Gripped with vengeful passion,
The Queen of the Night tears across the stage.
She begins to sing her titular aria,
one of the most famous sections from Mozart’s beloved opera,
"The Magic Flute."
The orchestra fills the hall with music,
but the queen’s voice soars above the instruments.
Its melody rings out across thousands of patrons,
reaching seats 40 meters away—
all without any assistance from a microphone.
How is it possible that this single voice can be heard so clearly,
above the strains of dozens of instruments?
The answer lies in the physics of the human voice,
and the carefully honed technique of an expert opera singer.
All the music in this opera house originates from the vibrations
created by instruments—
whether it’s the strings of a violin or the vocal folds of a performer.
These vibrations send waves into the air, which our brains interpret as sound.
The frequency of these vibrations––
specifically, the number of waves per second––
is how our brains determine the pitch of a single note.
But in fact, every note we hear
is actually a combination of multiple vibrations.
Imagine a guitar string vibrating at its lowest frequency.
This is called the fundamental,
and this low pitch is what our ears mostly use to identify a note.
But this lowest vibration triggers additional frequencies called overtones,
which layer on top of the fundamental.
These overtones break down into specific frequencies
called harmonics, or partials—
and manipulating them is how opera singers work their magic.
Every note has a set of frequencies that comprise its harmonic series.
The first partial vibrates at twice the frequency of the fundamental.
The next partial is three times the fundamental’s frequency, and so on.
Virtually all acoustic instruments produce harmonic series,
but each instrument’s shape and material changes the balance of its harmonics.
For example, a flute emphasizes the first few partials,
but in a clarinet’s lowest register,
the odd-numbered partials resonate most strongly.
The strength of various partials
is part of what gives each instrument its unique sonic signature.
It also affects an instrument’s ability to stand out in a crowd,
because our ears are more strongly attuned to some frequencies than others.
This is the key to an opera singer’s power of projection.
An operatic soprano—
the highest of the four standard voice parts—
can produce notes with fundamental frequencies
ranging from 250 to 1,500 vibrations per second.
Human ears are most sensitive to frequencies
between 2,000 and 5,000 vibrations per second.
So if the singer can bring out the partials in this range,
she can target a sensory sweet spot where she’s most likely to be heard.
Higher partials are also advantageous
because there’s less competition from the orchestra,
whose overtones are weaker at those frequencies.
The result of emphasizing these partials
is a distinctive ringing timbre called a singer’s squillo.
Opera singers work for decades to create their squillo.
They can produce higher frequencies
by modifying the shape and tension in their vocal folds and vocal tract.
And by shifting the position of their tongues and lips,
they accentuate some overtones while dampening others.
Singers also increase their range of partials with vibrato—
a musical effect in which a note slightly oscillates in pitch.
This creates a fuller sound that rings out
over the instruments’ comparatively narrow vibratos.
Once they have the right partials,
they employ other techniques to boost their volume.
Singers expand their lung capacity and perfect their posture
for consistent, controlled airflow.
The concert hall helps as well,
with rigid surfaces that reflect sound waves towards the audience.
All singers take advantage of these techniques,
but different vocal signatures demand different physical preparation.
A Wagnerian singer needs to build up stamina
to power through the composer’s four-hour epics.
While bel canto singers require versatile vocal folds
to vault through acrobatic arias.
Biology also sets some limits—
not every technique is feasible for every set of muscles,
and voices change as singers age.
But whether in an opera hall or a shower stall,
these techniques can turn un-amplified voices
into thundering musical masterpieces.
بعاطفة انتقامية تملأ قلبها
تعدو ملكة الليل عبر رُكح المسرح.
تبدأ بغناء الآريا المميزة الخاصة بها
وهي أحد أشهر المقاطع من أوبرا موزارت المحبوبة،
"الناي السحري"
تملأ الأوركسترا القاعة بالموسيقى،
ولكن صوت الملكة يعلو فوق الآلات الموسيقية.
ولحنها يصدح ليصل مسامع آلاف المتفرجين،
ويصل لمقاعد تبعد 40 مترًا.
كل ذلك دون أي مساعدة من الميكروفون.
كيف يعقل أن يُسمع هذا الصوت الوحيد بشكل واضح،
متجاوزًا صوت أوتار العشرات من الآلات الموسيقية؟
يكمن الجواب في فيزياء الصوت البشري،
والتقنية المشحوذة بعناية لمغني الأوبرا الخبراء.
تنشأ كل الموسيقى في دار الأوبرا هذه من الاهتزازات
التي تنتجها الآلات الموسيقية.
سواء كانت من أوتار الكمان أو الحبال الصوتية للمؤدي.
ترسل هذه الاهتزازات موجات في الهواء، والتي تفسرها أدمغتنا على أنها صوت.
تردد هذه الاهتزازات
وخصوصًا عدد الموجات في الثانية
هي ما يُمَكن أدمغتنا من تحديد حدة درجة موسيقية واحدة.
ولكن في الواقع، كل درجة موسيقية نسمعها
هي في الواقع مزيج من اهتزازات متعددة.
تخيل وتر غيتار يهتز عند أدنى تردداته.
وهو ما يسمى بالتردد الأساسي،
وهذه الحدة المنخفضة هي ما تستخدمه آذاننا في الغالب لتحديد درجة موسيقية.
ولكن هذا الاهتزاز الأدنى يطلق ترددات إضافية تسمى بالنغمات التوافقية
وهي طبقة تعلو التردد الأساسي.
تنقسم هذه النغمات التوافقية إلى ترددات محددة
تدعى بالتوافقيات، أو الجزئيات
ويمَكَِن التلاعب بها مغني الأوبرا من عرض مهاراتهم السحرية.
كل درجة لديها مجموعة من الترددات التي تشكل سلسلتها التوافقية.
يهتز الجزئي الأول بضعف وتيرة التردد الأساسي.
والجزئي التالي بثلاث أضعاف التردد الأساسي، وهلم جرًا.
تنتج جميع الأجهزة الصوتية تقريبًا سلاسل توافقية،
ولكن شكل ومواد كل آلة يغير ميزان توافقياتها.
على سبيل المثال، تضخم الفلوت الجزئيات القليلة الأولى،
ولكن الكلارينيت تضخم أدنى الجزئيات،
وصدى الجزئيات الفردية هو الأشد.
قوة الجزئيات المختلفة
هو جزء مما يعطي كل آلة توقيعها الصوتي الفريد.
كما أنه يؤثر على قدرة أداة لتبرز في حشد من الآلات،
لأن آذاننا مضبوطة بشكل أكبر لالتقاط بعض الترددات دون غيرها.
وهذا هو سر قوة صوت مغنية الأوبرا.
مغنية الأوبرا السوبرانو
وهي أعلى الطبقات الصوتية القياسية
يمكن أن تنتج درجة صوتية ذات ترددات أساسية
تتراوح ما بين 250 إلى 1500 اهتزاز في الثانية.
آذان الإنسان حساسة أكثر للترددات المتراوحة
بين 2000 و5000 اهتزاز في الثانية الواحدة.
فإذا أرادت المغنية إبراز الجزئيات في هذا النطاق،
يمكنها استهداف النقطة الأكثر استجابة لغنائها.
الجزئيات العالية مفيدة أيضًا
لأن المنافسة عليها أقل من طرف الأوركسترا،
التي تكون نغماتها التوافقية أضعف في تلك الترددات.
ينتج عن التركيز على هذه الجزئيات
صوت مميز يشبه رنين الجرس يدعى سكويلو المغني.
يتدرب مغنو الأوبرا لعقود لإنشاء السكويلو الخاص بهم.
يمكنهم إنتاج ترددات أعلى
عن طريق تعديل شكل وشدة حبالهم وجهازهم الصوتيين.
وبتغيير وضعية ألسنتهم وشفاههم،
فهم يبرزون بعض النغمات التوافقية بينما يضعفون أخرى.
كذلك يتمكن المطربون من زيادة مداهم من الجزئيات عبر تهديج الصوت
وهو تأثير موسيقي تتذبذب فيه حدة الدرجات الموسيقية.
ما يخلق صوتًا متكاملًا يعلو
فوق هديج الآلات الموسيقية الضيق بالمقارنة.
ما إن يصلوا للجزئي الصحيح،
حتى يوظفوا تقنيات أخرى لزيادة حجم صوتهم.
يزيد المطربون من قدرة رئتهم ويصقلون وضعية وقوفهم
للحصول غلى تدفق هواء متسق ومحكم.
تساعد قاعة الحفل كذلك،
بأسطحها الصلبة التي تعكس الموجات الصوتية نحو الجمهور.
يستفيد جميع المطربين من هذه التقنيات،
ولكن التوقيعات الصوتية المختلفة تتطلب إعدادات بدنية مختلفة.
يحتاج المغني الفاغنري إلى بناء القدرة على التحمل
لغناء ملحمة (ريتشارد فاغنر) الممتدة لأربع ساعات.
في حين أن مطربي (بيل كانتو) يحتاجون تنوعًا في حبالهم الصوتية
ليغنوا الألحان البهلوانية بليونة.
كما ترسم البيولوجيا بعض الحدود
ليست كل التقنيات ممكنة لكل العضلات،
وأصوات المطربين تتغير بتقدمهم في العمر.
ولكن سواء كان ذلك في قاعة الأوبرا أو في مكان الاستحمام،
يمكن لهده التقنيات أن تحول الصوت الخافت
لصوت موسيقي هادر.
Φορτισμένη με εκδικητικό πάθος,
η Βασίλισσα της Νύχτας ορμά κατά μήκος της σκηνής.
Ξεκινά να ερμηνεύει την τιμήτική της άρια,
ένα από τα πιο σημαντικά μέρη της αγαπημένης όπερας του Μότσαρτ,
«Ο Μαγικός Αυλός».
Η ορχήστρα γεμίζει την αίθουσα με μουσική,
όμως η φωνή της βασίλισσας ξεπερνά αυτή των οργάνων.
Η μελωδία της αντηχεί στους χιλιάδες θεατές,
φτάνοντας θέσεις 40 μέτρα μακριά -
και όλα αυτά χωρίς τη βοήθεια μικροφώνου.
Πώς είναι δυνατόν μία και μόνο φωνή να ακούγεται τόσο καθαρά,
πάνω από τους ήχους δεκάδων οργάνων;
Η απάντηση κρύβεται στους μηχανισμούς της ανθρώπινης φωνής,
και στην προσεκτικά δουλεμένη τεχνική ενός έμπειρου λυρικού τραγουδιστή.
Όλη η μουσική σε αυτή την όπερα προέρχεται από τις δονήσεις
που δημιουργούν τα όργανα -
είτε είναι οι χορδές ενός βιολιού ή οι φωνητικές χορδές ενός ερμηνευτή.
Αυτές οι δονήσεις στέλνουν κύματα στον αέρα,
που ερμηνεύονται από το εγκέφαλο μας ως ήχος.
Η συχνότητα αυτών των δονήσεων--
δηλαδή, ο αριθμός των κυμάτων ανά δευτερόλεπτο --
είναι ο τρόπος που ο εγκέφαλός μας καθορίζει τον τόνο μιας νότας.
Στην πραγματικότητα, όμως, κάθε νότα που ακούμε
είναι ένας συνδυασμός πολλαπλών δονήσεων.
Φανταστείτε μια χορδή κιθάρας που δονείται στη χαμηλότερή της συχνότητα
Αυτή είναι η θεμελιώδης συχνότητα,
και αυτόν τον χαμηλό τόνο χρησιμοποιούν τα αυτιά μας για να αναγνωρίσουν μια νότα.
