Dies sind Ausschnitte aus dem Stück "The Lehman Trilogy",
in dem den Ursprüngen des Kapitalismus nachgegangen wird.
Drei Stunden lang,
mit drei Schauspielern und einem Klavier.
Ich sollte ein Bühnenbild kreieren,
das das Werk in visuelle Sprache umsetzt.
Das Stück beschreibt Atlantik-Überquerungen,
Baumwollfelder in Alabama,
die Skyline von New York
und wir packten alles in einen drehenden Kubus,
eine Art kinetisches Kino, das mehrere Jahrhunderte umfasst.
Es ist wie ein Musikinstrument,
das von drei Künstlern gespielt wird.
Während sie durch das Leben der Lehmans
vagabundieren und wandern,
verbindet sich das Publikum nach und nach
mit dem trivialen menschlichen Ursprung
an der Wurzel dieses komplexen, globalen Finanzsystems,
das uns immer noch gefangen hält.
In meiner Jugend spielte ich verschiedene Instrumente.
Mein Lieblingsinstrument war die Geige.
Mich fasziniert diese hautnahe Übertragung von Schwingungen.
Man hält diese aus organischem Material geformte Skulptur ans Herz
und steckt seine gesamte Energie
in dieses kleine Stück Holz und hört, wie sie zu Musik wird.
Ich war keine besonders gute Geigenspielerin,
aber ich war Mitglied im Jugendorchester von Hastings
und strich hinten bei den zweiten Geigen
mit meinem Bogen über die Saiten.
Wir alle fiedelten und fiedelten
und staunten über die symphonischen Klänge, die wir erzeugten
und die so viel herrlicher und mächtiger waren
als alles, was jeder Einzelne von uns hätte erschaffen können.
Meine künstlerische Arbeit hat jetzt einen viel größeren Rahmen.
Ich arbeite immer mit Teams,
die mindestens so viele Mitglieder haben wie ein Symphonie-Orchester.
Aber egal, was wir entwerfen --
gigantische Zeittunnel mit Schachfiguren
für eine Oper von Richard Wagner
oder Haifischbecken und Berge für Kanye West --
wir versuchen immer,
die ausdrucksstärkste Form, das poetischste Medium
für die Kommunikation mit dem Publikum zu kreieren.
Wenn ich "poetisch" sage,
meine ich damit auf das Wesentliche komprimierte Sprache
wie der Text eines Liedes, wie ein Puzzle aus Poesie,
das dechiffriert und entpackt werden will.
Als wir für Beyoncés Tour "Formation" engagiert wurden,
sahen wir uns zunächst die Texte an.
Dabei stießen wir auf ein Gedicht von Beyoncé:
Mit vier oder fünf und vielen Alpträumen sah ich einen Priester im Fernsehen,
der versprach, für mich zu beten, wenn ich die Hand auf den Bildschirm lege.
Das war mein erstes Gebet und ein Strom durchfuhr meinen Körper.
Dieser Fernseher, der der kleinen Beyoncé die Kraft eines Gebets vermittelte,
wurde zu einer monumentalen, sich drehenden Bühnenskulptur,
die Beyoncé bis in die hinterste Ecke des Stadions katapultierte.
Das Stadion war wie eine riesige Fan-Gemeinde.
Hunderttausende waren für kurze Zeit zusammengekommen,
um gemeinsam zu singen, Wort für Wort.
Sie waren aber auch gekommen,
um dem Star ganz nah zu sein.
So, wie wir die Show verstanden, galt es, Intimität zu ermöglichen,
über eine große Distanz hinweg.
Normalerweise beginnen wir mit Skizzen.
Ich entwarf ein knapp 20 m hohes,
bühnentaugliches Portrait des Stars, das sich fortwährend drehte.
Dann riss ich das Papier in zwei Hälften.
Ich zerriss die Maske,
um an den Menschen hinter all dem zu gelangen.
