A canvas drenched in sunset hues, colors radiating like flame.
At first glance, this painting may appear to be an impossible, abstract image.
But a closer look reveals the tender stems,
lush petals and velvety texture of a Canna Lily.
This metamorphosis of natural subjects into abstract geometry
is commonplace in the work of Georgia O’Keeffe—
the revolutionary American painter and sculptor.
But the magic behind this transformation remains
just as elusive as the artist herself.
Born in Wisconsin in 1887, O’Keeffe spent her childhood plucking wildflowers
and arranging fruits to paint.
At seventeen, she moved to Chicago to study at the prestigious Art Institute.
Her teachers trained her to faithfully reproduce reality
in the conventions of European masters.
Although she enjoyed the solitude and precision of this work,
O’Keeffe felt little personal connection to it.
After moving to New York, she was increasingly drawn to the clean lines,
striking composition and vivid colors of Japanese art.
O’Keeffe soon found a teacher whose lessons inspired her
to put those interests into practice.
Unlike her previous teachers,
Arthur Wesley Dow urged his students to focus on more abstract representations
of light, shape, and color.
These lessons manifested in O’Keeffe’s first series of abstract drawings.
Rendered in charcoal, they present a series of undulating lines,
bold shading and billowing clouds.
These drawings defy easy classification—
suggesting, but never quite matching, any specific natural reference.
Earlier European painters in the Cubist tradition
had employed rigid geometry to abstract external subjects.
But here, O’Keeffe employed the shapes and rhythms of nature
to capture her internal feelings.
Experiments like these would soon become a cornerstone
of an artistic movement called American Modernism.
Although no single style defines Modernist painting,
its proponents shared a desire to challenge the realist traditions
that dominated art education.
Beginning in the late 1910’s, Modernist painting
often used geometric shapes and bold colors
to probe the American psyche.
O’Keeffe threw herself into these experiments —
but she was reluctant to share her new work.
However, when a friend sent her charcoals to the art dealer Alfred Stieglitz,
he became entranced.
In 1916, he arranged for a grand exhibition in New York.
This marked the beginning of O’Keeffe’s career as a popular artist—
and a relationship that would lead to marriage in 1924.
Marriage didn’t diminish O’Keeffe’s taste for solitude.
She travelled widely to teach,
and often retreated to paint for months at a time.
Whether she was exploring the craggy canyons of Texas,
the quiet forests of South Carolina, or the sun-bleached desert of New Mexico,
her creative process was based on ritual and close observation.
She paid meticulous attention to small details,
and spent hours mixing paints to create exactly the right colors.
When she found the perfect hue, she’d record it
in her ever-growing collection of handmade color cards.
O’Keeffe also experimented with perspective to celebrate objects
that were often overlooked.
In "Rams Head with Hollyhock,"
she places a weathered skull and a delicate flower
high above the hills below.
This massive skull overshadows the landscape,
casting both the skeleton and the mountains in a new, eerie light.
The public was captivated by her unique perspective and secretive behavior.
She was particularly praised for her massive flower paintings,
ranging from fiery poppies to ghostly calla lillies.
Stieglitz and other critics of the time were infatuated by Freudian psychology,
and were quick to link these paintings to female genitalia.
But O’Keeffe dismissed such interpretations.
She resented the male gaze that dominated the art world,
and demanded her work be respected
for its emotional evocation of the natural world.
Eventually, O’Keeffe settled down in New Mexico,
near one of her favorite artist retreats.
In her 70’s, her eyesight began to fail,
but she continued to mine the landscape’s mysteries in new, tactile mediums.
O’Keeffe kept creating until her death at 98,
and is remembered as the “Mother of American Modernism.”
Decades on, her work retains its wild energy—
and O’Keeffe her personal mystique.
لوحة غارقة بألوان الغروب، تشع الألوان مثل اللهب.
للوهلة الأولى، تظهر هذه اللوحة على أنها صورة مجردة.
لكن النظرة الفاحصة تكشف سيقاناً رقيقة
وبتلات مورقة ونسيجاً مخملياً لوردة القنا الهندي.
هذا التحول من المواد الطبيعية إلى الهندسة المجردة
أمر شائع في عمل جورجيا أوكيف -
الرسامة والنحاتة الأمريكية الثائرة.
لكن لا يزال السحر وراء هذا التحول
محيرًا تمامًا مثل الفنانة نفسها.
ولدت في ويسكونسن عام 1887، قضت أوكيف طفولتها تقطف الزهور البرية
وترتب الفاكهة لترسمها.
في السابعة عشرة، انتقلت إلى شيكاغو للدراسة في معهد الفنون المرموق.
دربها معلموها لإعادة إنتاج الواقع بدقة
على طريقة الأساتذة الأوروبيين.
على الرغم من أنها استمتعت بالعزلة ودقة هذا العمل،
شعرت أوكيف بالقليل من الاتصال به.
بعد انتقالها إلى نيويورك، كانت تنجذب بشكل متزايد إلى الخطوط النظيفة
والتكوين المذهل والألوان الزاهية في الفن الياباني.
وسرعان ما عثرت أوكيف على معلم ألهمها بدروسه
لوضع شغفها في حيز التنفيذ.
على عكس معلميها السابقين،
حث آرثر ويسلي داو طلابه للتركيز على تمثيلات أكثر تجريدية
للضوء والشكل واللون.
تتضح هذه الدروس في السلسلة الأولى لأوكيف من الرسومات التجريدية.
مقدمة في الفحم، قدمت سلسلة من الخطوط المتموجة
والتظليل العريض والسحب المتصاعدة.
تتحدى هذه الرسومات التصنيف السهل-
من خلال ما توحيه، ولكن لا تتطابق تمامًا مع أي مرجع طبيعي محدد.
الرسامون الأوروبيون الأوائل في النمط التكعيبي
استخدموا هندسة جامدة للتعبير عن المواد الخارجية.
