Queste sono sequenze dell'opera "Lehman Trilogy"
che ripercorre le origini del capitalismo occidentale,
in tre ore,
con tre attori e un pianoforte.
Il mio ruolo è stato quello di creare una scenografia,
elaborare un linguaggio visivo per questa opera.
L'opera descrive le traversate dell'Atlantico,
i campi di cotone in Alabama,
gli skyline di New York,
e abbiamo incorniciato tutto in un singolo cubo girevole
una sorta di cinema cinetico che attraversa i secoli.
È quasi un unico strumento musicale, suonato da tre performer.
E mentre, dentro e fuori il cubo, scorrono le vite dei fratelli Lehman,
noi, pubblico in sala,
iniziamo a connetterci alle origini semplici, umane
alla radice dei complessi sistemi finanziari globali
da cui oggi tutti noi dipendiamo.
Io stessa, da giovane, suonavo degli strumenti musicali.
Il mio preferito era il violino.
Quell'intimo scambio di energia.
Reggevi questa scultura organica accanto al cuore,
riversavi l'energia di tutto il tuo corpo in quel piccolo pezzo di legno,
e la ascoltavi tradotta in musica.
Non sono mai stata particolarmente brava a suonare il violino,
ma mi sedevo in fondo alla sezione del secondo violino
nella Hastings Youth Orchestra,
sfregando.
Tutti quanti sfregavamo,
meravigliandoci del suono sinfonico che stavamo creando,
che era enormemente più bello e potente
di qualsiasi cosa che avremmo potuto fare da soli.
E ora che creo performance mastodontiche,
lavoro sempre con team
grandi almeno quanto un'orchestra sinfonica.
E sia che stiamo creando
questi giganteschi tunnel del tempo ispirati agli scacchi,
per un'opera di Richard Wagner,
o gabbie per gli squali e montagne per Kanye West,
cerchiamo sempre di creare la scultura più articolata,
lo strumento di comunicazione più poetico per il pubblico.
Quando dico poetico,
intendo il linguaggio nella sua forma più densa
come il testo di una canzone,
un puzzle poetico da sbloccare e spacchettare.
Mentre ci stavamo preparando a progettare il tour "Formation" di Beyoncé
abbiamo esaminato tutti i suoi testi
e abbiamo trovato questa poesia scritta da Beyoncé.
"Ho visto un predicatore in TV,
un giorno che ero spaventata dagli incubi, a quattro o cinque anni,
che prometteva di dire una preghiera se avessi messo la mano sulla TV.
Fu il mio primo ricordo di una preghiera, la corrente che mi attraversava."
Questa TV che ha trasmesso una preghiera a Beyoncé quando era bambina
diventò questa scultura monolitica in movimento
che trasmetteva Beyoncé fino al fondo dello stadio.
E lo stadio è una congregazione di massa.
È una popolazione temporanea di centomila persone
tutte arrivate lì per cantare ogni parola insieme.
Ma sono anche arrivate, tutte, per cercare un'intimità reciproca
con la performer.
E noi, mentre ideavamo lo show, dovevamo conservare l'intimità
su larga scala.
Di norma, si inizia con degli schizzi.
Stavo abbozzando questo ritratto dell'artista, alto 18 metri, mobile,
pronto per la trasmissione,
e poi ho strappato a metà il pezzo di carta.
Ho diviso la maschera
nel tentativo di accedere all'umanità sottostante.
Fare uno schizzo è una cosa, ma tradurre uno schizzo
in un edificio a sei piani girevole e trasportabile in tour
ha richiesto che ingegneri eccezionali lavorassero senza sosta per tre mesi
fino a quando finalmente siamo arrivati a Miami
e abbiamo aperto lo show ad aprile 2016.
(Video: Esclamazioni)
(Musica)
Chiamo il mio lavoro -
(Applausi)
Grazie.
(Applausi)
Chiamo il mio lavoro "scultura di scena".
Ma ad essere scolpita, in realtà, è l'esperienza del pubblico.
E come direttori e designer,
siamo responsabili di ogni minuto che il pubblico passa insieme a noi.
Siamo un po' come dei piloti
che percorrono una rotta aerea per centomila passeggeri.