Skizzen sind die eine Sache, aber für die Umsetzung der Skizze
in ein transportfähiges, sich drehendes, sechsstöckiges Gebilde
waren viele Experten nötig, die 3 Monate rund um die Uhr beschäftigt waren,
bis wir schließlich in Miami ankamen
und die Show im April 2016 eröffneten.
(Video: Jubel)
(Musik: "Formation", Beyoncé)
Beyoncé: Ihr hasserfüllten Idioten mit Eurem Illuminati-Unsinn
Paparazzi, erwischt mich doch in meinem verstörenden Ungestüm
Ich bin so unbekümmert in meinem Givenchy-Kleid
Ich bin so besitzergreifend, dass ich seine Kette von R.o.C. trage.
Daddy Alabama
Mama Louisiana
Man mischt Afrika mit Karibik
Ergibt eine texanische Göre
(Musik endet)
Ich nenne meine Werke ...
(Jubel, Applaus)
Danke!
(Jubel, Applaus)
Ich bezeichne meine Arbeiten als Bühnenskulpturen,
aber was eigentlich geschaffen wird, ist das Erlebnis für das Publikum.
Als Produzenten und Designer
tragen wir die Verantwortung für jede Minute,
die das Publikum mit uns verbringt.
Wir sind ein wenig wie Piloten,
die Hundertausende von Passagieren durch einen Flug führen.
Bei dem kanadischen Künstler The Weeknd
setzten wir die Flugmetapher ganz konkret
in ein gefaltetes Origami-Flugzeug um,
das über den Köpfen der Zuschauer dahinsegelte,
mitten im Flug auseinanderbrach und abzustürzen schien,
dann aber am Ende der Show
aus den Trümmern heil emporstieg.
Wie bei jedem Flug
ist der gefährlichste Moment der Start.
Wenn wir für ein Pop-Konzert Skulpturen entwerfen,
erfordert das Ausgangsmaterial, mit dem wir arbeiten,
keine Lastwagen und Bühnenarbeiter, die alles transportieren.
Es kostet nichts
und ist doch vor der Show in jedem Teilchen der Luft präsent:
Es sind die Erwartungen der Zuschauer.
Jeder Einzelne bringt eine Geschichte mit: Wie er hergekommen ist,
welche Strecken zurückgelegt wurden,
wie lange für das Ticket gearbeitet werden musste.
Manchmal campieren Zuschauer schon vor der Show am Veranstaltungsort.
Unsere erste Aufgabe ist es, diese Erwartungshaltung zu erfüllen,
gleich beim ersten Anblick des Künstlers.
Wenn ich mit Männern zusammenarbeite,
sind sie zufrieden, wenn es gelingt, ihre Musik in eine Metapher umzusetzen.
So etwas wie Raumschiffe oder Berge.
Bei Frauen arbeiten wir viel mit Masken und dreidimensionalen Porträts,
da sich die Fans eines weiblichen Stars
nach dem Gesicht der Künstlerin sehnen.
Als die Fans zu Adeles 1. Konzert nach 5 Jahren hereinströmten,
sahen sie Adeles Augen, im Schlaf geschlossen.
Wenn sie genau hinhörten,
konnten sie den gleichmäßigen Atem der schlafenden Adele hören,
die gleich erwachen würde.
So begann die Show:
(Video: Jubel, Applaus)
(Musik)
Adele: Hallo.
(Jubel, Applaus)
Es Devlin: Bei U2 haben wir das Publikum
durch ein Terrain geführt, das 3 Dekaden Politik, Liedtexte und Musik umfasst.
Bei den vielen Treffen mit der Band und ihren Kreativ-Teams,
entstand im Laufe der Monate das folgende Muster:
Eine Spur, eine Straße.
Eine Straße, die die Vergangenheit der Band mit der Gegenwart verbindet,
das Seil, auf dem sie als Aktivisten und Künstler balancieren,
ein Weg durch einen Kinofilm,
der es der Band ermöglicht, zu den Hauptdarstellern
in ihren eigenen Texten zu werden.