ولكن هنا، تستخدم أوكيف أشكال وإيقاعات الطبيعة
لتصوير مشاعرها الداخلية.
تجارب كهذه ستصبح قريبًا حجر الزاوية
لحركة فنية تسمى الحداثة الأمريكية.
على الرغم من عدم تحديد نمط واحد للرسم الحداثي،
شارك أنصاره رغبة لتحدي التقاليد الواقعية
التي هيمنت على تعليم الفن.
ابتداءً من أواخر عام 1910، استخدم الرسم الحداثي
غالبًا الأشكال الهندسية والألوان الغامقة
لاستكشاف الروح الأمريكية.
شغلت أوكيف نفسها بهذه التجارب-
لكنها كانت مترددة لمشاركة عملها الجديد.
ومع ذلك، عندما أرسلت صديقة لها أعمالها إلى الوسيط الفني ألفريد ستيغليتز،
أصبح مفتونًا.
في عام 1916، رتب لمعرض كبير في نيويورك.
كان هذا بداية عمل أوكيف كفنانة شعبية-
والعلاقة التي ستقود إلى الزواج عام 1924.
لم ينتقص الزواج من تذوق أوكيف لطعم العزلة.
سافرت كثيرًا للتدريس،
وغالبًا ما انعزلت للرسم لشهور في كل مرة.
سواء كانت تستكشف وديان تكساس الصاخبة،
أو الغابات الهادئة في ولاية كارولينا الجنوبية أو صحراء نيو مكسيكو المندثرة بالشمس
استندت عمليتها الإبداعية على الطقوس والملاحظة الدقيقة.
أولت اهتمامًا كبيرًا إلى التفاصيل الصغيرة،
وقضت ساعات في خلط الصبغات لإنشاء الألوان المناسبة تمامًا.
عندما تجد صبغة مثالية، تقوم بتسجيلها
في مجموعتها المتزايدة من بطاقات ملونة مصنوعة يدويًا.
اختبرت أوكيف أيضًا تغيير المنظور للاحتفال بالأشياء
التي غالبًا ما يتم تجاهلها.
في لوحة "طبيعة من التلال يعلوها رأس خروف وزهرة"
تضع جمجمة متهالكة مع زهرة رقيقة
عاليًا فوق التلال أدناها.
هذه الجمجمة الضخمة تلقي بظلالها على المشهد،
مما يلقي الهيكل العظمي والجبال في ضوء جديد مخيف.
أُسِر الجمهور بمنظورها الفريد وأسلوبها الخاص.
ولاقت استحسانًا بشكل خاص بسبب لوحاتها الضخمة من الزهور،
بدءًا من الخشخاش الناري لشبح يليس كالا.
فتن ستيغليتز والنقاد الآخرون في ذلك الوقت بعلم النفس الفرويدي،
وسرعان ما ربطوا هذه اللوحات بأعضاء المرأة التناسلية.
لكن أوكيف رفضت مثل هذه التفسيرات.
استاءت من نظرة الذكور التي سيطرت على عالم الفن،
وطالبت باحترام عملها
لاستحضاره العاطفي للعالم الطبيعي.
استقرت أوكيف في النهاية في نيو مكسيكو،
بالقرب من أحد ملاذاتها المفضلة.
في السبعينيات، بدأ بصرها يضعف،
لكنها واصلت استكشاف ألغاز المنظر الطبيعي في وسائل جديدة ملموسة.
ظلت أوكيف في الإبداع حتى وفاتها وهي بعمر 98 عامًا،
وتوصف بأنها "أم الحداثة الأمريكية".
مضت عقود، وما زال عملها يحتفظ بطاقته الجامحة-
وغموض أوكيف الشخصي.
Un lienzo bañado por tonos de atardecer, colores irradiando como una llama.
A primera vista, esta pintura puede parecer imposible, una imagen abstracta.
Pero un vistazo más cercano revela tallos tiernos,
pétalos exuberantes y textura aterciopelada de una canna indica.
Esta metamorfosis de temas naturales en geometría abstracta
es común en el trabajo de Georgia O'Keeffe,
la revolucionaria pintora y escultora estadounidense.
Pero la magia detrás de esta transformación sigue siendo
tan esquiva como la propia artista.
Nacida en Wisconsin en 1887,
O'Keeffe pasó su infancia recogiendo flores
y colocando frutas para pintarlas.
A los 17 años, se mudó a Chicago a estudiar en el prestigioso Art Institute
Sus maestros la formaron para reproducir fielmente la realidad
en las convenciones de los maestros europeos.
Aunque disfrutaba de la soledad y precisión de este trabajo,
O'Keeffe sintió poca conexión personal con él.
Después de mudarse a Nueva York,
se sintió cada vez más atraída por líneas limpias,
la composición llamativa y vivos colores del arte japonés.
O'Keeffe encontró pronto un profesor cuyas lecciones la inspiraron
a poner en práctica esos intereses.
A diferencia de sus otros profesores,
Arthur Wesley Dow instó a sus alumnos a centrarse
en representaciones más abstractas
de la luz, la forma y el color.
Estas lecciones se manifiestan en las primeras series
de dibujos abstractos de O'Keeffe.
Hechos en carboncillo, representan una serie de líneas onduladas,
sombreado audaz y nubes ondulantes.
Estos dibujos desafían una clasificación sencilla:
sugieren, pero no coinciden, con una referencia natural específica.
Los primeros pintores europeos en la tradición cubista
habían empleado geometría rígida para abstraer temas externos.
Pero aquí, O'Keeffe empleó las formas y ritmos de la naturaleza
para capturar sus sentimientos internos.
Estos experimentos pronto se convertirían en la piedra angular
de un movimiento artístico llamado Modernismo americano.
Aunque ningún estilo define la pintura Modernista,
sus defensores compartieron un deseo de desafiar las tradiciones realistas
que dominaron la educación artística.