Nel caso dell'artista canadese The Weeknd,
abbiamo tradotto "letteralmente" questa rotta aerea
in un origami di carta a forma di aeroplano
che è decollato sopra le teste degli spettatori,
si è distrutto in volo per delle complicazioni,
e poi si è ricomposto dai suoi relitti
alla fine dello spettacolo.
Come per ogni volo,
la parte più delicata è il decollo, l'inizio,
perché quando disegni un concerto pop
la materia prima con cui lavori
è un qualcosa che un camion, o una squadra, non possono trasportare.
E non costa nulla.
Ma riempie ogni atomo di aria, prima che lo show inizi.
È l'aspettativa del pubblico.
Tutti portano con sé la storia di come sono arrivati lì,
le distanze viaggiate,
i mesi di lavoro per pagare i biglietti.
A volte dormono la notte fuori dall'arena,
e il nostro primo compito è ripagare le aspettative del pubblico,
dar loro un memorabile primo contatto con l'artista.
Qiuando lavoro con gli uomini,
loro sono felici di vedere la propria musica trasformata in metafora:
viaggi spaziali, montagne.
Ma con le donne, lavoriamo con maschere e ritratti tridimensionali,
perché i fan dell'artista donna bramano il suo viso.
Quando il pubblico è arrivato al primo concerto di Adele in cinque anni,
è stato accolto da questa immagine dei suoi occhi addormentati.
Se ascoltavano attentamente,
sentivano il suo respiro addormentato echeggiare all'interno dell'arena,
in attesa di svegliarsi.
Ecco l'inizio dello show.
(Video: Applausi)
(Musica)
Adele: Ciao a tutti!
(Applausi)
Con gli U2 abbiamo guidato gli spettatori
su un terreno che attraversa tre decadi di politica, poesia e musica.
Per mesi, quando incontravamo la band e i team creativi,
la bozza ricorrente era questa:
questa linea, questa strada,
la strada che connette il passato della band col presente,
la linea sottile su cui camminano come attivisti e artisti,
una passeggiata nel cinema
che consente alla band di diventare protagonista
della propria poesia.
(Musica)
La fine dello spettacolo è un po' come la fine di un volo.
È un arrivo.
È un transfer dal palco al pubblico.
Per la band britannica Take That,
abbiamo chiuso lo show mandando una figura umana meccanica di 24 metri
fino al centro della folla.
(Musica)
Come in molte traduzioni dalla musica alla meccanica,
questa cosa inizialmente fu ritenuta tecnicamente impossibile.
Fu rifiutata dai primi tre ingegneri a cui la proponemmo,
e alla fine ci riuscimmo
mantenendo l'intero sistema di controllo dentro un blocco unico
mentre andava in tour per il paese.
L'abbiamo dovuto richiudere dentro un autocarro a pianale,
per trasportarlo senza smontarlo.
Di conseguenza, le dimensioni della testa
sono state condizionate
dal ponte più basso sotto cui sarebbe dovuto passare.
E a quanto pare, devo dirvelo,
c'è un ponte inaggirabile, e fastidiosamente basso,
alle porte di Amburgo.
(Risate)
(Musica)
Un altro spettacolo, tra i più complessi tecnicamente, al quale abbiamo lavorato,
è l'opera "Carmen"
al Festival di Bregenz in Austria.
Immaginammo le mani di Carmen uscire dal Lago di Costanza
e gettare all'aria questo mazzo di carte,
lasciandole sospese tra cielo e mare.
Ma questo gesto effimero, questo scatto dei polsi
doveva diventare una struttura abbastanza forte
da sopravvivere a due inverni austriaci.
Dietro questa fotografia c'è una grandissima parte invisibile,
che svolge il vero lavoro.
Si tratta di tanta zavorra e struttura e supporto intorno alla parte posteriore
e vi farò vedere le foto che non sono sul mio sito.
Queste sono le foto del retro del set,
la parte che si prevede di non far vedere al pubblico,
malgrado il suo grande contributo.
E questo è il vero dilemma
di un artista che lavora come stage designer:
molto di quello che faccio è finto, è un'illusione.
Eppure, ogni artista lavora allo scopo di comunicare qualcosa che è vero.
Ma noi ci chiediamo di continuo:
"È possibile, con cose finte, comunicare la verità?"