Όμως αυτή η χαμηλή δόνηση προκαλεί κι άλλες συχνότητες, που λέγονται αρμονικές,
που βρίσκονται πάνω από τη θεμελιώδη συχνότητα.
Αυτή αποτελείται από συγκεκριμένες συχνότητες
που λέγονται αρμονικές
και οι λυρικοί τραγουδιστές τις χειρίζονται για να κάνουν τα μαγικά τους.
Κάθε νότα έχει έναν αριθμό συχνοτήτων που αποτελεί την αρμονική του σειρά.
Η πρώτη αρμονική δονείται δύο φορές της συχνότητας του θεμελιώδους.
Η επόμενο δονείται τρεις φορές της θεμελιώδους συχνότητας και ούτω καθ' εξής.
Θεωρητικά, όλα τα ακουστικά όργανα παράγουν αρμονικές σειρές,
όμως η δομή και το υλικό του κάθε οργάνου μεταβάλλει την ισορροπία των αρμονικών.
Για παράδειγμα, το φλάουτο δίνει έμφαση στις πρώτες αρμονικές
όμως στη χαμηλή έκταση του κλαρίνου,
οι περιττού αριθμού αρμονικές ηχούν πιο δυνατά.
Η δύναμη μερικών αρμονικών
είναι μέρος αυτού που προσδίδει ηχητική μοναδικότητα σε κάθε όργανο.
Επηρεάζει, ωστόσο, και την ικανότητα του οργάνου να ξεχωρίζει στο πλήθος,
επειδή τα αυτιά μας κουρδίζονται καλύτερα σε μερικές συχνότητες έναντι άλλων.
Αυτό είναι το μυστικό της φωνητικής δυναμικότητας ενός λυρικού τραγουδιστή.
Μια οπερατική σοπράνο -
η υψηλότερη εκ των τεσσάρων φωνών -
μπορεί να παράξει νότες βασικών συχνοτήτων
με έκταση από 250 έως 1.500 δονήσεις το δευτερόλεπτο.
Το ανθρώπινο αυτί είναι περισσότερο ευαίσθητο σε συχνότητες
μεταξύ 2.000 και 5.000 δονήσεων το δευτερόλεπτο.
Έτσι αν η ερμηνεύτρια μπορεί να εκτελέσει τις αρμονικές σ' αυτή την έκταση,
τότε μπορεί να βρει ένα ακουστικά εύηχο ύψος όπου είναι πιθανό να ακούγεται.
Οι υψηλές αρμονικές συμφέρουν
καθώς εκεί υπάρχει λιγότερος ανταγωνισμός από την ορχήστρα,
που το ηχόχρωμα της είναι ασθενέστερο σε εκείνες τις συχνότητες.
Η έμφαση σ' αυτές τις αρμονικές
είναι ένα χαρακτηριστικό κουδουνιστό ηχόχρωμα
που λέγεται το σκουίλο του τραγουδιστή.
Οι τραγουδιστές όπερας εξασκούνται χρόνια για να δημιουργήσουν το σκουίλο τους.
Μπορούν να παράγουν υψηλότερες συχνότητες
τροποποιώντας το σχήμα και την ένταση στις φωνητικές χορδές και τη φωνητική οδό.
Και μεταβάλλοντας τη θέση της γλώσσας και των χειλιών τους,
τονίζουν μερικούς ήχους μετριάζοντας άλλους.
Οι τραγουδιστές, αυξάνουν, επίσης, την έκταση των αρμονικών με βιμπράτο -
ένα μουσικό εφέ στο οποίο μια νότα ταλαντεύεται ελαφρά στον ίδιο τόνο.
Αυτό δημιουργεί έναν πιο γεμάτο ήχο που ξεπερνά
τα συγκριτικά περιορισμένα βιμπράτο των οργάνων.
Έχοντας τις σωστές αρμονικές,
ακολουθούν άλλες τεχνικές για να αυξήσουν τον ήχο τους.
Οι τραγουδιστές επεκτείνουν τη χωρητικότητα των πνευμόνων
και τελειοποιούν τη στάση τους για συνεχή, ελεγχόμενη ροή αέρα.
Ο συναυλιακός χώρος, βοηθά και αυτός
με άκαμπτες επιφάνειες που αντανακλούν τα ηχητικά κύματα προς το κοινό.
Όλοι οι τραγουδιστές εκμεταλλεύονται αυτές τις τεχνικές,
όμως διαφορετικοί φωνητικοί ρυθμοί απαιτούν διαφορετική φυσική προετοιμασία.
Ένα Βαγνκερικός τραγουδιστής πρέπει να χτίσει αντοχές
για να αντέξει τα τεσσάρων ωρών επικά έργα του συνθέτη.
Ενώ οι μπελ καντο τραγουδιστές χρειάζονται ευέλικτες φωνητικές χορδές
για να τραγουδήσουν ακροβατικές άριες.
Η βιολογία με τη σειρά της θέτει μερικούς περιορισμούς -
δεν είναι όλες οι τεχνικές κατάλληλες για όλα τα είδη μυών
και οι φωνές αλλάζουν καθώς οι τραγουδιστές μεγαλώνουν.
Όμως, είτε βρίσκονται σε συναυλιακό χώρο, είτε σε καμπίνα του ντους
αυτές οι τεχνικές μπορούν να μετατρέψουν φωνές χωρίς ενίσχυση
σε εκκωφαντικά μουσικά αριστουργήματα.
Presa de una pasión vengativa,
la Reina de la Noche entra raudamente en escena.
Comienza a cantar su aria principal,
una de las partes más famosas de la reconocida obra de Mozart,
"La flauta mágica".
La orquesta colma el salón con música,
pero la voz de la reina triunfa sobre los instrumentos.
Su melodía resuena y llega a miles de espectadores,
incluso los sentados hasta 40 m de distancia,
y esto sin necesidad de usar micrófono.
¿Cómo puede una única voz oírse de forma tan nítida
por encima de decenas de instrumentos?
Encontramos la respuesta en la física de la voz humana
y en la técnica cuidadosamente refinada de un cantante de ópera profesional.
Toda la música en un teatro de ópera se origina en las vibraciones
creadas por los instrumentos,
sean las cuerdas de un violín o las cuerdas vocales de un cantante.
Estas vibraciones envían ondas al aire
que nuestro cerebro interpreta como sonido.
La frecuencia de tales vibraciones,
específicamente el número de ondas por segundo,
es la forma en que el cerebro determina la tonalidad de una nota individual.
Pero en realidad,
cada nota que escuchamos es una combinación de múltiples vibraciones.
Imagina la vibración de una cuerda de guitarra en su frecuencia más baja.
Esto se denomina "nota fundamental",
y este tono bajo es lo que más usa el oído para identificar una nota.
Pero esta vibración baja
desencadena frecuencias adicionales llamadas "sobretonos",
que están por encima de la nota fundamental.
Estos sobretonos se descomponen en frecuencias específicas
llamadas "armónicas" o "parciales",
y los cantantes de ópera producen magia al manipularlas.
Cada nota tiene un conjunto de frecuencias que componen su serie armónica.
La primera parcial vibra el doble que la fundamental.
La siguiente vibra el triple que la fundamental, y así sucesivamente.
Básicamente, todos los instrumentos acústicos producen series armónicas,
pero la forma y el material de cada instrumento
afecta el balance de sus armónicas.
Por ejemplo, una flauta enfatiza las primeras parciales.
Pero en el registro más bajo de un clarinete,
las parciales impares son las que más fuerte resuenan.
La fuerza de varias parciales
es parte de lo que da a cada instrumento su firma sonora característica.
También afecta su capacidad de sobresalir en una orquesta,
ya que nuestro oído está más afinado para detectar ciertas frecuencias.
Esto es esencial para la capacidad de proyección de un cantante de ópera.
Una soprano de ópera,
la más aguda de las cuatro voces estándares,
puede producir notas con frecuencias fundamentales
que tienen de 250 a 1500 vibraciones por segundo.
El oído humano es muy sensible a las frecuencias
de entre 2000 y 5000 vibraciones por segundo.
Por ello, si la cantante produce las parciales dentro de este rango,
puede centrarse en un punto sensorial óptimo
en el que tenga más posibilidades de ser oída.
Otra ventaja de las parciales más agudas
es que tienen poca competencia por parte de la orquesta,
cuyos sobretonos son más débiles que dichas frecuencias.
El resultado al enfatizar estas parciales
es un timbre distintivo denominado el "squillo" del cantante.
Los cantantes de ópera entrenan durante décadas para crear su squillo.
Son capaces de producir frecuencias más agudas
al modificar la forma y la tensión de sus cuerdas vocales y su tracto vocal.
Y al cambiar la posición de la lengua y los labios,
pueden acentuar algunos sobretonos mientras aminoran otros.
Los cantantes también aumentan su rango de parciales con el vibrato,
un efecto musical en el que una nota oscila apenas en tonalidad.
Esto crea un sonido más completo que sobresale
por encima del vibrato de los instrumentos más suaves.
Una vez que consiguen las parciales correctas,
los cantantes emplean otras técnicas para potenciar el volumen.
Expanden su capacidad pulmonar y optimizan su postura
para lograr una respiración constante y controlada.
La sala de conciertos también ayuda,
pues tiene superficies rígidas
que reflejan las ondas sonoras hacia la audiencia.
Todos los cantantes aprovechan estas técnicas,
pero las diferentes características vocales
requieren una diferente preparación física.
Un cantante wagneriano necesita desarrollar resistencia
para sobrellevar las epopeyas de cuatro horas del compositor.
En tanto, los cantantes del "bel canto" deben tener cuerdas vocales versátiles
para crear arias acrobáticas.
La biología también impone algunos límites:
no todas las técnicas son factibles para todos los músculos,
y las voces cambian con la edad.
Pero tanto en una sala de ópera como en la ducha,
estas técnicas pueden hacer que las voces sin micrófono
se vuelvan obras maestras musicales muy potentes.
محصور در اشتیاق انتقام‌جویی،
ملکه‌ی شب در سراسر صحنه اشک می ریزد.
او شروع به خواندن آواز نامدار آریای خود می‌کند،
یکی از مشهورترین قطعات اُپرای محبوب موزارت،
" فلوت جادویی".
ارکستر سالن را با موسیقی پر می‌کند،
اما صدای ملکه بالاتر از سازها می‌رود.
ملودی او به دور هزاران تماشاچی حلقه می‌زند،
به صندلی هایی چهل متر دورتر می‌رسد--
تماما بدون هیچ کمکی از میکروفون.
چگونه ممکن است که یک صدا به تنهایی به وضوح قابل شنیدن باشد،
بر بلندای قطعات موسیقی ده‌ها ساز؟
جواب در فیزیک صدای انسان وجود دارد،
و تکنیک‌های به‌ دقت پیاده شده از یک خواننده‌ی حرفه‌ای اُپرا.
تمام موسیقی‌های داخل خانه‌ی اُپرا از ارتعاشات نشأت می‌گیرند
که توسط آلات موسیقی ایجاد شده‌اند--
چه صدای رشته‌های یک ویولن باشد چه صدای تارهای صوتی یک بازیگر.
این ارتعاشات امواجی را به‌هوا می‌فرستند، که مغز ما به عنوان صدا تعبیر می‌کند.
فرکانس این ارتعاشات--
بطورخاص، تعداد امواج در هر ثانیه--
چگونگی این می‌باشد که مغز ما گام‌ صدای یک نت تنها را تشخیص می‌دهد.
اما در حقیقت، هر نتی که ما می‌شنویم
در واقع ترکیبی از چندین ارتعاش است.