A partir de finales de 1910, la pintura modernista
solía emplear figuras geométricas y colores llamativos
para explorar la psique americana.
O'Keefe se lanzó a estos experimentos,
pero era reacia a compartir su nuevo trabajo.
Sin embargo, cuando un amigo envió sus carboncillos
al comerciante de arte Alfred Stieglitz,
él quedó fascinado.
En 1916, organizó una gran exposición en Nueva York.
Esto marcó el inicio de la carrera de O'Keefe como una artista popular,
y una relación que acabaría en matrimonio en 1924.
El matrimonio no disminuyó el gusto de O'Keefee por la soledad.
Viajó mucho para enseñar,
y a menudo se retiraba para pintar durante meses de un tirón.
Tanto si estaba explorando los escarpados cañones de Texas,
los bosques tranquilos de Carolina del Sur o el blanqueado desierto de Nuevo México,
su proceso creativo se basó en el ritual y la observación cercana.
Prestó una atención meticulosa a los pequeños detalles,
y pasó horas mezclando pinturas para crear los colores correctos exactos.
Cuando encontraba el azul perfecto lo registraba
en su creciente colección de tarjetas de colores hechas a mano.
O'Keeffe también experimentó con la perspectiva para conmemorar objetos
que a menudo se pasaban por alto.
En "Rams Head with Hollyhock",
coloca una calavera desgastada y una flor delicada
en lo alto de las colinas bajo ellos.
Este enorme cráneo eclipsa el paisaje,
proyectando tanto el esqueleto como las montañas en una nueva e inquietante luz.
El público quedó cautivado por su perspectiva única
y su comportamiento reservado.
En especial, fue elogiado por sus enormes pinturas de flores,
que van desde amapolas ardientes hasta cannas indicas fantasmagóricas.
Stiegliz y otros críticos de la época
estaban obsesionados con la psicología freudiana,
y rápidamente vincularon estas pinturas a los genitales femeninos.
Pero O'Keeffe desestimó tales interpretaciones.
Le molestaba la visión masculina que dominaba el mundo del arte,
y demandó que su trabajo fuera respetado
por su evocación emocional del mundo natural.
Finalmente, O'Keeffe se estableció en Nuevo México,
cerca de uno de sus artistas retirados favoritos.
Con 70 años, su visión empezó a fallar,
pero continuó extrayendo los misterios del paisaje en nuevos medios táctiles.
O'Keeffe continuó creando hasta su muerte con 98 años,
y es recordada como "la madre del Modernismo americano".
Décadas después, su trabajo mantiene su energía salvaje,
y O'Keeffe su mística personal.
Une toile aux tons de crépuscule, des couleurs qui luisent comme une flamme.
À première vue, ce tableau peut paraître une image impossible et abstraite.
Mais, un examen plus approfondi révèle les tiges tendres,
les pétales luxuriants et la texture veloutée d'une canna.
Cette métamorphose des sujets naturels en géométrie abstraite
est courante dans l'oeuvre de Georgia O'Keeffe —
la peintre et sculptrice américaine révolutionnaire.
Mais, la magie derrière cette transformation reste
tout aussi insaisissable que l'artiste elle-même.
Née dans le Wisconsin en 1887, elle passe son enfance à cueillir des fleurs sauvages
et à disposer des fruits pour les peindre.
À 17 ans, elle s'installe à Chicago pour étudier au prestigieux Art Institute.
Ses professeurs lui enseignent à reproduire fidèlement la réalité
dans les conventions des maîtres européens.
Même si elle apprécie la solitude et la précision de ce travail,
O'Keeffe n'y sent pas vraiment un attachement personnel.
Après avoir déménagé à New York, elle est plus attirée par les traits nets,
la composition saisissante et les couleurs vives de l'art japonais.
O'Keeffe trouve vite un maître dont les leçons l'amènent
à mettre ses intérêts en pratique.
Contrairement à ses anciens maîtres,
Arthur Wesley Dow pousse ses étudiants vers des représentations plus abstraites
de la lumière, des formes et des couleurs.
Ces leçons s'expriment dès les premiers dessins abstraits d'O'Keeffe.
Travaillés au fusain, ils présentent une série de lignes ondulantes,
des ombres audacieuses et des nuages gonflés.
Ces dessins défient toute classification évidente —
suggérant, sans vraiment correspondre, des références naturelles précises.
Les peintres précurseurs européens de la tradition cubiste
avaient utilisé une géométrie rigide pour abstraire des sujets externes.
Mais ici, O'Keeffe emploie les formes et les rythmes de la nature
pour représenter ses sentiments intérieurs.
De telles expériences seront bientôt la pierre angulaire
d'un mouvement artistique appelé le Modernisme américain.
Bien qu'aucun style ne définisse à lui seul la peinture moderniste,
ses adeptes partagent le désir de remettre en cause les traditions réalistes
qui dominent l'éducation artistique.
À partir de la fin des années 1910, la peinture moderniste
utilise souvent des tons vifs et des formes géométriques
pour explorer la psyché américaine.
O'Keeffe se lance dans ces expériences —
mais, elle reste réticente à partager son nouveau travail.
Mais, quand une amie envoie ses fusains au marchand d'art Alfred Stieglitz,
il se laisse envoûter.
En 1916, il organise une grande exposition à New York.
Elle marque le début de la carrière d'O'Keeffe comme artiste populaire —
et d'une relation qui mènerait au mariage en 1924.
Le mariage n'estompe pas le goût de O'Keeffe pour la solitude.
Elle voyage beaucoup pour enseigner
et s'isole souvent pour peindre pendant des mois.
Que ce soit pour explorer les canyons escarpés du Texas,
les forêts paisibles de Caroline du Sud, ou le désert roussi du Nouveau-Mexique,
son processus créatif se base sur le rituel et l'observation attentive.
