Elle Pérez Travaille Entre Les Cadres | Art21 "New York Close Up"

Dans son studio à Brooklyn, la photographe Elle Pérez réfléchit au pouvoir qu'a le photographe de capturer ce que les mots ne peuvent décrire. Tandis qu'elle sélectionne des extraits de textes qui l'inspirent, examine des tirages et crée un collage mural géant fait de mots et d'images, Pérez explique comment elle a commencé en photographiant des apprentis catcheurs dans leur quartier natal du Bronx. Pérez rattache la mise en scène et la chorégraphie propres à ces catcheurs à son propre processus de création de portraits ; "Je ne pense pas qu'il soit possible d'utiliser un appareil photo sans immédiatement créer une forme de fiction," explique Pérez.

Prenant des photos dans l'un des parcs de Bushwick, Pérez collabore avec son sujet pour créer une photographie. L'artiste explique candidement que le caractère brut, viscéral et émotionnellement authentique de ses photographies est souvent pris, par erreur, pour de la photographie documentaire ; pourtant, malgré leur rendu naturel, ses photographies sont minutieusement mises en scène. Né de cette relation intime avec chaque sujet, Pérez décrit son travail comme autant de traces du vécu queer, qui pour autant ne montrent pas le spectacle de ce vécu - que ce soit le gros-plan d'une main ensanglantée entre deux cuisses, ou un homme enveloppé dans une serviette montrant les cicatrices en forme de U sur sa poitrine. Pérez rattache le caractère indéfinissable de l'identité queer à la photographie, définissant l'image comme "le parfait contenant car jamais complétement définitif."

Elle Pérez vit et travaille à Brooklyn, New York. En savoir plus à propos de l'artiste : https://art21.org/artist/elle-perez

CRÉDITS | "New York Close Up" Producteur : Nick Ravich. Réalisation : Lorena Alvarado & Adam Golfer. Édition : Lorena Alvarado. Chef opérateur : Adam Golfer. Ingénieur son : Lorena Alvarado. Caméra supplémentaire : John Marton. Musique : Beach Moon/Peach Moon. Étalonnage couleur : Jonah Greenstein. Étalonnage son : Adam Boese. Design & Graphisme : Chips. Oeuvres mises à disposition : Elle Pérez. Remerciements : 47 Canal, Ian Forster, Gleason Gym, Jamie Kenyon, Nicole Myles, & Xochitl Perez. © Art21, Inc. 2019. Tous droits réservés.

[Bruit de l'obturateur]

[Elle Pérez, artiste]

J'aime cet espace où quelque chose
est une photographie

et pas nécessairement un mot.

Ou, vous n'avez pas encore trouvé
les mots pour ce que vous cherchez.

Quelque chose peut vivre en photographie
sans être définitif.

[Elle Pérez travaille entre les cadres]

Mon cousin Alex est catcheur
dans le Bronx.

Je lui ai envoyé un message
"Puis-je te photographier ?"

Et, il m'a répondu
"Oui, mais ne dis rien à ma famille."

Quand je photographiais les catcheurs,

j'étais intéressée par la chorégraphie
du match,

car dans la lutte de divertissement,
tout est scénarisé

et tout est chorégraphié.

Il y a des manières de bouger le corps

pour donner l'impression
de souffrir beaucoup.

Si vous étiez accroché aux cordes
comme Joe le fait,

ce moment devient presque
sculptural.

[RIRES]

Je ne pense pas qu'il soit possible

d'utiliser un appareil photo sans
immédiatement créer une forme de fiction.

Tout cela concerne une aspiration
vers la comédie.

[Bruits du métro]

Dans un sens, mon travail a toujours
été le fruit d'une collaboration.

Et c'est pour ça que je ne le considère
pas comme un documentaire.

Et mon travail avait un rapport si brut,
viscéral, à l'authenticité émotionnelle,

qu'on me conseillait souvent de me
lancer dans le documentaire.

Mais je n'ai jamais réussi à
en comprendre l'éthique.

L'éditeur de National Geographic
m'a reproché

que mes photos induisaient en erreur,

parce qu'elles ressemblaient à des
photos documentaires,

alors qu'en fait, elles étaient
mises en scène.

Ça a l'air naturel.

C'est quand même mis en scène.

[Bruit d'obturateur]

Clairement, l'emplacement géographique de
la plupart des photos -

que ce soit dans le Bronx ou
au Puerto Rico -

est très important, et je n'y pense
pourtant pas plus que ça.

J'y pense plutôt comme étant relié
aux personnes.

Elles sont toutes faites de
relations très fortes.

Mais comment faire pour montrer quelque
chose de lié à une expérience particulière

sans en montrer le spectacle ?

La photographie de la main,

dégage une sensation tellement viscérale,
tellement physique

de ce que deux corps peuvent faire.

La photographie permet de représenter
ce que l'on ne peut en fait pas imager.

C'est tellement lié à l'identité,
et c'est tellement lié à

la capacité que les surfaces ont de
contenir les traces d'une expérience.

Un "binder" est un vêtement
comprimant la poitrine qui,

était conçu à l'origine pour les hommes
dotés d'un excédant de poitrine.

Puis, cela a été récupéré par la
communauté transmasculine.

La photograhie que j'ai faite
de mon binder

n'a été possible qu'après l'avoir porté
pendant environ cinq ans.

Il était en lambeaux.

L'effort et la douleur de ce vêtement,

tout cela est visible dans le tissu même -

et dans la façon de le photographier avec
une mise au point sur des détails précis.

Les images sont mises au point
sur une couture,

ou sur le tatouage d'une personne,

ou sur son visage.

Puis quand on la voit à l'échelle,

on peut développer une certaine proximité
avec le détail

qui est impossible dans une relation
quotidienne.

Ces collages muraux géants que j'avais
l'habitude de dessiner -

que ce soit dessiner pour écrire,

ou dessiner depuis un texte, ou des
fragments de textes -

juste en regardant les choses et en les
laissant se réfléchir vers moi

afin que je puisse les étudier.

Puis, doucement, les choses apparaissent
dans le travail.

La forme étant reliée à l'identité queer
car indéfinissable et non délimitée,

doit avoir en son sein un tel espace de
possibilité pour ne serait-ce qu'être.

Quelque chose tel qu'une photographie est
alors le contenant parfait,

parce que ce n'est jamais
totalement définitif.