ارتعاش یک سیم گیتار را در پایین‌ترین فرکانس تصور کنید.
به این حالت «پایه» گفته می‌شود،
و این گام‌ پایین غالباً چیزی هست که گوشهای ما برای شناسایی یک نت استفاده می‌کنند.
اما این پایین‌ترین ارتعاشات محرک فرکانس‌هایی به‌ نام فرآهنگ هستند،
که لایه‌ی بالای پایه هستند.
این فرآهنگ‌ها به فرکانس‌های خاصی شکسته می‌شوند
که هارمونیک‌ها یا فرعی‌ها نام‌دارند--
و دستکاری آن‌ها چگونگی عملکرد جادوی خوانندگان اُپرا است.
هر نت دارای مجموعه‌ای از فرکانس‌ها است که شامل سری هارمونیک‌های آن می‌باشد.
اولین صدای فرعی در فرکانس دوبرابر پایه مرتعش می‌شود.
فرعی بعدی سه‌برابر فرکانس‌ پایه است و به همین ترتیب تا آخر.
تقریبا همه‌ی سازهای آکوستیک سری‌های هارمونیک را تولید می‌کنند،
اما شکل‌ و جنس هرسازی تعادل این هارمونیک‌ها را برهم می‌زند.
برای مثال، یک فلوت به صداهای فرعی اول تاکید دارد،
اما در پایین‌ترین ثبت کلارینت،
فرعی‌های شماره‌ی فرد قدرتمندتر رزونانس می‌کنند.
قدرت بخش‌های مختلف صداهای‌ فرعی مختلف
بخشی از چیزی می‌باشد که به هر ساز امضای صوتی منحصربه‌فرد آن را می‌دهد.
همچنین بر توانایی دوام‌ آوردن در یک جمعیت سازها اثر می‌گذارد.
به دلیل اینکه گوش‌های ما با برخی فرکانس‌ها قوی‌تر از سایرین وفق پیدا کرده است.
این، کلیدِ قدرت رسایی یک خواننده اُپرا است.
یک سوپرانوی اُپرایی--
بلندترین صدا از چهار بخش استاندارد صدا--
می‌تواند نت‌هایی را با فرکانس‌های پایه تولید کند
که از ۲۵۰ تا ۱۵۰۰ ارتعاش در ثانیه هستند.
گوش‌های انسان بیشترین حساسیت را به فرکانس‌های
میان ۲۰۰۰ و ۵۰۰۰ ارتعاش در ثانیه دارند.
پس اگر خواننده بتواند صداهای فرعی را در این بازه تولید کند،
او می‌تواند نقطه‌ی حسی شیرینی را هدف قرار دهد، جایی‌که به احتمال قوی شنیده می‌شود.
فرعی‌های بالاتر سودمند نیز هستند
چرا که رقیب کمتری از ارکستر وجود دارد،
که فرآهنگ‌هایشان در آن فرکانس‌ها ضعیف‌تر هستند.
نتیجه‌ی نیرودادن به این فرعی‌ها
یک رنگ‌صدای متمایز به‌نام اسکوئیلوی خواننده است.
خوانندگان اُپرا دهه‌ها برای خلق اسکوِئیلویشان کارکرده‌اند.
آن‌ها می‌توانند فرکانس‌های بالاتری را
با تغییر در شکل و فشار درون تارهای صوتی ومجرای صوتی‌شان ایجاد کنند.
و باتغییر موقعیت زبان‌ و لب‌هایشان،
برخی از فرآهنگ‌ها را برجسته‌تر تلفظ می‌کنند مادامی که بقیه را می‌کاهند.
همچنین خوانندگان این بازه‌ی اصوات فرعی را بوسیله ویبراتو افزایش می‌دهند--
یک افکت موزیکال که در آن یک نت به آرامی در گام‌صدا نوسان می‌کند.
این حالت صدای کامل‌تری ایجاد می‌کند که
از میان ویبراتوهای نسبتا نازک سازها بیرون می‌آید.
زمانی که آن‌ها فرعی‌های درست را دارند،
از تکنیک‌های دیگری استفاده می‌کنند تا حجم صدایشان را افزایش دهند.
خوانندگان ظرفیت ششی خود را افزایش می‌دهند وحالت خود را بی‌نقص می‌کنند
برای جریان هوای مداوم و کنترل شده.
سالن کنسرت نیز کمک می‌کند،
به وسیله سطوح سخت که امواج صوتی را به سوی شنوندگان بازتاب می‌کند.
همه‌ی خوانندگان از این تکنیک‌ها بهره می‌برند،
اما امضاهای صوتی مختلف نیازمند انواع آمادگی جسمانی است.
یک خواننده‌ی واگنر نیاز دارد که استقامت را افزایش دهد
تا بتواند به‌خوبی آهنگ‌سازی‌های حماسی چهار ساعته را به پایان برساند.
درحالی که خوانندگان بل‌کانتو به تارهای صوتی تطبیق‌ پذیری نیاز دارند
تا به سرار محوطه‌ی نمایشی آریا برسد.
زیست‌شناسی محدودیت‌هایی نیز ایجاد می‌کند--
هرتکنیکی برای هر ماهیچه‌ای امکان‌پذیر نیست،
و صداها با افزایش سن‌وسال خوانندگان تغییر می‌کنند.
اما چه در یک سالن اُپرا چه در زیر دوش،
این تکنیک‌ها می‌توانند صداهای غیرتقویت شده را
به شاهکار‌های موسیقی طوفانی تبدیل کنند.
En proie à une passion vengeresse,
la Reine de la Nuit traverse la scène.
Elle commence à chanter son air titulaire,
une des sections les plus célèbres de l'opéra bien-aimé de Mozart,
"La Flûte Enchantée".
L'orchestre envahit la salle avec sa musique,
mais la voix de la reine s'élève au-dessus des instruments.
Sa mélodie retentit vers des milliers de mécènes,
atteignant des sièges éloignés de 40 mètres,
le tout sans l'aide d'un microphone.
Comment est-il possible qu'une seule voix puisse être entendue si clairement,
au-dessus du son de dizaines d'instruments ?
La réponse se trouve dans la structure de la voix humaine,
et dans la technique affinée d'une cantatrice.
La musique qui emplit la salle provient de vibrations
créées par les instruments,
que ce soit les cordes d'un violon, ou les cordes vocales d'un chanteur.
Ces vibrations envoient des ondes, que notre cerveau interprète en sons.
C'est la fréquence de ces vibrations,
précisément le nombre d'ondes par seconde,
qui permet à notre cerveau de déterminer la hauteur d'une note.
En fait, chaque note que nous entendons
est une combinaison de plusieurs vibrations.
Imaginez la corde d'une guitare qui vibre à sa fréquence la plus basse.
C'est la fondamentale, le ton bas
que nos oreilles utilisent pour identifier une note.
Mais cette vibration produit plus de fréquences appelées harmoniques,
qui viennent se superposer à la fondamentale.
Ces fréquences se décomposent en fréquences plus spécifiques
appelées harmoniques ou partiels ;
les chanteurs d'opéra font des miracles en les manipulant.
Chaque note a un ensemble de fréquences qui composent sa série harmonique.
Le premier partiel vibre à deux fois la fréquence de la fondamentale.
Le suivant vibre à trois fois la fréquence de la fondamentale, etc.
Presque tous les instruments acoustiques produisent des séries harmoniques,
mais la forme et le matériau de chaque instrument modifie leur équilibre.
Par exemple, une flûte accentue les premiers partiels,
mais dans le registre le plus bas d'une clarinette,
les partiels impaires résonnent plus fortement.
La force de divers partiels
fait partie de ce qui rend la signature sonore de chaque instrument unique.
Elle affecte également la capacité d'un instrument à se démarquer,
car nos oreilles sont accordées à certaines fréquences plus qu'à d'autres.
C’est la clé du pouvoir de projection d’un chanteur d’opéra.
Une soprano lyrique,
la plus aiguë des quatre voix,
peut produire des notes avec des fréquences fondamentales
allant de 250 à 1 500 vibrations par seconde.
Les oreilles humaines sont le plus sensibles aux fréquences
entre 2 000 et 5 000 vibrations par seconde.
Donc, si la cantatrice peut faire ressortir les partiels de cette gamme,
elle peut cibler le point sensible sensoriel
le plus susceptible d'être entendu.
Les partiels supérieurs sont également avantageux
car ils ont moins de concurrence venant de l'orchestre,
dont les harmoniques sont plus faibles à ces fréquences.
Accentuer ces partiels résulte en un timbre résonnant distinctif
appelé "squillo", le formant du chanteur.
Il faut des décennies aux chanteurs d'opéra
pour créer leur squillo.
Ils peuvent produire des fréquences plus élevées
en modifiant la forme et la tension de leurs cordes et voies vocales.
Et en décalant la position de leurs langues et de leurs lèvres,
ils accentuent certaines harmoniques tout en amortissant les autres.
Les chanteurs augmentent également leur gamme de partiels avec le vibrato,
un effet musical dans lequel une note oscille légèrement de ton.
Cela crée un son plus plein qui retentit
par-dessus le vibrato des instruments relativement restreint.
Une fois qu'ils ont les bons partiels,
ils emploient d'autres techniques pour augmenter leur volume.
Les chanteurs augmentent leur capacité pulmonaire et perfectionnent leur posture
pour un flux d'air constant et contrôlé.
La salle de concert aide aussi,
avec des surfaces rigides qui reflètent les ondes sonores vers le public.
Tous les chanteurs profitent de ces techniques,
mais chaque signature vocale exige une préparation physique différente.
Un chanteur wagnérien a besoin de développer son endurance
pour compléter les épopées de quatre heures du compositeur.
Alors que les chanteurs bel canto ont besoin de cordes vocales polyvalentes
pour sauter d'harmonique en harmonique.
La biologie fixe également certaines limites,
chaque technique a besoin d'un ensemble de muscles spécifique,
et la voix des chanteurs change lorsqu'ils vieillissent.
Mais que ce soit dans une salle d'opéra ou une cabine de douche,
ces techniques peuvent transformer des voix non amplifiées
en chefs-d'œuvre musicaux tonitruants.
Bosszúszomjas szenvedélytől áthatva
az Éj Királynője átszáguld a színen.
Rákezd nevezetes áriájára,
Mozart kedvelt operájának híres részletére
A varázsfuvolából.
A termet betölti a zenekar muzsikája,
de a királynő hangja a hangszerekén felülkerekedik.
Dallama elér ezernyi nézőn át
a 40 méterrel távolabbi ülésekig,
bármifajta mikrofon nélkül.
Hogy lehet oly tisztán hallható az énekesnő hangja,
tucatnyi hangszer zengését elnyomva?
A válasz az emberi hang fizikájában
és az operaénekes gondosan kimunkált énektechnikájában rejlik.
Az operaházban minden zene
a hangszerek keltette rezgésekből ered,
legyen az hegedűhúr vagy az előadó énekhangja.
A rezgések levegőhullámokat keltenek, melyeket agyunk hangként értelmez.
Rezgésszámuk,
nevezetesen: a másodpercenkénti hullámok száma alapján
határozza meg agyunk a hang magasságát.
De valójában a hallott hang
sok rezgésből tevődik össze.
Képzeljünk el egy legalacsonyabb frekvenciáján rezgő gitárhúrt!
Ez az alaphang.
Fülünk főleg ennek alapján határozza meg a hangot.
De a legalacsonyabb rezgésszám még ún. felhangokat is kelt,
amelyek az alaphanggal együtt szólalnak meg.