Elle porte une attention méticuleuse aux petits détails
et elle s'attarde à mélanger les peintures pour créer exactement les bonnes couleurs.
Quand elle trouve le ton parfait, elle l'enregistre
dans sa collection toujours croissante de cartes de couleurs faites à la main.
O'Keeffe expérimente également avec la perspective pour souligner des objets
qui étaient souvent négligés.
Dans « Rams Head with Hollyhock »,
elle place un crâne patiné et une fleur délicate
en hauteur au-dessus des collines en contrebas.
Ce crâne massif éclipse le paysage,
plongeant le squelette et les montagnes dans une lumière nouvelle et inquiétante.
Son regard unique captive le public, ainsi que son comportement énigmatique.
Elle est particulièrement appréciée pour ses toiles de fleurs massives,
allant des coquelicots ardents aux arums fantomatiques.
Stieglitz et d'autres critiques à l'époque s'entichent de psychologie freudienne
et associent rapidement ces oeuvres à des organes génitaux féminins.
Mais, O'Keeffe rejette de telles interprétations.
Elle n'aime pas le regard masculin qui règne dans l'art
et demande le respect de son travail
pour son évocation émotionnelle du monde naturel.
Finalement, O'Keeffe s'installe au Nouveau-Mexique,
près de l'une de ses retraites d'artistes préférées.
À 70 ans, sa vue commence à baisser,
mais elle continue d'explorer les mystères du paysage sur de nouveaux supports.
O'Keeffe continue à créer jusqu'à sa mort à 98 ans,
et, dans les mémoires, elle reste la « mère du modernisme américain ».
Des années plus tard, son œuvre conserve son énergie sauvage —
et O'Keeffe sa mystique personnelle.
קנוואס ספוג בגוונים של שקיעה, צבעים שקורנים כמו להבה.
במבט ראשון, הציור הזה אולי נראה כתמונה אבסטרקטית בלתי אפשרית.
אבל במבט מקרוב מתגלים הענפים העדינים,
עלי כותרת מלאים ומרקם קטיפתי של שושנת המים.
המהפך הזה של נושאים טבעיים לגאומטריה אבסטרקטית
נפוץ בעבודות של ג'ורג'יה אוקיף --
הציירת והפסלת האמריקאית המהפכנית.
אבל הקסם מאחורי המהפך הזה נשאר
חמקני כמו האמנית עצמה.
היא נולד בוויסקונסין ב 1887, ובילתה את ילדותה בקטיפת פרחים
וארגון פירות לציור.
בגיל שבע עשרה, היא עברה לשיקגו כדי ללמוד במכון האמנות היוקרתי.
המורים שלה אימנו אותה לשחזר בנאמנות את המציאות
במוסכמות של המאסטרים הארופאים.
למרות שהיא נהנתה מהבדידות ומהדיוק של העבודה הזו,
אוקיף הרגישה מעט מאוד חיבור אישי אליה.
אחרי שעברה לניו יורק, היא נמשכה יותר ויותר לקוים הנקיים,
לקומפוזיציה המרשימה ולצבעים הבוהקים של האמנות היפנית.
אוקיף מצאה במהרה מורה שהשיעורים שלו נתנו לה השראה
ליישם את תחומי העניין האלה.
בניגוד למורים הקודמים שלה,
ארתור ווסלי דאו דחק בתלמידים שלו להתמקד בייצוגים יותר מופשטים
של אור, צורה וצבע.
השיעורים האלה התגשמו בסדרה הראשונה של אוקיף של ציורים מופשטים.
מצויירים בפחם, הם מייצגים סדרה של קוים גליים,
הצללה נועזת ועננים חושרים.
הציורים האלה מאתגרים הגדרה פשוטה --
מה שמציע, אבל לעולם לא בדיוק מתאים, לכל יחוס טבעי מסויים.
ציירים ארופאים מוקדמים במסורת הקוביסטית
יישמו גאומטריה נוקשה כדי לפשט נושאים חיצוניים.
אבל פה, אוקיף השתמשה בצורות ובמקצבים של הטבע
כדי ללכוד את הרגשות הפנימיים שלה.
נסיונות כאלה יהפכו במהרה לאבן הפינה
של התנועה האמנותית שנקראת מודרניזם אמריקאי.
למרות שאף סגנון לא מגדיר ציורים מודרניים,
החסידים שלו חולקים את התשוקה לאתגר את המסורות הראליסטיות
ששולטות בחינוך האמנותי.
החל משלהי העשור השני של המאה ה20, ציורים מודרניים
הרבה פעמים השתמשו בצורות גאומטריות וצבעים עזים
כדי לבחון את הנפש האמריקאית.
אוקיף נמשכה לניסויים האלה --
אבל היא הסתייגה מלחלוק את העבודות החדשות שלה.
עם זאת, כשחבר שלח את ציורי הפחם שלה לסוחר האמנות אלפרד סטיגליץ,
הוא הוקסם.
ב 1916, הוא ארגן תערוכה גדולה בניו יורק.
זה סימן את ההתחלה של הקריירה של אוקיף כאמנית פופולרית --
ויחסים שיובילו לנישואין ב 1924.
הנישואים לא הפחיתו את הטעם של אוקיף בבדידות.
היא נסעה למרחקים כדי ללמד,
והרבה פעמים פרשה לציור במשך חודשים כל פעם.
בין אם היא חקרה את הקניונים המסולעים של טקסס,
היערות השקטים של דרום קרוליינה, או המדבר צרוב השמש של ניו מקסיקו,
התהליכים היצירתיים שלה היו מבוססים על טכסים ואבחנה מקרוב.
היא שמה לב בקפידה לפרטים הקטנים,
ובילתה שעות בערבוב צבעים כדי ליצור בדיוק את הצבעים הנכונים.