(Musik: U2's "Where the Streets Have No Name")
Bono: Ich will weg,
will mich verstecken,
will die Mauern niederreißen,
die mich einsperren ...
Es Devlin: Das Ende der Show ist wie die Landung nach einem Flug.
Es ist eine Ankunft.
Es ist ein Übergang von der Bühne zum Publikum.
Bei der britischen Band Take That
endet die Show mit einer 25 m hohen mechanischen Figur,
die mitten hinein
in die Zuschauermenge geschickt wird.
(Musik)
Wie bei vielen Umsetzungen von Musik in Mechanik
schien auch diese zunächst technisch unmöglich zu sein.
Die ersten Techniker, die wir engagieren wollten, lehnten ab.
Am Ende gelang es,
indem die gesamte Steuerung nie auseinandergenommen wurde,
auch nicht auf unseren Überlandfahrten.
Wir mussten die Figur auf einem Tieflader falten,
damit sie als Ganzes mitgenommen werden konnte.
Das bedeutete natürlich, dass die Größe des Kopfes
durch die Höhe der niedrigsten Brücke bestimmt wurde,
unter der wir auf unserer Tour herfahren mussten.
Und ich kann Ihnen sagen,
dass es dummerweise kurz vor Hamburg
eine furchtbar niedrige Brücke gibt,
die wir nicht umfahren konnten.
(Gelächter)
(Musik)
Technisch besonders komplex
war auch die Oper "Carmen"
bei den Bregenzer Festspielen in Österreich.
Carmens Hand sollte aus dem Bodensee emporsteigen
und Spielkarten in die Luft werfen,
die dann über dem See am Himmel schweben sollten.
Diese flüchtige Geste, diese Drehung im Handgelenk,
musste mit einer Mechanik umgesetzt werden, die stabil genug
für zwei österreichische Winter war.
Es gibt also immer eine Menge Arbeit,
die auf dem Photo nicht zu sehen ist.
Hinter den Kulissen gibt es viel Ballast, Technik und Unterstützung.
Ich zeige Ihnen jetzt Photos, die Sie auf meiner Website nicht finden.
Photos hinter den Kulissen,
dem Teil, den das Publikum nicht zu sehen bekommt,
so wichtig er auch ist.
Es ist wirklich ein Dilemma für uns Künstler,
die wir als Bühnenbildner arbeiten:
Vieles von dem, was ich mache,
ist eine Illusion.
Und doch arbeitet jeder Künstler daran, etwas Wahres herüberzubringen.
Wir fragen uns deshalb immer:
Können wir Wahrheit mit "falschen" Elementen vermitteln?
Wenn ich mir jetzt die Shows ansehe, an denen ich gearbeitet habe,
bin ich oft die Einzige, die nicht auf die Bühne blickt.
Mich interessiert etwas, das ich ebenso faszinierend finde,
und das ist das Publikum.
(Jubel)
Wo sonst kann man das beobachten:
(Jubel)
Diese vielen Menschen, miteinander verbunden, fokussiert,
konzentriert und wie ein großes, gemeinsames Ganzes?
In den letzten Jahren habe ich begonnen, hier anzusetzen:
an der kollektiven Stimme des Publikums.
"Poem Portraits" ist ein gemeinsames Gedicht.
Es begann in der Serpentine Gallery in London.
Jeder konnte ein Wort zu einem gemeinsamen Gedicht beisteuern.
Anstelle eines einzelnen großen LED-Portraits,
das im ganzen Stadion zu sehen war,
können in diesem Fall alle Zuschauer im Publikum
ihr eigenes Porträt mit nach Hause nehmen.
Es ist mit den Worten verflochten,
die sie zum gemeinsamen Gedicht beigesteuert haben.