E felhangok más-más frekvenciákra,
ún. részhangokra bonthatók.
Az operaénekesek ezek változtatásával hozzák létre a csodát.
Minden hang felhangok sorozatából áll.
Az első részhang az alaphang kétszeres frekvenciáján rezeg.
A következő részhang az alaphang háromszorosán s í. t.
Minden akusztikus hangszer felhangsorokat állít elő,
de a felhangsor egyediségét a hangszer alakja és anyaga adja meg.
A fuvola pl. az első néhány részhangot emeli ki,
ám a klarinét legalsó regiszterében
a páratlan számú részhangok rezegnek a legerősebben.
Részben a részhangok erősségéből adódik
a hangszerek egyedi hangzása.
Emiatt képes valamely hangszer kitűnni a többi közül,
mert fülünk nem minden frekvenciát érzékel egyforma erősséggel.
Ez adja az operaénekes hangfestő erejét.
Az operai szoprán –
a négy hangfekvés legmagasabbika –
az alaphang frekvenciatartományában
250–1500 rezgés/másodperc rezgésszámú hangok képzésére képes.
Az emberi fül
a másodpercenkénti 2000–5000 rezgésszámú hangokra a legérzékenyebb.
Ha a művésznő e sávban ki tudja énekelni a részhangokat,
megcélozhatja az optimális érzéki helyet, ahol a legtisztábban halljuk.
A felsőbb részhangok előnye,
hogy kevesebb versenytársuk akad a zenekarban,
mert azokon a frekvenciákon a zenekar felhangjai gyengébbek.
E részhangok kiemelése adja meg
egy-egy énekes sajátosan zengő hangszínét.
Az énekesek évtizedeken át fejlesztik hangszínüket.
A magas frekvenciákat
hangszálaik és hangképző szervük alakjával és feszességével állítják elő.
Nyelvük és ajkuk helyzetével
kiemelhetnek egyes felhangokat, vagy elnyomhatnak másokat.
Vibratóval kiszélesíthetik részhangjaik sávját.
Ez a hatás a hangmagasság enyhe rezegtetését jelenti.
A vibrato teltebb csengő hangot ad,
amely kitűnik a hangszerek viszonylag szűkebb vibratói közül.
Ha már megvannak a helyes részhangok,
más technikákkal is élnek hangerejük fokozására.
Növelik tüdőkapacitásukat, tökéletesítik testtartásukat
az egyenletes, szabályozott légáramlás érdekében.
A hangversenyterem is segíti őket merev falborításával,
amely a közönség felé tereli a hangokat.
Minden énekes előnyt merít e technikákból,
de az egyes hangtípusok más-más fizikai adottságokat igényelnek.
Wagner-énekeseknek állóképességre van szükségük,
hogy végig bírják a zeneszerző négyórás zenedrámáit.
A bel canto énekeseknek sokoldalú hangszálak kellenek,
hogy megbirkózzanak az akrobatikus áriákkal.
A biológia is határt szab:
nem minden izommal lehet megvalósítani az összes technikát,
az énekes korával a hangja is módosul.
De operaházban vagy zuhany alatt
e technikák hatására gyenge hangokból is
mennydörgő zenei remekművek válhatnak.
In preda al desiderio di vendetta,
la Regina della Notte attraversa fulminea il palco.
Inizia a cantare la sua celebre aria,
una delle sezioni più famose dell'amatissima opera di Mozart,
"Il flauto magico".
L'orchestra riempie la sala con la musica,
ma la voce della regina sovrasta gli strumenti.
La melodia risuona tra migliaia di spettatori,
raggiungendo posti fino a 40 metri di distanza:
tutto senza il supporto di un microfono.
Com'è possibile che una singola voce venga udita così distintamente,
sopra gli sforzi di decine di strumenti?
La risposta risiede nella fisica della voce umana
e nell'affinata tecnica di un cantante d'opera professionista.
Tutta la musica nel teatro dell'opera ha origine nelle vibrazioni
create dagli strumenti:
siano queste le corde di un violino o le corde vocali di un cantante.
Queste vibrazioni trasmettono onde nell'aria,
che il nostro cervello interpreta come suono.
La frequenza delle vibrazioni -
nello specifico, il numero di onde al secondo -
è il modo in cui il nostro cervello determina l'altezza di una nota.
Ma, di fatto, ogni nota che udiamo
è in realtà la combinazione di molteplici vibrazioni.
Immaginate la corda di una chitarra vibrare alla frequenza più bassa.
Questa è chiamata la fondamentale,
e questo suono grave è quello più usato dall'orecchio per identificare una nota.
Ma questa vibrazione così bassa attiva ulteriori frequenze chiamate ipertoni,
che si sovrappongono alla fondamentale.
Questi ipertoni si scompongono in frequenze specifiche
chiamate armoniche, o parziali,
ed è manipolandole che il cantante d'opera crea la sua magia.
Ogni nota ha il suo set di frequenze che comprende una serie di armoniche.
La prima armonica vibra a una frequenza doppia
rispetto alla fondamentale.
L'armonica successiva è tre volte la frequenza fondamentale, e così via.
In teoria, tutti gli strumenti acustici producono serie armoniche,
ma la forma e il materiale di ogni strumento
cambiano l'equilibrio delle armoniche.
Ad esempio, il flauto enfatizza i primissimi parziali,
ma nel registro più basso di un clarinetto
i parziali dispari risuonano più forte.
La forza dei vari parziali
è parte di ciò che conferisce unicità alla firma sonora di ogni strumento.
Incide anche sull'abilità di uno strumento di distinguersi dalla massa,
perché l'orecchio è più sensibile ad alcune frequenze rispetto ad altre.
È questa la chiave del potere di proiezione di un cantante d'opera.
Un soprano operistico,
la più acuta delle quattro voci standard,
produce note con frequenze fondamentali
che vanno dalle 250 alle 1.500 vibrazioni al secondo.
L'orecchio umano è più sensibile a frequenze
tra le 2.000 alle 5.000 vibrazioni al secondo.
Così, se una cantante riesce a produrre i parziali che rientrano in questo range,
riesce a colpire un punto sensibile dove è molto probabile che verrà udita.
I parziali più alti sono anche vantaggiosi
poiché c'è meno competizione con l'orchestra,
i cui ipertoni sono più deboli a quelle frequenze.
Il risultato dell'enfatizzazione di questi parziali
è l'inconfondibile timbro chiamato squillo del cantante.
I cantanti d'opera lavorano per decenni per creare il proprio squillo.
Possono produrre frequenze più alte
modificando la forma e la tensione nelle corde vocali e nel tratto vocale.
E, cambiando la posizione della lingua e delle labbra,
accentuano alcuni ipertoni, attenuandone altri.
I cantanti ampliano anche la gamma dei parziali con il vibrato,
un effetto musicale in cui una nota oscilla lievemente di altezza.
Questo crea un suono più pieno che si staglia
sul vibrato relativamente stretto degli strumenti.
Una volta ottenuti i giusti parziali,
utilizzano altre tecniche per potenziare il volume.
I cantanti espandono la capacità polmonare e perfezionano la postura
per un flusso d'aria costante e controllato.
Anche la sala da concerto aiuta,
con superfici rigide che riverberano le onde sonore verso gli spettatori.
Tutti i cantanti traggono vantaggio da queste tecniche,
ma firme vocali differenti richiedono preparazioni fisiche differenti.
Un cantante wagneriano deve rafforzare la resistenza
per far fronte alle epopee di quattro ore del compositore.
Mentre il belcanto richiede ai cantanti versatilità delle corde vocali
per destreggiarsi in arie acrobatiche.
Anche la biologia impone dei limiti:
non tutte le tecniche sono adatte a ogni serie di muscoli,
e la voce cambia con l'età.
Ma che siano in una sala da concerto o sotto la doccia,
queste tecniche trasformano voci non amplificate
in tonanti capolavori musicali.
激しい復讐心に駆られ
夜の女王は舞台を突っ切ります
そして 歌い始めるのは その名を冠するアリア
モーツァルトが作曲し 多くに愛される オペラ『魔笛』でも
最も有名な場面の一つです
ホールはオーケストラの音楽で 満たされますが
女王の声は楽器が奏でる音をしのいで 冴え渡ります
鳴り響くメロディーは 何千人もの聴衆に―
40メートルも離れた席にまで―
マイクの助けを一切借りずに 届けられます
数十もの楽器が音を出しながら たった一人の声が
これほど明瞭に聞こえるのは 一体どういうわけでしょうか
その答えは 人間の声の仕組みと
丁寧に磨き上げられた 熟練のオペラ歌手の技法にあります
このオペラ劇場の音楽は全て
道具を振動させて生み出されたものです
その「道具」とは ヴァイオリンの弦から 出演者の声帯まで様々です
この振動は空気に波を送り出し 私たちの脳がそれを音と認識します
この振動の頻度―
厳密に言うと １秒あたりの波の数によって
脳は音の高さを決めるのです
実を言うと 私たちの耳に聞こえる音は全て
複数の振動の組み合わさったものです
ギターの弦が１本 最も低い周波数で 振れているのを思い浮かべましょう
これは基音と呼ばれ
主にこの低音を使って 私たちの耳は 音を識別しているのです
しかし この最も低い周波数での振動から 新たな振動つまり「上音」が生まれ
基音の上に層状に重なります
「上音」は複数の 特定の周波数に分解されますが
それが「倍音」や「部分音」と 呼ばれるものです
これらを巧みに操ることで オペラ歌手は力を発揮するのです
全ての音には 異なる周波数で構成される 倍音列というものがあります
第１の倍音は 基音の２倍の周波数で振動しています
その次の倍音は基音の３倍の周波数で という具合で続いていきます
実質 あらゆるアコースティック楽器が 倍音列を生み出しますが
楽器それぞれの形や材質の違いにより 倍音のバランスが変化します
例えば フルートでは 最初の倍音の いくつかがよく聞こえますが
クラリネットの最低音域では
奇数倍音が最も強く鳴り響きます
この 様々な倍音の強さの違いが
楽器ごとに特有の音色がある 理由の一つでもあり
同時に オーケストラのなかでの 楽器の際立ち方も左右しています
私たちの耳により馴染みの深い周波数と そうでない周波数があるからです
これが オペラ歌手の発声が持つ 力の秘密なのです
オペラでのソプラノ ―
基本声域４つの中で 最も高い声域ですが ―
この声域の歌手が 発することができるのは
１秒あたりの基本周波数が 250から1,500までの音です
人間の耳が最も敏感に拾うのは
１秒あたりの周波数 2,000から5,000までの音です
つまり歌手がこの範囲に入る倍音を 発することができれば
音として最も拾われやすい 感覚上の スイート・スポットを狙えるのです
また より高い周波数の倍音は
オーケストラが得意としないため
その周波数帯域なら オーケストラからの 上音が弱いという利点もあります
これらの倍音を強調することで
「スクイーロ（squillo）」と呼ばれる よく響く特徴的な歌声が生まれます
オペラ歌手は自分のスクイーロを開発するため 何十年も練習を重ねます
声帯と声道の形や
力のかけ方を調整することで より高い周波数の音を発することができます
また 舌や唇の位置を調節することで
ある倍音を際立たせる一方 他の倍音を弱めることができるのです
歌手はさらに「ビブラート」を用いて 倍音の範囲を広げることできます
音高を小刻みに揺らす音楽技法です
こうして生まれた豊かな音が
楽器が出す 比較的狭い範囲の ビブラートに勝り 鳴り響くのです
望ましい倍音が得られたら
今度はその声量を増すため 歌手は他の技法も駆使します
肺活量を増やし 姿勢を完璧に整えることで
均質で制御のとれた空気の流れを 確保するのです
コンサート・ホールも一役買っています
硬い壁が聴衆の方向に 音波を反射するのです
どの歌手も こういった技法を活用しますが
音質に応じて 要求される 身体的な準備も変わってきます
ワーグナーの作品に 出るような歌手であれば
４時間もの超大作を乗り切るだけの スタミナ作りが不可欠です
一方 ベルカント唱法で歌う歌手には
曲芸のようなアリアを難なくこなせる 万能な声帯が求められます
生物学的な制限もあります
その人の体のつくりによっては できない技法もありますし
歌手が歳を重ねるにつれ 声は変わっていくものです
しかし オペラ・ホールの中であれ シャワー・ルームの中であれ
紹介したような技法を使えば 音響効果なしでも
ガツーンと響き渡る傑作が 出来上がるというわけです
အငြိုးကြီးတဲ့ ဇောနဲ့ ဖမ်းစားခံရတဲ့
ညရဲ့ ဘုရင်မဟာ စင်ကို တစ်ဟုန်ထိုးတက်လာတယ်။
သူ့ရဲ့မည်ကာမတ္တ တစ်ကိုယ်တော်တေးကို စတင်သီဆိုတယ်။
မိုးဇာတ်ရဲ့ အနှစ်သက်ဆုံး အော်ပရာမှ အကျော်ကြားဆုံး အပိုင်းတွေထဲက တစ်ခုပါ။
"The Magic Flute"ပါ။
သံစုံတီးဝိုင်းဟာ ခန်းမကို ဂီတသံနဲ့ ဖြည့်လိုက်ပေမဲ့
ဘုရင်မရဲ့အသံက တူရိယာတွေရဲ့ အထက်မှာ ဝဲပျံနေတယ်။
၎င်းရဲ့တေးသွားက ထောင်ချီတဲ့ အားပေးသူကို ဖြတ်ပြီး ထွက်ပေါ်လာတယ်။
မီတာ ၄၀ အဝေးမှာရှိတဲ့ ထိုင်ခုံတွေဆီ ရောက်ပါတယ်။
အားလုံးဟာ မိုက်ကရိုဖုန်း အထောက်မပံ့မပါဘူး။
ဘယ်လို့ဖြစ်ပြီး ဒီတစ်ခုတည်းသော အသံကို ဒါဇင်ချီတဲ့ တူရိယာတွေရဲ့
သီချင်းတွေရဲ့အထက်မှာ ကြည်ကြည်လင်လင် ကြားနိုင်ရတာလဲ။
အဖြေကတော့ လူ့အသံရဲ့ ရူပဗေဒနဲ့ ကျွမ်းကျင်တဲ့ အော်ပရာအဆိုရှင်တစ်ဦးရဲ့
သေချာကျနစွာ သထားတဲ့ နည်းစနစ်မှာ တည်ရှိနေပါတယ်။
ဒီအော်ပရာရုံထဲက တေးဂီတအားလုံးဟာ တူရိယာတွေက ဖန်တီးတဲ့
တုန်ခါမှုတွေကနေ အစပြုပါတယ်။
တယောတစ်လက်ရဲ့ ကြိုးတွေ(သို့)ဖျော်ဖြေသူရဲ့ အသံပိုင်း လွှာတွန့်တွေကဖြစ်ဖြစ်ပါ။
ဒီတုန်ခါမှုတွေက လေထဲကို လှိုင်းတွေပို့တယ်။ ဒါတွေကို ဦးနှောက်က အသံအဖြစ်သရုပ်ဖော်တယ်။
ဒီတုန်ခါမှုတွေရဲ့ ကြိမ်နှုန်းက
အထူးသဖြင့်တော့ တစ်စက္ကန့်မှာရှိတဲ့ လှိုင်းအရေအတွက်က
တစ်ခုတည်းသော အသံရဲ့အနိမ့်အမြင့်ကို ဦးနှောက်က သတ်မှတ်ပုံဖြစ်ပါတယ်။
ဒါပေမဲ့ တကယ်တမ်းကျတော့ ကျွန်ုပ်တို့
ကြားရတဲ့ အသံတိုင်းဟာ တုန်ခါမှု ပေါင်းစုံရဲ့ ပေါင်းစပ်မှုတစ်ခုပါ။
အနိမ့်ဆုံး ကြိမ်နှုန်းမှာ တုန်ခါနေတဲ့ ဂစ်တာတစ်လက်ကို စိတ်ကူးကြည့်ပါ။
ဒါကို မူလလို့ ခေါ်ပြီး
ဒီအနိမ့်သံက အသံတစ်ခုကို ထောက်လှမ်းဖို့ နားတွေ အများစု အသုံးပြုတဲ့ဟာပါ။
ဒါပမဲ့ ဒီအနိမ့်ဆုံး တုန်ခုမှုက လေသံတွေလို့ ခေါ်တဲ့ နောက်ကြိမ်နှုန်းတွေကို အစပြုတယ်။
ဒါက မူလသံရဲ့ ထိပ်မှာ လွှာထပ်ပါတယ်။
ဒီလေသံတွေဟာ မိတ်ဖက်သံ (သို့) အပိုင်းတွေလို့ခေါ်တဲ့
တိကျတဲ့ ကြိမ်နှုန်းတွေအဖြစ် စိတ်ဖြာပေးပြီး
ဒါတွေကို ကစားခြင်းက အော်ပရာအဆိုရှင်တွေ သူတို့ရဲ့မှော်ဆန်မှုကို လုပ်ကိုင်ပုံပါ။
အသံတိုင်းမှာ ၎်းရဲ့ မိတ်ဖက် အစဉ်ပါတဲ့ ကြိမ်နှုန်းတစ်စုရှိတယ်။
ပထမအပိုင်းက မူလရဲ့ ကြိမ်နှုန်း နှစ်ဆ တုန်ခါတယ်။
နောက်တစ်ပိုင်းက မူလ ကြိမ်နှုန်း သုံးဆ စသည်ဖြင့်ပေါ့။
လျှပ်စစ်မဟုတ်တဲ့ တူရိယာအားလုံးနီးနီးဟာ မိတ်ဖက်သံ အစဉ် ထုတ်ပေးပေမဲ့
တူရီယာတစ်ခုစီရဲ့ ပုံစံနဲ့အသားက ဒီမိတ်ဖက်သံ တွေရဲ့ ဟန်ချက်ညီမှုကို ပြောင်းလဲပေးတယ်။
ဥပမာ၊ ပုလွေတစ်လက်ဟာ ပထမ အပိုင်း အနည်းငယ်ကို အသားပေးပေမဲ့
ကလယ်ရီနက်တစ်လက်ရဲ့ အနိမ့်ဆုံး အသံ အစဉ်ထဲမှာ
မကိန်း အပိုင်းတွေက အများဆုံး ပြင်းထန်စွာ အသံဟိန်းတယ်။
အပိုင်းအမျိုးမျိုးရဲ့ အားက
တူရိယာတိုင်းကို ၎င်းရဲ့ ထူးခြားတဲ့ အသံပိုင်း လက္ခဏာကို ပေးတာပါ။
ဒါက လူအုပ်ထဲမှာ ပေါ်လွင်စေဖို့ တူရိယာ တစ်လက်ရဲ့ အရည်အသွေးကို သက်ရောက်သေးတာက
ကျွန်ုပ်တို့နားတွေဟာ အခ​ြားဟာတွေက် ကြိမ်နှုန်းတချို့ကို ပိုယဉ်ပါးလိူ့ပါ။
ဒါက အော်ပရာ အဆိုရှင်ရဲ့ အသံထုတ်နိုင်မှု စွမ်းအားအတွက် အဓိကပါ။
အော်ပရာ အမြင့်ဆုံးအသံ
စံအသံလေးပိုင်းအနက် အမြင့်ဆုံးက တစ်စက္ကန့်ကို
တုန်နှုန်း ၂၀၀၀ မှ ၅၀၀၀ ကြားမှာရှိတဲ့
မူလ ကြိမ်နှုန်းတွေနဲ့အတူ တေးသံတွေ ထုတ်လုပ်ပေးနိုင်တယ်။
လူ့နားတွေဟာ တစ်စက္ကန့် တုန်ခါမှု ၂၀၀၀ မှ ၅၀၀၀
ကြားမှာရှိတဲ့ က​ြိမ်နှုန်းတွေကို အထိမခံနိုင်ဆုံးပါ။
ဒီတော့ အဆိုရှင်ဟာ အပိုင်းအခြားမှာ အပိုင်းတွေ ထုတ်ပေးနိုင်ရင်
သူ့ကို ကြားနိုင်ဖို့ ဖြစ်နိုင်ခြေအရှိဆုံး သာယာတဲ့အာရုံခံတစ်နေရာကို ချိန်နိုင်တယ်။
ပိုမြင့်တဲ့ အပိုင်းတွေဟာလည်း အကျိုးပြုနိုင်တာက
သံစုံတီးဝိုင်းကနေ ပိုနည်းတဲ့ ယှဉ်ပြိုင်မှုရှိတာကြောင့်ပါ။
၎င်းရဲ့ လေသံတွေဟာ ဒီကြိမ်နှုန်းတွေမှာ ပိုအားနည်းပါတယ်။
ဒီအပိုင်းတွေကို အသားပေးခြင်းရဲ့ အကျိုးရလဒ်က
အဆိုရင်ရဲ့ အမြင့်သံလို့ခေါ်တဲ့ ထင်ရှားမြည်ဟည်းတဲ့ အသံဂုဏ် တစ်ခုပါ။
အော်ပရာအဆိုရှင်တွေဟာ အမြင့််သံကို ဖန်တီးဖို့ ဆယ်စုနှစ်ချီကာ လုပ်ရတယ်။
အသံ လှိုင်းတွန့်တွေ၊ အသံလမ်းကြောင်းထဲက
ပုံစံနဲ့ တင်းအားကို မွမ်းမံကာ ပိုမြင့်တဲ့ ကြိမ်နှုန်းတွေကို ထုတ်လုပ်နိုင်တယ်။
သူတို့ရဲ့ လျှာတွေနဲ့ နှုတ်ခမ်း အနေအထားကို ပြောင်းတာက
အခြားသံတွေကို လျော့ပါးစေရင်း လေသံတွေကို ပေါ်လွင်စေတယ်။
အဆိုရှင်တွေဟာ တုန်ယင်သံနဲ့ အပိုင်းတွေရဲ့ အစဉ်ကို တိုးမြှင့်သေးတယ်။
အသံပေါက်တစ်ခုမှာ အသံတစ်သံဟာ အနည်းငယ် တက်ကျဖြစ်တဲ့ ဂီတ သက်ရောက်မှုတစ်ခုပါ။
ယှဉ်လိုက်ရင် ကျဉ်းတဲ့ တုန်သံတွေဖြစ်တဲ့ တူရိယာတွေကို
ကျော်ကာမြည်ဟည်းတဲ့ ပိုပြည့်ဝတဲ့ အသံတစ်သံကို ဒါက ဖန်တီးပေးတယ်။
မှန်ကန်တဲ့ အပိုင်းတွေ ရှိတာနဲ့
အသံထုကို တိုးမြှင့်ဖို့ အခြားနည်းစနစ် တွေကို သုံးကြတယ်။
အဆိုရှင်တွေဟာ တသမတ် ထိန်းချုပ်ထားတဲ့ လေစီးဆင်းမှုအတွက် အဆုပ် အစွမ်းကို
တိုး ချဲ့ပြီး ကိုယ်ဟန်ကို အကောင်းဆုံးမွမ်းမံတယ်။
ပရိသတ်ဆီသွားတဲ့ အသံလှိုင်းတွေကို
ထင်ဟပ်တဲ့ တင်းကျပ်တဲ့ မျက်နှာပြင်တေွပါတဲ့ ဖျော်ဖြေပွဲ ခန်းမကလည်။ ကူညီပါတယ်။
အဆိုရှင်အားလုံးဟာ ဒီနည်းစနစ်တွေကို အခွင့်ကောင်းယူပေမဲ့
မတူတဲ့ အသံလက္ခဏာတွေက မတူတဲ့ ရုပ်ပိုင်း ပြင်ဆင်မှုကို တောင်းဆိုတယ်။
Wagnerian အဆိုရှင်တစ်ဦးဟာ တေးပြုစာဆိုရဲ့ လေးနာရီကြာ
ဇာတ်လမ်းတွေတစ်လျှောက် အားသုံးဖို့ သက်လုံ တည်ဆောက်ဖို့လိုတယ်။
တေးသွားအလှ အဆိုရှင်တွေကတော့ တွန့်လိမ်နိမ့်မြင့် တေးသွားတွေတစ်လျှောက်
ပေါင်းကူးဖို့ စွယ်စုံရတဲ့ အသံလှိုင်းတွန့်တွေ လိုတယ်။
ဇီဝဗေဒကလည်း ကန့်သတ်ချက်တွေ လုပ်တယ်။
နည်းစနစ်တိုင်းဟာ ကြွက်သားစုတိုင်း အတွက် ဖြစ်နိုင်ခြေမရှိဘူး။
အဆိုရှင် အသက်ရလာတာနဲ့အမျှ အသံပြောင်းသွားတယ်။
ဒါပေမဲ့ အော်ပရာခန်းမဖြစ်ဖြစ်၊ ရေချိုးခန်းမှာဖြစ်ဖြစ်
ဒီနည်းစနစ်တွေဟာ အသံချဲစက် မပါတဲ့ အသံတွေကို ဟိန်းနေတဲ့
ဂီက လက်ရာမွန်တွေ အဖြစ် ပြောင်းပေးနိုင်တယ်။
Dominada por uma paixão vingativa,
a Rainha da Noite chora no meio do palco.