כשהיא מצאה את הגוון המושלם, היא תעדה אותו
באוסף הגדל והולך שלה של כרטיסי צבע מעשה ידיה.
אוקיף גם התנסתה עם פרספקטיבה כדי להלל עצמים
שפעמים רבות לא התייחסו אליהם.
ב"ראש אייל עם חטמית,"
היא מיקמה גולגולת מיושנת ופרח עדין
גבוה מעל הגבעות שמתחת.
הגולגולת המסיבית מאפילה על פני השטח,
ומעמידה גם את השלד וגם את ההרים באור חדש ומסתורי.
הציבור נשבה על ידי הפרספקטיבה היחודית שלה וההתנהגות החשאית.
היא זכתה במיוחד לשבחים על ציורי הפרחים המסיביים שלה,
שנעו מפרגים לוהטים לפרחי המים דמויי רוחות הרפאים.
סטיגליץ ומבקרים אחרים בזמנו הוקסמו מהפסיכולוגיה הפרוידיאנית,
ומיהרו לקשר את הציורים האלה לאברי המין הנשיים.
אבל אוקיף דחתה כאלה פרושים.
היא התרעמה על המבטים הגבריים ששלטו בעולם האמנות,
ודרשה שעבודתה תוערך
בשל האיזכור הרגשי של העולם הטבעי.
לבסוף, אוקיף התיישבה בניו מקסיקו,
קרוב לאחד ממקומות המפלט היצירתיים האהובים עליה.
בשנות ה 70 שלה, ראייתה החלה להדרדר
אבל היא המשיכה להשתמש במסתורי פני השטח במדיומים חדשים וטקטיליים.
אוקיף המשיכה ליצור עד מותה בגיל 98,
והיא זכורה כ"אם המודרניזם האמריקאי."
עשורים מאוחר יותר, העבודות שלה שומרות על האנרגיה הפרועה שלהן --
ואוקיף על המסתורין האישי שלה.
Le sfumature del tramonto sulla tela,
colori che si irradiano come fiamme.
Un dipinto che potrebbe sembrare un'immagine astratta, impossibile.
Ma uno sguardo più attento rivela gli steli delicati,
i petali rigogliosi e la trama vellutata del cannacoro.
Questa metamorfosi di soggetti naturali in geometrie astratte
è tipica delle opere di Georgia O'Keeffe,
la rivoluzionaria scultrice e pittrice americana.
Ma la magia dietro questa trasformazione
resta inafferrabile, proprio come l'artista.
Nata nel Wisconsin nel 1887, O'Keeffe passò l'infanzia cogliendo fiori di campo
e sistemando frutti da dipingere.
A diciassette anni, si trasferì a Chicago per studiare al prestigioso Art Institute.
Dai suoi insegnanti imparò a riprodurre fedelmente la realtà
secondo le convenzioni dei maestri europei.
Sebbene amasse la solitudine e la precisione di questo lavoro,
O'Keeffe non si sentiva in piena sintonia con esso.
Dopo il trasferimento a New York, fu sempre più attirata dalle linee pulite,
dalle composizioni impressionanti e dai colori vividi dell'arte giapponese.
O'Keeffe trovò presto un insegnante le cui lezioni la ispirarono
a mettere in pratica questi interessi.
Diversamente dai precedenti insegnanti
Arthur Wesley Dow spingeva gli studenti verso rappresentazioni più astratte
di luce, forma e colore.
Il risultato di queste lezioni fu la sua prima serie di disegni astratti.
Realizzati a carboncino, presentano una serie di linee ondulate,
sfumature intense e nuvole in movimento.
Non si possono classificare facilmente,
suggeriscono, ma non corrispondono mai a uno specifico elemento naturale.
I primi pittori europei della tradizione cubista
usavano una geometria rigida per astrarre soggetti esterni.
Ma qui O’Keeffe usava le forme e i ritmi della natura
per catturare i suoi sentimenti.
Esperimenti simili sarebbero presto diventati il punto di partenza
di un movimento artistico chiamato modernismo americano.
Anche se la pittura modernista non è definita da un singolo stile,
i suoi fautori condividevano il desiderio di contestare le tradizioni realiste
che dominavano la didattica dell'arte.
Dalla fine degli anni '10 del '900 la pittura modernista
usò spesso forme geometriche e colori accesi
per indagare la psiche americana.
O’Keeffe si lanciò in questi esperimenti,
ma era restia a condividere il suo nuovo lavoro.
Quando un amico mandò i suoi carboncini al mercante d'arte Alfred Stieglitz,
questi andò, però, in estasi.
Nel 1916, Stieglitz organizzò una grande mostra a New York.
Questo segnò l'inizio della sua carriera d'artista famosa,
e di una relazione che avrebbe portato al matrimonio nel 1924.
Il matrimonio non ridusse il suo amore per la solitudine.
Viaggiava molto per insegnare
e spesso si ritirava per dipingere per mesi.
Che stesse esplorando gli scoscesi canyon del Texas,
le tranquille foreste del South Carolina, o lo sbiadito deserto del New Mexico,
il suo processo creativo si basava sull'osservazione rituale e ravvicinata.
Prestava un'attenzione meticolosa ai piccoli dettagli,
e passava ore mescolando tinte per creare proprio i colori esatti.
Quando trovava la tonalità perfetta,
la registrava nella sua sempre crescente collezione
di schede colore fatte a mano.
O’Keeffe fece anche degli esperimenti con la prospettiva per celebrare oggetti
che spesso venivano trascurati.
In "Testa d’ariete con malvone"
mette un teschio segnato dalle intemperie e un fiore delicato
a sovrastare delle colline in basso.
Questo teschio enorme oscura il paesaggio
gettando sulle ossa e sulle montagne una nuova, inquietante luce.
La prospettiva unica catturava il pubblico così come il suo comportamento riservato.
Veniva lodata in particolare per i suoi imponenti quadri sui fiori,
che spaziavano dai papaveri ardenti alle calle pallide.
