxima Expo Mundial 2020 no Dubai.

Estas são sequências de uma peça chamada
"The Lehman Trilogy",

que descreve as origens
do capitalismo ocidental

em três horas,

com três atores e um piano.

O meu papel foi criar um cenário

para escrever uma linguagem visual
para esta obra.

A peça descreve
as travessias do Atlântico,

os campos de algodão do Alabama,

os panoramas urbanos de Nova Iorque,

e nós enquadrámos tudo
neste único cubo giratório,

uma espécie de cinema cinético
através dos séculos.

É como um instrumento musical

tocado por três intérpretes.

À medida que eles andam
em torno e através das vidas

dos irmãos Lehman,

nós, a audiência,

começamos a ter uma ligação
com as origens humanas simples

na base dos complexos
sistemas financeiros globais

de que somos cativos até hoje.

Eu costumava tocar instrumentos musicais
quando era mais nova.

O meu preferido era o violino.

Era uma transferência íntima de energia.

Pegava nesta escultura orgânica
junto ao coração,

e transferia toda a energia do corpo

para esta pequena peça de madeira,
e ouvia a transformação em música.

Nunca fui muito boa a tocar violino,

mas costumava sentar-me
ao fundo da segunda secção de violino

da Orquestra Jovem de Hastings,
a arranhar as cordas.

Estávamos todos a arranhar...

e a maravilhar-nos
com o som sinfónico que fazíamos,

muito mais belo e poderoso

do que qualquer outra coisa
que fizéssemos sozinhos.

Agora, ao criar "performances"
em larga escala,

trabalho sempre com equipas

que tenham, pelo menos, a dimensão
de uma orquestra sinfónica.

E mesmo criando

enormes túneis do tempo
com a forma de peças de xadrez giratórias

para uma ópera de Richard Wagner

ou tanques de tubarões
e montanhas para Kanye West,

o objetivo é criar
a escultura mais articulada,

o instrumento mais poético
de comunicação com a audiência.

Ao dizer "poético",

apenas quero dizer a linguagem
na sua forma mais densa,

como a letra de uma canção,

um quebra-cabeças poético
para desbloquear e desembrulhar.

Quando estávamos prontos para desenhar
a digressão "Formation" da Beyoncé,

olhámos para todas as letras,

e deparámo-nos com um poema
que a Beyoncé escreveu.

"Eu vi um pregador de TV

"quando me senti assustada,
aos 4 ou 5 anos, por causa de pesadelos,

"que prometia fazer uma oração
se eu pusesse a minha mão na TV.

"Essa é a primeira recordação da oração,

"como uma corrente elétrica
a atravessar-me."

E esta TV que transmitiu a oração
à Beyoncé na infância,

tornou-se esta escultura
monolítica giratória

que transmite a Beyoncé
para o fundo do estádio.

O estádio é uma congregação de massas,

é uma população temporária
de cem mil pessoas

que vieram todas aqui
para cantar juntos cada palavra,

mas também vieram aqui
cada um em busca de intimidade

a sós com a artista.

E nós, à medida
que concebemos o espetáculo,

temos de providenciar intimidade
a uma escala grandiosa.

Normalmente começa com esboços.

Eu estava a desenhar este retrato
giratório de 18 m de altura da artista,

para transmissão de qualidade,

e depois, rasguei o papel ao meio.

Dividi a máscara

para tentar aceder ao ser humano
por baixo de tudo aquilo.

Uma coisa é fazer esboços,
mas, para traduzir um esboço

para um edifício de seis andares
giratório, para a digressão,

foram precisos engenheiros excecionais
a trabalhar noite e dia

durante três meses,

até finalmente chegarmos a Miami

e abrirmos o espetáculo
em abril de 2016.

(Vídeo: Vivas)

(Música: "Formation", Beyoncé)

Beyoncé: Todos vocês, pirosos odiadores,
com esses disparates dos 'Illuminati'

"Paparazzi",
tirem fotos do meu estilo e atitude,

Sou tão brasa e negligente
no meu vestido Givenchy

Sou tão possessiva que uso
os colares Roc dele

O papá é do Alabama

A mamã é do Louisiana

Mistura-se o negro com o crioulo

faz-se uma texana provinciana.

(Fim da música)

Eu chamo ao meu trabalho...

(Vivas, aplausos)

Obrigada.

(Vivas e aplausos)

Chamo ao meu trabalho
escultura de palco,

mas claro que o que realmente está a ser
esculpido é a experiência da audiência,

e, como diretores e "designers",

temos de assumir a responsabilidade

por cada minuto
que a audiência passa connosco.