Começa a cantar a sua ária principal,
uma das partes mais conhecidas da adorada ópera de Mozart,
"A Flauta Mágica".
A orquestra enche a sala de música,
mas a voz da rainha destaca-se acima dos instrumentos.
A sua melodia ressoa por entre milhares de admiradores,
chegando aos lugares à distância de 40 metros,
tudo sem a ajuda de um microfone.
Como é possível que uma simples voz possa ser ouvida tão nitidamente,
por cima do poder de dezenas de instrumentos?
A resposta está na física da voz humana
e na técnica cuidadosamente afinada por um cantor de ópera experiente.
Toda a música neste teatro provém das vibrações
criadas pelos instrumentos,
quer se trate das cordas de um violino, ou das cordas vocais dum executante.
Essas vibrações enviam ondas pelo ar, interpretadas pelo nosso cérebro como som.
A frequência dessas vibrações
— especificamente, o número de ondas por segundo —
representa como o nosso cérebro determina a intensidade duma só nota.
Com efeito, cada nota que escutamos
é uma combinação de múltiplas vibrações.
Imaginem a corda duma guitarra que vibra na frequência mais baixa.
Chama-se a isso "tom fundamental"
e esta intensidade baixa é o que os nossos ouvidos usam
para identificar uma nota.
Mas esta vibração mais baixa provoca frequências adicionais
chamadas "sobretons".
que formam uma camada por cima do tom fundamental.
Esses sobretons decompõem-se em frequências específicas
chamadas harmónicas, ou parciais.
É manipulando-as que os cantores de ópera fazem a sua magia.
Cada nota tem um conjunto de frequências que abrange a sua série harmónica.
O primeiro parcial vibra com o dobro da frequência do tom fundamental.
O parcial seguinte é o triplo da frequência
do tom fundamental, e por aí adiante.
Praticamente todos os instrumentos acústicos
produzem séries harmónicas
mas a forma e o material de cada instrumento
altera o equilíbrio das suas harmónicas.
Por exemplo, uma flauta realça os primeiros parciais
mas, no registo mais baixo de um clarinete,
os parciais de número ímpar ressoam mais fortemente.
A força dos diversos parciais
faz parte do que dá a cada instrumento a sua assinatura sonora especial.
Também afeta a capacidade de um instrumento
de se destacar no meio duma multidão,
porque os nossos ouvidos estão mais fortemente sintonizados
numas frequências do que noutras.
Este é o segredo do poder de projeção de um cantor de ópera.
Uma soprano lírica
— a mais alta das quatro vozes padrão —
pode produzir notas com frequências fundamentais,
que vão das 250 às 1500 vibrações por segundo.
Os ouvidos humanos são mais sensíveis às frequências
entre as 2000 e as 5000 vibrações por segundo.
Assim, se o cantor pode fazer realçar os parciais nesta gama,
pode visar um belo local sensorial onde seja mais provável ser ouvido.
Os parciais mais altos também são vantajosos
porque há menos competição por parte da orquestra
cujos sobretons são mais fracos nessas frequências.
O resultado de realçar esses parciais
é um timbre distinto de campainha chamado o "squillo" dum cantor.
Os cantores de ópera trabalham durante décadas
para criar o seu "squillo".
Podem produzir frequências mais altas
modificando a forma e a tensão das suas cordas vocais e do trato vocal.
Alterando a posição da língua e dos lábios,
acentuam alguns sobretons enquanto aprofundam outros.
Os cantores também aumentam a gama de parciais com o "vibrato"
— um efeito musical em que uma nota oscila levemente de intensidade.
Isso cria um som mais cheio que ressoa por cima dos "vibratos",
comparativamente estreitos, dos instrumentos.
Depois de terem os parciais adequados,
empregam outras técnicas para reforçar o seu volume.
Os cantores expandem a capacidade dos pulmões e aperfeiçoam a postura
para um fluxo de ar consistente e controlado.
A sala de concertos também ajuda
com superfícies rígidas que refletem as ondas de som para a audiência.
Todos os cantores tiram partido destas técnicas
mas as diversas assinaturas vocais exigem diferentes preparativos físicos.
Um cantor wagneriano precisa de criar resistência
para alimentar a epopeia de quatro horas do compositor.
Enquanto os cantores de "bel canto" exigem cordas vocais versáteis
para saltitar entre as árias acrobáticas.
A biologia também estabelece alguns limites
— nem todas as técnicas são adequadas para todos os tipos de músculos
e a voz muda à medida que os cantores envelhecem.
Mas, seja numa sala de ópera, seja no chuveiro,
estas técnicas podem transformar vozes sem amplificação
em retumbantes obras-primas musicais.
Acometida por paixão vingativa, a Rainha da Noite corre pelo palco.
Ela começa a cantar sua ária titular,
uma das peças mais famosas da amada ópera de Mozart:
"A Flauta Mágica".
A orquestra enche o salão com música,
mas a voz da rainha se sobrepõe aos instrumentos.
Sua melodia é aguda e clara para milhares de espectadores,
alcançando assentos a 40 metros de distância,
tudo sem a ajuda de um microfone.
Como é possível ouvir uma única voz com tanta clareza,
acima das melodias de dezenas de instrumentos?
A resposta está na física da voz humana
e na técnica cuidadosamente aprimorada de uma cantora de ópera experiente.
Toda a música nesse teatro de ópera tem origem a partir das vibrações
criadas por instrumentos,
sejam as cordas de um violino ou as pregas vocais de um artista.
Essas vibrações enviam ondas para o ar, que o cérebro interpreta como som.
A frequência dessas vibrações,
especificamente o número de ondas por segundo,
é a forma como o cérebro determina o tom de uma única nota.
Mas, na realidade, cada nota que ouvimos
é uma combinação de múltiplas vibrações.
Imagine uma corda de violão vibrando em sua frequência mais grave.
Ela é chamada de fundamental,
e esse tom grave é o que o ouvido usa geralmente para identificar uma nota.
Mas essa vibração mais grave aciona frequências adicionais chamadas sobretons,
que se sobrepõem à fundamental.
Esses sobretons se dividem em frequências específicas
chamadas harmônicas, ou parciais,
e cantores de ópera as manipulam para produzir sua magia.
Cada nota tem um conjunto de frequências que compõem sua série harmônica.
A primeira parcial vibra com o dobro da frequência da fundamental.
A parcial seguinte é três vezes a frequência da fundamental,
e assim por diante.
Praticamente todos os instrumentos acústicos
produzem séries harmônicas,
mas a forma e o material de cada instrumento
alteram o equilíbrio de suas harmônicas.
Por exemplo, uma flauta enfatiza as primeiras parciais.
(Vibração de flauta)
Mas, no registro mais grave de um clarinete,
as parciais ímpares ressoam com mais força.
A força de várias parciais
é parte do que dá a cada instrumento sua assinatura sonora única.
Também afeta a capacidade de um instrumento se destacar na multidão,
porque o ouvido está mais fortemente acostumado
com algumas frequências do que com outras.
Esse é o segredo para o poder de projeção de um cantor de ópera.
Uma soprano de ópera,
a mais aguda das quatro vozes padrão,
pode produzir notas com frequências fundamentais
que variam de 250 a 1,5 mil vibrações por segundo.
O ouvido humano é mais sensível a frequências
entre 2 mil e 5 mil vibrações por segundo.
Portanto, se a cantora conseguir produzir as parciais nesse intervalo,
ela poderá atingir uma região sensorial onde é mais provável que seja ouvida.
As parciais mais agudas também são vantajosas
porque competem menos com a orquestra,
cujos sobretons são mais fracos nessas frequências.
O resultado de enfatizar essas parciais
é um timbre de som característico chamado "squillo" de um cantor.
Cantores de ópera trabalham por décadas para criar seu squillo.
Eles podem produzir frequências mais agudas
modificando a forma e a tensão nas pregas vocais e no trato vocal.
E, mudando a posição da língua e dos lábios,
eles acentuam alguns sobretons, enquanto atenuam outros.
Os cantores também aumentam sua gama de parciais com "vibrato",
um efeito musical no qual uma nota oscila levemente no tom.
Isso cria um som mais forte
que se sobrepõe aos vibratos comparativamente estreitos
dos instrumentos.
Ao conseguirem as parciais certas,
eles empregam outras técnicas para aumentar o volume de voz.
Os cantores ampliam a capacidade pulmonar e aperfeiçoam a postura
para um fluxo de ar controlado e consistente.
A sala de concertos também ajuda,
com superfícies rígidas que refletem as ondas sonoras para a plateia.
Todos os cantores se aproveitam dessas técnicas,
mas assinaturas vocais diferentes exigem preparação física diferente.
Um cantor wagneriano precisa aumentar a resistência
para passar pelas epopeias de quatro horas do compositor,
enquanto cantores de "bel canto" exigem pregas vocais versáteis
para saltar por árias acrobáticas.
A biologia também estabelece alguns limites.
Nem toda técnica é viável para todos os músculos,
e as vozes mudam conforme os cantores envelhecem.
Mas, seja em uma sala de ópera ou no chuveiro,
essas técnicas podem transformar vozes não amplificadas
em obras-primas musicais impressionantes.
Cuprinsă de o pasiune răzbunătoare,
Regina nopții își varsă lacrimile de-a lungul scenei.