Stieglitz e altri critici del tempo, patiti di psicologia freudiana,
collegarono molto velocemente queste pitture ai genitali femminili.
Ma O’Keeffe rigettò queste interpretazioni.
Era infastidita dallo sguardo maschile che dominava il mondo dell'arte,
e pretendeva che il suo lavoro fosse rispettato
per la sua evocazione emotiva del mondo naturale.
Alla fine, O’Keeffe si stabilì in New Mexico,
vicino a uno dei suoi ritiri per artisti preferiti.
A settant'anni, la vista le cominciò a peggiorare,
ma lei continuò a estrarre i misteri del paesaggio con nuovi mezzi tattili.
O’Keeffe continuò a creare fino alla sua morte a 98 anni,
ed è ricordata come la "madre del modernismo americano".
Dopo decenni, i suoi lavori conservano la loro forza selvaggia
e O’Keeffe il suo fascino.
キャンバス中に広がる夕焼けの色が 炎のごとく色彩を放つさまは
ぱっと見の印象では 難解で抽象的かもしれません
でも 目を凝らせば 浮かんでくるのは 繊細な茎に
瑞々しく ビロードを思わせるような 花びらの質感をもったカンナの花です
このように自然の中の題材を 抽象的で幾何学的な形態に変える手法は
革命的なアメリカ人画家で彫刻家の
ジョージア・オキーフの作品には よく見られるものです
でも この変形の手法に秘められた 不思議な力は
彼女自身と同様 つかみどころがありません
1887年ウィスコンシン州で生まれた オキーフは 幼少時代を
摘んできた野草や 並べた果物を 絵に描いて過ごしました
17歳の時シカゴに移り 名門シカゴ美術館附属美術大学に入学しました
講師たちの指導方針は ヨーロッパの名画家たちの例に倣い
目で見たままを 具象的に絵に再現することでした
オキーフは ひとりで綿密さを追求する この作業を楽しいとは思ったものの
それに強く惹かれることは ありませんでした
ニューヨークに引っ越した後 彼女は日本画の持つすっきりした線
目をひく構図や鮮やかな色彩に 惹きつけられていきました
やがてオキーフは 創作意欲を鼓舞してくれる良き師と出会い
抱いていた関心を実践に移しました
以前師事した講師たちとは違い
アーサー・ウェズリー・ダウは 光 形状 色彩のより抽象的な表現に
重点を置くことを 生徒たちに指導しました
ダウの教えはオキーフの最初の 抽象絵画の連作に顕著に表れています
木炭で描いた一連の作品には 幾多ものうねるような線
大胆な影や 大波を打つような雲が 表現されています
安易に型にはめられることに 反発するかのごとく それらの作品は
一定の自然題材をほのめかしながらも 決してそのまま描くことはありません
キュビズム初期の ヨーロッパの画家たちは
外的な題材を抽象的に表現するため 直線的で幾何学な形状を取り込みました
けれどオキーフの場合は 自然題材の形状やリズムを
内に秘める感情を捉える手段として 取り込みました
こうした革新的試みが土台となり
やがてアメリカン・モダニズムという ひとつの芸術運動が誕生しました
モダニズム絵画を定義する 決まった様式はないものの
運動の提唱者らの共通の願いは 当時の芸術教育を支配していた ―
伝統的な写実主義に挑むことでした
1910年代後半に始まった モダニズム絵画は
幾何学的形状や 大胆な色彩を多く駆使し
アメリカ人の心理を模索するものです
オキーフは これらの革新的試みに 打ち込んだものの
新しく生まれた作品を 他人に見せることには消極的でした
けれども 友達がオキーフの木炭画を 画商アルフレッド・スティーグリッツに送ると
彼はそれに魅了されました
1916年 スティーグリッツは ニューヨークで彼女の個展を大々的に開催し
これをきっかけに オキーフは人気画家となり
親交を深めた２人は 1924年に結婚しました
結婚後も オキーフの 孤独癖は変わることなく
広く旅をして 絵の指導をしたり
何ヶ月も篭りきりで 絵画作品の制作をしたりしました
探訪の地が テキサスの岩肌の荒い峡谷であれ
サウスカロライナの静かな森林や ニューメキシコの日光で白んだ砂漠であれ
オキーフの創作過程はいつでも 儀式的かつ綿密な観察に則ったものでした
細部に至るまで注意を払い
何時間もかけて絵の具を調合して 理想の色を追求しました
完璧な色調が出来上がると
お手製の色カードに書き込み そのコレクションは増え続けていきました
オキーフはまた遠近法を試すことで 普段見落とされがちな
題材を賛美しました
『雄羊の頭とタチアオイ』には
風雨にさらされた頭蓋骨と 繊細な花が