Somos um pouco como pilotos

navegando um percurso de voo
para cem mil passageiros.

E no caso do artista canadiano
The Weeknd,

traduzimos este percurso de voo
literalmente

num aeroplano de papel
em dobragem 'origami'

que levantou voo por cima da audiência,

partiu-se a meio do voo,
complicações,

e depois ergueu-se das cinzas, restaurado,

no final do espetáculo.

E como qualquer voo,

a parte mais delicada
é a descolagem, o início,

porque, quando se desenha um concerto Pop,

a matéria-prima com que trabalhamos

é algo que não precisa de camiões
ou de pessoal para o transportar.

Não custa nada,

e, no entanto, enche cada átomo do ar
na arena, antes de começar o espetáculo.

É a expectativa da audiência.

Toda a gente traz consigo
a história de como chegaram até ali,

as distâncias que viajaram,

os meses que trabalharam
para pagar os bilhetes.

Às vezes, eles dormem de um dia
para o outro, no exterior da arena,

e a nossa primeira tarefa é cumprir
as expectativas da audiência,

desde o primeiro momento
em que veem o artista.

Quando trabalho para homens,

eles sentem-se felizes por ver
a música deles transformada em metáfora

voos no espaço, montanhas.

Mas para mulheres, trabalhamos muito
com máscaras e retratos 3D,

porque os fãs das artistas

desejam o rosto delas.

Quando as pessoas chegaram para assistir

ao primeiro concerto da Adele
em cinco anos,

depararam-se com esta imagem
dos seus olhos adormecidos.

Se eles ouvissem com atenção,

eles ouviriam a sua respiração
durante o sono a ecoar na arena,

à espera de acordar.

Eis como o espetáculo começou.

(Vídeo: Vivas e aplausos)

(Música)

Adele: Olá.

(Vivas e aplausos)

Es Devlin: Com os U2,
navegamos na audiência

por cima de um terreno que abrange
três décadas de política, poesia e música.

E durante muitos meses, após reuniões
com a banda e as suas equipas criativas,

este é o esboço que continuamente surgia,

esta linha, esta rua,

a rua que interliga
o passado da banda com o seu presente,

a corda bamba em que andam
como ativistas e artistas,

um passeio pelo cinema

que permite aos elementos da banda
tornarem-se protagonistas

na sua própria poesia.

(Música: Tema dos U2
"Where the Streets Have No Name"

Bono: Quero correr

Quero esconder-me

Quero deitar abaixo os muros

Que me confinam interiormente...

Es Devlin: O fim do espetáculo
é como o fim de um voo.

É uma chegada.

É uma transferência do palco
para a audiência.

Para a banda britânica Take That,

acabámos o espetáculo enviando
uma figura humana mecânica

de 24 m de altura,

para o centro da multidão.

(Música)

Tal como muitas traduções
da música para a mecânica,

isto foi inicialmente considerado
totalmente impossível, tecnicamente.

Os primeiros três engenheiros
disseram que não,

e, por fim, a forma como foi conseguido

foi manter junto
todo o sistema de controlo

enquanto fazia a digressão pelo país,

por isso, tínhamos de o dobrar
sobre o estrado de um camião,

de modo a poder viajar sem se partir.

E, claro, o que isto significava
era que a dimensão da sua cabeça

era inteiramente determinada

pelo viaduto mais baixo
por que tinha de passar na digressão.

Tenho de vos dizer que, afinal,

há uma ponte inevitável
e irritantemente baixa

mesmo à saída de Hamburgo.

(Risos)

(Música)

Outra das peças tecnicamente
mais complexas em que trabalhámos

foi a ópera "Carmen"

no Festival Bregenz, na Áustria.

Tínhamos pensado nas mãos da Carmen
a erguerem-se do Lago Constance,

e atirando este baralho de cartas ao ar

e deixando-as suspensas
entre o céu e o mar.

Mas este gesto momentâneo,
este movimento dos pulsos

teve de se tornar uma estrutura
suficientemente segura

para aguentar dois invernos austríacos.

Portanto, muito do que não veem
nesta fotografia

está a trabalhar muito.

É muito lastro e estrutura
e suportes na parte de trás,

e vou mostrar-vos as fotos
que não estão no meu "website".

São as fotos da parte de trás do cenário,

a parte que não é suposto
a audiência ver,

não importa o quanto trabalho
estiver a fazer.