Ea începe să-și cânte aria sa titulară,
una din cele mai renumite părți ale operei îndrăgitului Mozart,
„Flautul fermecat”.
Orchestra învăluie holul cu muzică,
însă vocea reginei se avântă deasupra instrumentelor.
Melodia sa răsună peste mii de spectatori,
ajungând la 40 de metri depărtare –
fără ajutorul unui microfon.
Cum e posibil ca o voce să fie auzită atât de clar,
peste acordurile zecilor de instrumente?
Răspunsul se află în fizica vocii umane
și tehnica perfecționată a unui solist de operă expert.
Muzica din clădirea operei provine de la vibrațiile create de instrumente –
fie că sunt corzile unei viori sau faldurile vocale ale unui interpret.
Aceste vibrații trimit în aer unde, pe care creierul le consideră drept sunet.
Frecvența acestor vibrații –
mai exact, numărul undelor pe secundă –
e modul în care creierul determină nivelul fiecărei note.
De fapt, fiecare notă pe care o auzim
e o combinație de mai multe vibrații.
Imaginați-vă vibrarea corzii de chitară la cea mai joasă frecvență.
Acesta e numit acord fundamental,
iar acest nivel jos e ceea ce urechea consideră drept notă muzicală.
Dar această vibrație joasă duce la alte frecvențe numite armonii superioare,
ce se așează peste acordul fundamental.
Aceste armonii superioare se descompun în frecvențe specifice
numite parțialele tonului fundamental sau tonuri fundamentale,
iar prin mânuirea lor soliștii de operă fac minuni.
Fiecare notă are un set de frecvențe ce include seriile armonice.
Primul ton fundamental vibrează la o frecvență
de două ori mai mare decât acordul fundamental.
Următorul ton fundamental e de trei ori mai mare și tot așa mai departe.
În mod virtual toate instrumentele acustice produc serii armonice,
însă forma și materialul instrumentului
modifică echilibrul tonurilor sale fundamentale.
De exemplu, un flaut pune accent pe primele tonuri fundamentale,
însă registrul de jos al clarinetului,
tonurile fundamentale impare răsună mai puternic.
Puterea variatelor tonuri fundamentale
e ceea ce face ca sunetul instrumentului să fie unic.
Acestea afectează și abilitatea instrumentului de a ieși în evidență,
fiindcă urechea e mai adaptată la unele frecvențe decât la altele.
Aceasta e cheia puterii de proiecție a unui solist de operă.
O soprană de operă –
cea mai înaltă dintre cele patru categorii de voci standard –
poate produce note cu frecvențe fundamentale
cuprinse între 250 și 1.500 de vibrații/s.
Urechea umană e mai sensibilă la frecvențele
cuprinse între 2.000 și 5.000 de vibrații pe secundă.
Dacă o solistă poate emite tonuri fundamentale în această gamă,
ea poate ținti poziția senzorială optimă unde e cel mai probabil să fie auzită.
Tonurile fundamentale mai înalte sunt și ele avantajoase,
deoarece întrecerea cu orchestra e mai redusă,
ale cărei armonii superioare sunt mai slabe la acele frecvențe.
Rezultatul accentuării acelor tonuri fundamentale
e un timbru răsunător distinctiv numit „squillo-ul” solistului.
Soliștii de operă exersează decenii pentru a-și crea „squillo-ul”.
Ei pot produce frecvențe mai înalte
prin modificarea formei și tensiunii în faldurile vocale și tractul vocal.
Iar prin schimbarea poziției limbii și buzelor,
ei accentuează unele armonii superioare în timp ce pe altele le reduc.
Soliștii măresc și diapazonul tonurilor fundamentale cu „vibrato” –
un efect muzical în care o notă oscilează ușor în înălțimea tonului.
Aceasta creează un sunet mai plin
ce răsună peste instrumente în comparație cu un „vibrato” mai limitat.
Odată ce ating cele mai potrivite tonuri fundamentale
ei aplică alte tehnici pentru a mări volumul acestora.
Soliștii își extind capacitatea plămânilor și își perfecționează postura
pentru un flux de aer consistent și controlat.
Sala de concert contribuie și ea,
cu o suprafață rigidă ce reflectă undele de sunet spre public.
Toți soliștii profită de aceste tehnici,
însă amprentele vocale diverse cer o anumită pregătire fizică.
Un solist wagnerian trebuie să-și dezvolte rezistența
pentru a avea puterea de a trece prin epopeile de patru ore.
În timp ce soliștii de „bel canto” necesită falduri vocale versatile
pentru a sări printre ariile acrobatice.
Chiar și biologia impune unele limite –
nu orice tehnică e posibilă pentru fiecare set de mușchi,
iar vocile se schimbă odată cu vârsta.
Dar fie într-o sală de operă sau într-o cabină de duș,
aceste tehnici pot transforma vocile neamplificate
în capodopere muzicale colosale.
Охваченная жаждой мщения,
на сцену врывается Царица ночи.
Она начинает исполнять свою коронную арию —
одну из наиболее известных партий в любимой опере Моцарта
«Волшебная флейта».
Оркестр заполняет зал музыкой,
но голос Царицы пари́т над звуками инструментов.
Его мелодия разносится над тысячами слушателей
и доходит до мест на расстоянии 40 метров —
и всё это без помощи микрофона.
Как такое возможно, что отдельный голос слышен так отчётливо,
что его не могут заглушить десятки инструментов?
Ответ кроется в физических свойствах человеческого голоса,
а также в отточенной технике оперного вокала высочайшего уровня.
Музыка в оперном театре представляет собой колебания,
создаваемые инструментами,
будь то струны скрипки или голосовые связки певцов.
Эти колебания наполняют воздух волнами, которые наш мозг воспринимает как звук.
Частота этих колебаний,
а именно число волн в секунду,
определяет восприятие нашим мозгом высоты определённой ноты.
Каждая нота, которую мы слышим,
фактически представляет собой сочетание из нескольких колебаний.
Представьте себе колебание гитарной струны на самой низкой частоте.
Это называется основным тоном,
во многом благодаря этому низкочастотному звуку наши уши способны распознать ноту.
Но колебания на самой низкой частоте ведут к появлению дополнительных звуков,
так называемых обертонов, которые накладываются на основной тон.
Эти обертоны можно разложить на особые частоты,
так называемые гармоники,
с помощью которых оперные певцы творят своё волшебство.
Каждая нота обладает набором частот, составляющих её гармонический ряд.
Первая гармоника колеблется с частотой вдвое большей, чем основной тон.
Частота следующей гармоники втрое больше и так далее.
Абсолютно все музыкальные инструменты создают гармонические ряды,
но форма и материал каждого инструмента меняет тембр, или баланс гармоник.
Например, флейта выделяет первые несколько гармоник,
а в нижнем регистре кларнета
более отчётливо резонируют нечётные гармоники.
Отчасти именно сила различных гармоник
придаёт каждому инструменту его уникальный акустический оттенок.
Это свойство также помогает ему выделяться среди других звуков,
поскольку наши уши настроены улавливать определённые частоты лучше, чем другие.
В этом кроется секрет силы распространения звуков вокала.
Оперное сопрано —
самый высокий из четырёх основных голосов —
существует в диапазоне нот с основными тонами
от 250 до 1 500 колебаний в секунду.
Ухо человека лучше улавливает звуки на частотах
от 2 000 до 5 000 колебаний в секунду.
Поэтому, если вокалистка способна извлекать гармоники в данном диапазоне,
она будет стараться попасть в «яблочко», где её голос слышен лучше всего.
Если гармоники окажутся ещё выше,
то это создаст дополнительное преимущество для вокала,
поскольку ограниченные обертоны оркестра на данных частотах окажутся слабее.
В результате артикуляции этих гармоник
получается выразительный звенящий тембр, называемый сквилло — «звон» по-итальянски.
Оперные певцы годами упражняются, вырабатывая свой «звоночек» в голосе.
Они могут издавать высокочастотные звуки,
изменяя форму и напряжённость голосовых связок и речевого тракта.
А меняя положение языка и губ,
вокалисты способны выделять одни обертоны и приглушать другие.
При помощи вибрато певцы повышают число гармоник,
в результате чего нота колеблется по высоте.
В результате голос приобретает глубину звучания
и способен преодолеть сравнительно узкие вибрато инструментов.
Научившись извлекать правильные гармоники,
оперные певцы применяют другие приёмы для увеличения объёма звучания.
Вокалисты учатся расширять ёмкость лёгких и принимать правильное положение тела,
которое способствует возникновению постоянной и управляемой струи воздуха.
Помогает и акустика концертного зала,
от твёрдых поверхностей которого звук отражается к зрителям.
Этими приёмами пользуются все певцы,
однако для различных вокальных оттенков необходима специальная подготовка.
Исполнителям Вагнера требуется развивать выносливость,
чтобы справляться с четырёхчасовыми оперными эпопеями.
А вокалисты бельканто должны обладать гибкими голосовыми связками,
чтобы демонстрировать чудеса исполнения головокружительных арий.
Также определённые ограничения накладывают анатомические особенности:
не все техники исполнения подходят для каждой конфигурации голосовых мышц,
к тому же с возрастом голос певца меняется.
Но вне зависимости поёте ли вы в оперном зале или в душевой кабинке,
данные приёмы помогут превратить акустические голоса
в ошеломляющие музыкальные шедевры.
Kinci bir tutkuya tutunmuş olan Gecenin Kraliçesi
sahne boyunca koşuşturuyor.
Asil aryasını, Mozart'ın çok sevilen operasının
en bilinen parçalarından biri olan
"Sihirli Flüt" ile söylemeye başlıyor.
Orkestra, salonu müzikle dolduruyor
fakat kraliçenin sesi enstrümanları bastırıyor.
Melodisi binlerce kişinin kulaklarında çınlıyor,
40 metre ötedekilere mikrofon yardımı olmadan ulaşabiliyor.
Tek bir sesin düzinelerce enstrümanın üstünde
bu kadar net duyulması nasıl mümkün oluyor?
Yanıtı insan sesinin fiziğinde
ve usta bir opera şarkıcısının dikkatle keskinleşmiş bir tekniğinde yatıyor.
Bu operadaki her müzik,
enstrümanların oluşturduğu titreşimlerden kaynaklanıyor -
bu bir kemanın telleri veya bir müzisyenin ses telleri olabilir.
Bu titreşimler havaya dalgalar gönderirler ve beynimiz bunları ses olarak yorumlar.
Bu titreşimlerin frekansları
özellikle saniye başı dalgaların sayısı
tek bir nota perdesini beynimizin nasıl saptadığını gösterir.
Fakat duyduğumuz her nota
aslında birçok titreşimin bir kombinasyonudur.
Bir gitar telinin en düşük frekansta titrediğini hayal edin.
Buna temel frekans denir,
bu düşük perde, kulaklarımızın bir notayı tanımlamak için
sıklıkla kullandığı şeydir.
Fakat bu en düşük frekans, armonik ses denilen ilave frekansları tetikler
ve temel frekansın üzerindeki katmandadır.
Bu armonik sesler, harmonikler veya ikincil sesler denen
belirli frekanslara bölünürler
ve o sesleri yönetmek,
opera şarkıcılarının, sihirlerini nasıl kullandıklarını gösterir.
Her notanın, harmonik serilerini kapsayan bir dizi frekansı vardır.
İlk sıradaki ikincil ses, temel frekansta iki kez titreşir.
Sonraki ikincil ses, temel frekansta üç kez titreşir ve böyle devam eder.