そのはるか下の丘を 望む形で描かれています
この大きな頭蓋骨が 風景に影を投げかけ
新しく 不気味な光が差し込む中 骸骨と山々の両方を際立たせています
大衆は彼女が創る唯一無二の遠近法と 秘密主義的な振る舞いに魅了されました
特に賞賛されたのは 大きく描かれた一連の花の絵で
燃えるようなケシの花 幽玄的なオランダカイウなどがあります
当時 スティーグリッツや他の批評家らは フロイト的な精神解釈に夢中になり
やがて オキーフの絵画作品は 女性器を連想させると言い出しました
しかしオキーフは そのような解釈を否定しました
芸術界を支配する 男性的目線に怒りを表し
彼女の作品で評価すべきは
自然界の情緒を喚起する部分だと 主張しました
晩年のオキーフは ニューメキシコに移り
ひっそり創作活動できる お気に入りの場に居を構えました
70代になり 視力が衰えはじめても
風景の神秘を 新たな立体的媒体に表現し続けました
オキーフは 98歳で亡くなるまで 生涯創作活動を続け
「アメリカン・モダニズムの母」 として人々に記憶されています
何十年という月日を経ても その作品は激しいエネルギーと
オキーフがもつ神秘性を 放ち続けています
ညနေခင်း အရောင်တွေ၊ မီးလျှံလို ဖြာနေတဲ့ အရောင်တွေမှာ ရွှဲစိုနေတဲ့ ပတ္တူစတစ်ချပ်။
ရုတ်တရက်ဆို ဒီပန်းချီကားဟာ မဖြစ်နိုင်တဲ့ စိတ္တဇ ပုံရိပ်တစ်ခုလို့ ထင်ရလောက်တယ်။
ဒါပေမဲ့ ပိုအနီးကပ်အကြည့်က ရိုးတံနုတွေ၊ စိုပြည်တဲ့ ပွင့်ဖတ်တွေ၊
ကတ္တီပါလို အသားရှိတဲ့ နှင်းပန်းတစ်မျိုးကို ဖော်ပြနေတယ်။
စိတ္တဇ ဂျီဩမေတြီထဲက သဘာဝ အကြောင်းအရာ တွေရဲ့ ပင်ကို ပြောင်းလဲမှုဟာ
တော်လှန်တဲ့ အမေရိကန် ပန်းချီဆရာမနဲ့ ပန်းပုပညာရှင်
Georgia O’Keeffe ရဲ့ လက်ရာမှာ အဆန်းတကြယ်မဟုတ်ပါ။
ဒီပြောင်းလဲခြင်းတွေရဲ့ နောက်ကွယ်က မှော်ဆန်မှုတွေက
ပန်းချီဆရာမ ကိုယ်တိုင်လိုပဲ တွေးရခက်ခက် ဖြစ်ကျန်နေတယ်။
၁၈၅၇ မှာ Wisconsin မှာ မွေးခဲ့တဲ့ O’Keeffe ဟာ သူ့ရဲ့ ကလေးဘဝကို တောပန်းတွေ ခူးရင်း၊
ပန်းချီဆွဲဖို့ သစ်သီးတွေကို ပြင်ဆင်ရင်း ကုန်ဆုံးတယ်။
၁၇ နှစ်မှာ နာမည်ကြီးတဲ့ ပန်းချီကျောင်း မှာ လေ့လာဖို့ Chicago ကို ပြောင်းခဲ့တယ်။
ဆရာတွေက ဥရောပ ပန်းချီကျော်တွေရဲ့ ထုံးနည်းတွေအတိုင်း သဘာဝကျမှုကို
တိတိကျကျ မူပွားဖို့ သူ့ကိုလေ့ကျင့်ပေးတယ်။
တစ်ကိုယ်တည်းဖြစ်မှုနဲ့ ဒီလက်ရာရဲ့ တိကျမှုကို နှစ်သက်ပေမဲ့
O’Keeffe ဟာ ဒါနဲ့ တစ်ကိုယ်ရေ ဆက်နွယ်မှု မရှိသလောက်ဖြစ်ခဲ့တယ်။
New York ကို ပြောင်းလာပြီးနောက် ဂျပန် ပန်းချီရဲ့ ရှင်းလင်းတဲ့ မျဉ်းတွေ၊
ပေါ်လွင်တဲ့အထားအသိုနဲ့ အရောင်တောက်တောက် တွေက သူ့ကို တိုးပြီး ဆွဲဆောင်နေခဲ့တယ်။
မကြာခင် O’Keeffe ဟာ စိတ်ဝင်စားမှုတွေကို လက်တွေ့ ကျင့်ဖို့
စေ့ဆော်ပေးတဲ့ သင်ခန်းစာတွေနဲ့ ဆရာကို တွေ့တယ်။
သူ့ရဲ့ အရင်ဆရာတွေလို မဟုတ်ဘဲ
Arthur Wesley Dow က ကျောင်းသားတွေကို အလင်း၊ သဏ္ဍာန်၊ အရောင်ရဲ့ စိတ္တဇ
သရုပ်ဖော်ချက်တွေကို အာရုံစိုက်ဖို့ တိုက်တွန်းတယ်။
ဒီသင်ခန်းစာတွေက O’Keeffe ရဲ့ ပထမဆုံး စိတ္တဇ ပန်းချီ အတွဲမှာ ပေါ်လွင်ခဲ့တယ်။
မီးသွေးခဲနဲ့ သရုပ်ဖော်ထားတာတွေက လှိုင်းထ နေတဲ့ မျဉ်းတွေရဲ့ အစဉ်အတန်းကိုတင်ပြတယ်။
ခပ်နက်နက် ခဲထိုးထားတဲ့ တိမ် အလိပ်လိပ်ပါ။
ဒီပန်းချီကားတွေက အလွယ်တကူ အမျိုးအစားခွဲခြင်းကို ဖီဆန်တယ်။
သဘာဝ နှီးနွယ်မှု တစ်ခုခုနဲ့ လုံးဝ လိုက်ဖက်မှုမရှိတာကို ညွှန်းတာပါ။
ဥရောပ ဂျီဩမေတြီ အစဉ်အလာထဲက ပန်ချီဆရာတွေက
ပြင်ပ အကြောင်းအရာတွေကို ကောက်နှုတ်ဖို့ တင်းကျပ်တဲ့ ဂျီဩမေတြီကို အသုံးပြုတယ်။