Sabem, este é, de facto, o dilema

para um artista que esteja a trabalhar
como "designer" de cenários,

porque tanto do que eu faço é falso,

é uma ilusão.

E, no entanto, todos os artistas trabalham
para conseguirem comunicar uma verdade.

Mas estamos sempre a perguntar-nos:

"Nós conseguimos comunicar uma verdade
usando coisas são falsas?"

E agora, quando vou aos espetáculos
em que tenho trabalhado,

frequentemente descubro que sou a única
que não está a olhar para o palco.

Estou a olhar para algo
que acho igualmente fascinante,

e que é a audiência.

(Vivas)

Em que outro lugar
poderiam testemunhar isto?

Tantos humanos, interligados, focados,

sem distração e sem divisão?

Ultimamente, comecei a fazer trabalho
que se origina aqui,

na voz coletiva da audiência.

"Poem Portraits" é um poema coletivo.

Começou na Galeria Serpentine,
em Londres,

e toda a gente está convidada
a doar uma palavra para o poema coletivo.

Em vez daquele enorme e único retrato LED

a transmitir para o fundo do estádio,

neste caso, cada membro da audiência

leva consigo para casa
o seu próprio retrato,

tecido com as palavras

que eles contribuíram
para o poema coletivo.

Então, eles ficam com um fragmento
dum trabalho coletivo sempre em evolução.

E no próximo ano, o poema coletivo
vai assumir uma forma arquitetónica.

Este é o "design" para o Pavilhão da GB
na Expo Mundial de 2020.

O Reino Unido...

Na minha vida, nunca o senti tão dividido.

Nunca o senti tão ruidoso
com vozes divergentes.

E nunca sentiu tanta necessidade de locais

onde as vozes pudessem
unir-se e convergir.

A minha esperança
é que esta escultura de madeira,

este instrumento de madeira,
um pouco como o violino que eu tocava,

possa ser um local onde as pessoas
possam tocar e meter a palavra

numa ponta do cone,

emergirem na outra ponta do edifício,

e descobrirem que a sua palavra se juntou
a um poema coletivo, a uma voz coletiva.

(Música)

Estas são experiências simples
em aprendizagem automática.

O algoritmo que gera
o poema coletivo é muito simples.

É como uma previsão de texto,

só que treinado em milhões de palavras
escritas por poetas do século XIX.

Por isso, é uma espécie de convergência
de inteligência, passado e presente,

orgânico e inorgânico.

E fomos inspirados
pelas palavras de Stephen Hawking.

No final da sua vida,
ele fez uma pergunta bastante simples:

Se nós, como espécie,
alguma vez nos deparássemos

com outra forma de vida avançada,

uma civilização avançada,

como falaríamos com eles?

Que linguagem coletiva
falaríamos, como planeta?

A linguagem da luz
alcança todas as audiências.

Todos nós somos tocados por ela.
Nenhum de nós a consegue reter.

No teatro, nós começamos cada obra
num lugar escuro, sem luz.

Passamos toda a noite a pé
a focar luzes, a programar as luzes,

tentando encontrar novas formas
de esculpir e cinzelar a luz.

(Música)

Este é o retrato da nossa prática,

sempre à procura de novas maneiras
de modelar e dar outra forma à luz,

sempre a encontrar palavras para coisas
que já não precisamos de dizer.

E quero dizer que isto,

e tudo o que vos acabei de mostrar,

já não existe fisicamente.

(Música)

De facto, a maior parte do que fiz
nestes últimos 25 anos

já não existe.

Mas as nossas obras perduram
nas memórias, em esculturas sinápticas,

nas mentes daqueles
que estiveram presentes

na audiência.

(Música)

Li certa vez que um poema
aprendido de cor

é o que nos resta,

o que não pode ser perdido,

mesmo se a nossa casa arder
e perdermos tudo o que é nosso.

Quero terminar, com algumas linhas
que aprendi de cor há muito tempo.

Foram escritas
pelo romancista inglês E. M. Forster,

em 1910, poucos anos antes
de a Europa, o meu continente,

começar a desfazer-se.

(Música)

E a sua chamada para a convergência
ainda faz sentido

para a maior parte
do que estamos a tentar fazer agora.

"Basta unir!
Foi esse todo o sermão dela,

"Basta unir a prosa e a paixão,

"E ambas serão exaltadas,

"E o amor humano será visto à sua altura.

"Basta unir!
E em fragmentos nunca mais viver."

Obrigada.

(Aplausos e vivas)