Ora, quando vado agli spettacoli ai quali ho lavorato
spesso scopro di essere l'unica che non guarda il palco.
Guardo qualcosa che per me è altrettanto affascinante,
che è il pubblico.
(Esclamazioni)
In quale altro posto si vede questo?
(Esclamazioni)
Così tante persone connesse, concentrate, coese?
Ultimamente ho iniziato a fare cose che iniziano da qui,
dalla voce collettiva del pubblico.
"Poem Portraits" è una poesia collettiva.
È iniziata a Londra nella Serpentine Gallery
e tutti sono invitati a donare una parola a una poesia collettiva.
Invece di quel grande, singolo ritratto a LED
che veniva trasmesso fino alla fine dello stadio,
in questo caso ogni membro del pubblico
può portare il proprio ritratto via con sé
ed è intrecciato alle parole
con le quali hanno contribuito alla poesia collettiva.
E tengono così un frammento
di un lavoro collettivo in continua evoluzione.
L'anno prossimo, la poesia collettiva avrà una forma architettonica.
Questo sarà il padiglione del Regno Unito all'Esposizione Mondiale del 2020.
Il Regno Unito...
in tutta la mia vita, non è mai sembrato così diviso.
Non è mai apparso così rumoroso, con voci così divergenti.
E non è mai sembrato così bisognoso di luoghi
dove connettere e convergere queste voci.
La mia speranza è che questa scultura di legno,
questo strumento di legno, un po' come il violino che suonavo,
possa essere un posto dove le persone potranno giocare ed inserire una parola
a una estremità del cono,
uscire dall'altra parte della struttura
e scoprire che la loro parola ha raggiunto una poesia collettiva, una voce collettiva
(Musica)
Questi sono semplici esperimenti di machine learning.
La poesia collettiva è generata da un algoritmo abbastanza semplice.
È un po' come il testo predittivo,
solo che attinge da milioni di parole
scritte da poeti del diciannovesimo secolo.
Quindi è una sorta di convergenza tra intelligenza passata e presente,
organica e inorganica.
Ci siamo fatti ispirare, in questo, dalle parole di Stephen Hawking.
Verso la fine della sua vita, si è fatto una semplice domanda:
se noi, come specie, incontrassimo mai un'altra forma di vita avanzata,
una civiltà avanzata,
come parleremmo loro?
Quale linguaggio collettivo parleremmo, come pianeta?
Il linguaggio della luce raggiunge qualsiasi audience.
Tutti ne siamo toccati. E nessuno può trattenerlo.
A teatro, iniziamo ogni lavoro al buio, in uno spazio senza luce.
Stiamo svegli tutta la notte, calibrando le luci, programmandole,
cercando nuovi modi di scolpirle e intagliarle.
(Musica)
Questo è il ritratto del nostro lavoro,
in cui cerchiamo sempre nuovi modi di formare e riformare la luce,
cerchiamo parole per cose che non dobbiamo più dire.
E voglio dire che questo,
e tutto ciò che vi ho appena mostrato,
non esiste più in una forma fisica.
(Musica)
La maggior parte delle opere che ho creato in 25 anni
non esistono più.
Ma il nostro lavoro vive nei ricordi, in sculture sinaptiche,
nella mente di chi è stato, almeno una volta, tra il pubblico.
(Musica)
Una volta ho letto che una poesia imparata a memoria
è ciò che ti rimane,
un qualcosa che non può andare perduto,
anche se un incendio ti distrugge la casa e perdi tutti i tuoi averi.
Voglio concludere con alcuni versi che ho imparato a memoria molto tempo fa.
(Musica)
Sono stati scritti dall'autore inglese E. M. Forster,
nel 1910, appena qualche anno prima che l'Europa, il mio continente,
(Musica)
iniziasse a lacerarsi.
(Musica)
E ancora oggi risuona il suo appello alla convergenza
nella maggior parte di ciò che proviamo a fare ora.
(Musica)
"Nient'altro che connettere! Ecco la sostanza del suo sermone.
Nient'altro che connettere la prosa con la passione,
allora entrambe ne saranno esaltate
e l'amore umano apparirà al suo culmine.
Nient'altro che connettere! E non vivere più in frammenti."
Grazie.
(Applausi)