Neredeyse bütün akustik enstrümanlar harmonik seriler üretir
fakat her enstrümanın şekli ve materyali,
onun harmonik sesindeki dengeyi değiştirir.
Örneğin, bir flüt ilk sıradaki birkaç ikincil sese vurgu yapar
fakat klarnetin en düşük ses perdesi
ve tek sayılı ikincil sesleri çok daha güçlü rezonans üretir.
Çeşitli ikincil seslerin gücü,
her bir enstrümanın eşsiz ses dalgasının bir parçasıdır.
Bu ayrıca, bir enstrümanın kalabalıkta ortaya çıkma yeteneğini de etkiler
çünkü kulaklarımız bazı frekanslara diğerlerinden daha güçlü uyum sağlar.
Bu, bir opera şarkıcısının gücünün yansımasının anahtarıdır.
Bir soprano -
standart dört ses parçasının en yükseği -
saniyede 250'den 1,500'e kadar titreşimli olan
temel frekansta notalar oluşturabilir.
İnsan kulağı, saniyede 2 bin ile 5 bin aralığındaki
frekanslara oldukça duyarlıdır.
Şarkıcı bu aralıktaki ikincil sesleri çıkarırsa
yüksek ihtimalle duyulacağı en etkili duyusal sesi hedef alabilir.
Daha yüksek ikincil sesler de avantajlıdır
çünkü bu frekanstaki armonik sesi
daha zayıf olan orkestradan daha az rekabet gelir.
Bu ikincil seslerin vurgulanmasının sonucu
şarkıcının çınlama sesi adı verilen
ve kendine özgü çınlaması olan bir ses tınısıdır.
Opera şarkıcıları, çınlama sesi çıkarabilmek için onlarca yıl çalışırlar.
Ses telleri ile ses yollarının
şeklini ve gerginliğini değiştirerek daha yüksek frekanslar üretebilirler.
Ayrıca dilleri ve dudaklarının pozisyonunu değiştirerek
bazı armonik sesleri ortaya çıkarıp diğerlerini azaltabilirler.
Şarkıcılar ayrıca ikincil ses aralıklarını titreştirme yoluyla artırabilirler -
titreştirme, bir notanın perdesinin dalgalandığı müzikal bir etmen.
Bu etmen, nispeten daha dar titreştirmeye sahip olan
enstrümanların önüne geçen daha detaylı bir ses üretir.
Doğru ikincil sesleri elde ettiklerinde,
ses güçlerini yükseltmek için başka teknikler kullanırlar.
Şarkıcılar, tutarlı ve kontrollü hava akımı için
akciğer kapasitelerini genişletirler ve vücut duruşlarını geliştirirler.
Ses dalgalarını seyirciye yansıtan sert yüzeylerle
konser salonu da buna yardımcı olur.
Bütün şarkıcılar bu tekniklerden faydalanırlar
fakat farklı ses karakterleri için farklı fiziksel hazırlıklar gerekir.
Wagner ekolünden gelen bir şarkıcının
bestecinin dört saatlik epik eserini kararlı olarak sürdürmesi için
dayanıklılığını geliştirmesi gerekir.
Öte yandan, bel kanto şarkıcılarının akrobatik aryalara sıçramaları için
çok yönlü ses tellerinin olması gerekir.
Biyoloji bu duruma bazı sınırlar koyuyor
her kas için her teknik makul değildir
ve şarkıcılar yaş aldıkça onların sesleri değişir.
Fakat opera salonunda veya duşta da olsanız
bu teknikler, güçlendirilmemiş sesleri
gürleyen müzikal başyapıtlara dönüştürebilir.
满怀复仇的激情，
夜后狂奔着穿过舞台。
她开始歌唱以她为名的咏叹调，
这是莫扎特脍炙人口的歌剧
《魔笛》中最著名的选段之一。
管弦乐队的音乐回荡在大厅，
但夜后的歌声凌驾于乐器的演奏之上。
歌声的旋律在数千名听众中回响，
甚至能传达到 远在四十米以外的座位——
完全没有借助麦克风。
在几十种乐器同时演奏的情况下，
为何能如此清晰地 听到这一人的歌声呢？
答案藏在人类声音的物理特性
以及专业歌剧演唱家 精心锤炼的技巧中。
歌剧院中的所有音乐
都由乐器的振动产生——
无论是小提琴的琴弦， 亦或是演唱者的声带。
这些振动将声波传递至空气中， 而我们的大脑将其识别为声音。
振动的频率——
确切来说，每秒中的波数——
就是大脑判定单个音符音高的依据。
但实际上，我们听到的每个音符
都是多个振动的组合。
想象以最低频率振动的吉他弦。
这叫做 “基音” ，
我们的耳朵大多是用 这个低音来辨别音符的。
但这个最低振动会触发 额外的振动频率，叫做 “泛音”，
泛音会叠加在基音之上。
这些泛音能分解成特定的频率，
称为 “谐波” ，或 “分音” ——
而操纵分音就是歌剧演唱家 施展魔法的手段。
每个音符都有一个 “泛音列”， 由一组频率构成。
第一分音的振动频率 是基音的两倍，
第二分音的振动频率 是基音的三倍，以此类推。
几乎所有的原声乐器 均会产生泛音列，
但是每种乐器的形状和材质 会影响其泛音的平衡。
比如说，长笛突出强调前几个分音，
而在单簧管的最低音区，
奇数的分音共振最强。
不同分音的强度
在一定程度上赋予了 每种乐器独特的音质，
同时，还影响了乐器 在人群中脱颖而出的能力，
因为人们的耳朵更加适应某些频率。
这就是歌剧演唱者穿透力的关键。
一位歌剧女高音——
四部和声中最高的声部——
能唱出音符的基音频率
介于每秒 250 到 1500 次之间。
人耳最敏感的频率
介于每秒 2000 到 5000 次之间。
因此，如果演唱者能 发出这个范围内的分音，
她就能瞄准听觉的 “甜蜜区”， 也就是最有可能被听到的范围。
更高的分音也很有优势，
因为在这些频率区间， 乐器的泛音更弱，
造成的干扰也更少。
强调这些分音的结果
是一种独特的嘹亮音色， 叫做歌唱者的 “共振峰”（squillo）。
歌剧演唱者苦练数十载， 以打造出自己的 “共振峰” 。
通过调整声带和声道的形状和张力，
他们可以发出频率更高的声音。
而通过改变舌头和嘴唇的位置，
他们可以加强某些泛音， 同时弱化另一些泛音。
歌唱者也可以用 “颤音” 来扩展分音的音域——
这是一种音符在音高上 轻微振荡的音乐效果。
颤音能打造出更加饱满的声音，
比乐器相对狭窄的颤音更加响亮。
一旦掌握了正确的分音后，
歌唱家们使用其他的技术来增强音量。
他们扩大肺活量，并完善自己的仪态，
以获得持续、可控的气流。
音乐厅本身也有所助益，
刚性表面能把声波反射到观众中。
所有的演唱者都会利用这些技术，
但不同的声音特点 需要不同的体态准备。
一位瓦格纳歌剧的歌唱家 需要锻炼耐力，
才能坚持唱完瓦格纳 长达四小时的鸿篇巨著。
而美声唱法歌唱家 则需要灵活多变的声带，
来演绎难度高超的咏叹调。
生理也会设置局限——
并不是每项技巧 对每组肌肉都适用，
随着年龄增加， 歌唱家的声音也有所变化。
但无论是在歌剧院还是淋浴间，
这些技巧能把未经放大的声音
变成雷鸣般的音乐杰作。
夜后帶著復仇的激情， 在舞台上狂奔。
她開始演唱那首同名的詠嘆調，
這是樂迷喜愛的 莫札特作品《魔笛》中
最有名的橋段之一。
交響樂團讓音樂在整個廳中迴盪，
但夜后的聲音還能盤旋在樂器之上。
其弦律穿越了數以千計的觀眾，
能夠傳到四十公尺外的座位——
完全沒有任何麥克風的幫助。
一個人的音怎麼有可能 被聽得這麼清楚，
而不會被數十種樂器給淹沒？
答案在於人類聲音中的物理學，
以及專家級歌劇演唱家 仔細鍛鍊出來的技巧。
這間歌劇院中的所有音樂都源自於
樂器所創造出來的振動——
不論是小提琴的弦 或表演者的聲帶。
這些振動會在空氣中產生音波，
大腦則把音波詮釋為聲音。
這些振動的頻率——
明確來說，就是每秒鐘的波數——
就是大腦判定音符音高的依據。
但，事實上，我們聽見的每個音符
其實都是多種振動的組合。
想像吉他的弦 用它最低的頻率振動。
這就叫做基音，
我們的耳朵大部分都是 用這種低音來辨識音符。
但，這種最低的振動會觸發 額外的頻率，稱為泛音，
泛音疊在基音之上。
這些泛音能拆解成明確的頻率，
稱為諧波或分音——
歌劇演唱家的魔法 就是來自於操控它們。
每個音符都有一組頻率， 構成它的泛音列。
第一分音的振動頻率 是基音的兩倍。
下一個分音的震動頻率則是 基音頻率的三倍，以此類推。
實際上，所有的聲學樂器 都會產生出泛音列，
但每種樂器的形狀和材質 會改變它的諧波平衡。
比如，笛子著重的是前幾個分音，
但在單簧管的最低音域中，
奇數分音的共振會最強。
各種分音的強度
是讓樂器擁有其獨特 聲音特徵的其中一個原因。
它也會影響樂器 能否脫穎而出的能力，
我們的耳朵比較能聽見 某些頻率，勝過其他頻率。
這就是歌劇演唱家 具有投射力的關鍵。
歌劇的女高音——
和聲的標準四部當中最高的——
所產生出來的音符，其基本頻率
範圍在每秒鐘兩百五十 到一千五百次振動。
人類耳朵最敏感的頻率範圍
是每秒鐘兩千到五千次振動。
如果演唱家能發出 這個範圍內的分音，
她就能命中感官上的紅心， 讓她的聲音能最有效地被聽見。
較高的分音也有優勢，
因為比較不會有來自 交響樂團的競爭，
交響樂團的泛音 在那些頻率上是比較弱的。
著重這些分音的結果，
就是會產生出獨特的響亮音質， 稱為演唱家的共振鋒。
歌劇演唱家要花數十年的時間 才能創造出他們的共振鋒。
他們能夠調整他們聲帶 和聲道的形狀和張力，
來產生較高的頻率。
透過變動舌頭和嘴脣的位置，
他們便能強調出某些泛音， 抑制其他的泛音。
演唱家也能用顫音的方式 來讓他們的分音範圍更廣——
顫音是一種音樂效果， 讓音符的音高上下波動。
就能產生出更完整的聲音，
在樂器相對比較狹窄的 顫音中顯得更響亮。
有了對的分音之後，
他們就會採用其他技巧來增大音量。
演唱家會增進他們的肺活量
並採用完美的姿勢 來確保氣流穩定、受控制。
音樂廳也有幫助，
廳內的堅硬表面能把聲波 朝觀眾反射回去。
所有的演唱家都會利用這些技巧，
但不同的聲音特徵會需要 身體做出不同的準備。
華格納的演唱家就需要培養耐力，
才能應付華格納足足 四小時的史詩作品。
而傳統義大利歌劇演唱家 則需要有多樣性的聲帶，
才能應付高難度的詠嘆調獨唱。
生物也造成一些限制——
並不是每一種肌肉組 都適合做每一種技巧，
且隨著演唱家老化， 聲音也會改變。
但不論是在歌劇院或淋浴間裡，
這些技巧都能把 沒有放大增強的聲音
轉變成雷鳴般的音樂傑作。