Sie nehmen also ein Fragment eines dynamischen Gemeinschaftswerks mit.
Nächstes Jahr wird das gemeinsame Gedicht architektonisch umgesetzt.
Das hier ist der Entwurf für den britischen Pavillon auf der Expo 2020.
Großbritannien habe ich in meinem ganzen Leben
noch nie so gespalten erlebt.
Es gab noch nie so viele konträre Meinungen.
Und es gab noch nie so viel Bedarf für Orte,
an denen Menschen zusammenkommen und miteinander in Verbindung treten können.
Ich hoffe, dass diese Skulptur aus organischem Material,
dieses Instrument aus Holz, wie die Geige in meiner Jugend,
zu einem Ort wird, in dem Menschen etwas erschaffen und ihr Worte
an dem einen Ende des Kegels eingeben
und beim Verlassen des Gebildes am anderen Ende feststellen,
dass ihr Wort zu einem Gedicht aller, zu einer kollektiven Stimme geworden ist.
(Musik)
Dies hier sind einfache Experimente mit maschinellem Lernen.
Der Algorithmus, der das kollektive Gedicht erzeugt, ist sehr simpel.
Es ist wie eine Eingabevervollständigung,
wurde jedoch mit Millionen von Wörtern aus Gedichten des 19. Jahrhunderts trainiert.
Es stellt eine Verschmelzung von Wissen, von Vergangenheit und Gegenwart dar,
von Organischem und Ideellem.
Wir wurden dabei von Stephen Hawking inspiriert.
Am Ende seines Lebens stellte er eine einfache Frage:
Wenn wir als Spezies jemals einer anderen Lebensform begegnen,
einer hochstehenden Zivilisation,
wie würden wir mit ihnen kommunizieren?
Welche kollektive Sprache würden wir als Planet anwenden?
Die Sprache des Lichts erreicht jedes Publikum.
Licht berührt uns alle. Niemand kann es festhalten.
Im Theater beginnen wir immer in der Dunkelheit, ganz ohne Licht.
Wir arbeiten die Nächte hindurch,
um das Licht zu fokussieren, zu programmieren,
neue Wege zum Formen und Gestalten des Lichts zu finden.
(Musik)
Hier sehen Sie ein Abbild unseres Alltags,
immer auf der Suche nach neuen Wegen, das Licht zu formen und umzuformen.
auf der Suche nach Worten für Dinge, die wir nicht mehr aussprechen müssen.
Jetzt ist noch zu erwähnen, dass dies
und all das, was ich Ihnen gezeigt habe,
physisch nicht mehr vorhanden ist.
(Musik)
Das Meiste von dem, was ich in den letzten 25 Jahren erschaffen habe,
ist nicht mehr da.
Unsere Arbeit lebt jedoch in Erinnerungen, in synaptischen Skulpturen
in den Köpfen derer,
die damals zum Publikum gehörten.
(Musik)
Ich habe einmal gehört, dass ein Gedicht, das man auswendig lernt,
etwas ist, das einem bleibt,
das nie verloren gehen kann,
auch wenn das Haus niederbrennt und man all sein Hab und Gut verliert.
Ich möchte mit einem Gedicht enden, das ich vor langer Zeit gelernt habe.
(Musik)
Es ist ein englisches Gedicht von E. M. Forster
aus dem Jahr 1910, kurz bevor Europa, mein Kontinent,
(Musik)
auseinanderzufallen begann.
(Musik)
Und dieser Ruf nach Nähe hallt immer noch nach,
durch all das hindurch, an dem wir uns zurzeit versuchen.
(Musik)
"Sorgt für Verbindung. Das war alles, was sie forderte,
Verbindet Prosa mit Leidenschaft
und beides wird erhöht.
Und die Liebe der Menschen wird ihre Vollendung finden.
Sorgt für Verbindung! Und hört auf, in Fragmenten zu leben."
Vielen Dank!
(Applaus)