ဒါပေမဲ့ ဒီမှာတော့ O’Keeffe ဟာ သူ့ရင်တွင်း ခံစားချက်တွေကို ဖမ်းယူဖို့သဘာဝရဲ့
သဏ္ဍာန်တွေနဲ့ စည်းချက်တွေကို အသုံးပြုတယ်။
ဒီလိုစမ်းသပ်မှုတွေဟာ မကြာခင်မှာ American Modernism
လို့ခေါ်တဲ့ အနုပညာ လှုပ်ရှားမှုရဲ့ အုတ်မြစ် ဖြစ်လာခဲ့တယ်။
ခေတ်သစ်ပန်းချီကို အနက်ဖွင့်တဲ့ ဟန်က တစ်သဘောတည်း မဟုတ်ပေမဲ့
၎င်းကို ထောက်ခံအားပေးသူတွေကတော့ ပန်းချီ ပညာရေးကို ကြီးစိုးထားတဲ့
ယထာဘူတ အစဉ်အလာတွေကို စိန်ခေါ်ခဲ့တယ်။
၁၉၁၀ နှောင်းပိုင်းနှစ်တွေ အစမှာ ခေတ်သစ် ပန်းချီဟာ
မကြာခဏ အမေရိကန် စိတ်သဘောကို စူးစမ်းဖို့
ဂျီဩမေတြီ သဏ္ဌာန်တွေနဲ့ အရောင်အရင့်တွေ သုံးကြတယ်။
O’Keeffe ဟာ ဒီစမ်းသပ်မှုတွေထဲကို ပစ်ဝင်ခဲ့ပေမဲ့
သူ့လက်ရာကို မျှဝေဖို့ကိုတော့ ဝန်လေးနေခဲ့တယ်။
ဒါပေမဲ့ မိတ်ဆွေတစ်ယောက်က သူ့မီးသွေးလက်ရာ တွေကို ပန်းချီ ကုန်သည် Alfred Stieglitz ဆီ
ပို့တဲ့အခါ ကုန်သည် မှင်တက်မိတယ်။
၁၉၁၆ မှာ New York မှာ ပန်းချီ ပြပွဲကြီး တစ်ခုကို သူ စီစဉ်ပေးခဲ့တယ်။
ဒါက လူကြိုက်များတဲ့ O’Keeffe ရဲ့ အသက်မွေးမှု အလုပ် အစနဲ့
၁၉၂၄ မှာ လက်ထပ်ဖို့ ဖြစ်စေခဲ့တဲ့ ဆက်ဆံရေးတစ်ခုကို သတ်မှတ်ပေးခဲ့တယ်။
အိမ်ထောင်က O’Keeffe ရဲ့တစ်ကိုယ်တော် အကြိုက်ကို ယုတ်လျော့စေတယ်။
သူဟာ သင်ကြားဖို့ ခရီးများစွာ ထွက်ပြီး
မကြာခဏ တစ်ကြိမ်လျှင် လနဲ့ချီကာ ပန်းချီဆွဲဖို့ သီးခြားနေခဲ့တယ်။
Texas ရဲ့ ကျောက်ဆောင်ထူတဲ့ ချောက်တွေ South Carolina ရဲ့ တိတ်ဆိတ်တဲ့
သစ်တောတွေ (သို) New Mexica နေက အရောင် ချွတ်ထားတဲ့ ကန္တာရကို စူးစမ်းတာဖြစ်ဖြစ်
သူ့ဖန်တီးမှု လုပ်ငန်းစဉ်က ထုံးတမ်းဓလေ့နဲ့ အနီးကပ် လေ့လာမှုကို ကို အခြေခံတယ်။
သူဟာ အသေးစိတ်ကလေးတွေကို စေ့စပ်တဲ့ အာရုံစိုက်မှု ထားပြီး
မှန်ကန်တဲ့ အရောင်တွေ အတိအကျ ဖန်တီးဖို့ ဆေးစပ်ရာမှာ နာရီနဲ့ချီကာကုန်ဆုံးခဲ့တယ်။
အကောင်းဆုံး အရောင်အသွေးကို တွေ့တဲ့အခါ
သူ့ရဲ့ အမြဲတိုးလာနေတဲ့ လက်လုပ် အရောင် ကတ်ပြား အစုထဲမှာ မှတ်တမ်းတင်လေ့ရှိတယ်။
O’Keeffe ဟာ မကြာခဏ သတိမမူမိတဲ့ အရာဝတ္ထုတွေကို အမွှမ်းတင်ဖို့
ပကတိအမြင် ရေးဆွဲနည်းနဲ့ စမ်းသပ်တယ်။
"Rams Head with Hollyhock" မှာ
တိုက်စားခံရတဲ့ ဦးခေါင်းခွံတစ်ခုနဲ့ အနုစိတ် ပန်းတစ်ပွင့်ကို
အောက်ခြေကတောင်ကုန်းတွေရဲ့ အထက်အမြင့်မှာ ထားပေးတယ်။
ဒီဦးခေါင်းခွံကြီးက ရှုခင်းကို လွှမ်းမိုးနေတယ်။
အရိုးစုကိုရော တောင်တွေကိုပါ သစ်လွင် ခြောက်ခြားတဲ့ အလင်းထဲမှာအရိပ်ထိုးနေတယ်။
လူတွေဟာ သူ့ရဲ့ ထူးခြားတဲ့အမြင်နဲ့ သိုဝှက်တဲ့ အပြုအမူရဲ့ ဖမ်းစားတာခံရတယ်။
အထူးသဖြင့် သူ့ရဲ့ ဧရာမ ပန်း ပန်းချီကားတွေအတွက် ချီးကျူးခံရတာပါ။
ရဲရဲတောက် ဘိန်းပန်းတွေကနေ တစ္ဆေလိုလို နှင်းပန်းတွေ အထိပါ။
Stieglitz နဲ့ အချိန်က အခြား ဝေဖန်သူတွေဟာ ဖရွှိုက် စိတ်ပညာကို အရူးအမူးဖြစ်ခဲ့ပြီး
ဒီပန်းချီကားတွေကို အမ အင်္ဂါဇာတ်နဲ ချက်ချင်း ဆက်စပ်လိုက်ကြတယ်။
ဒါပေမဲ့ O’Keeffe က ဒီလို အနက်ကောက်မှုတွေကိုပယ်ချတယ်။
အနုပညာ လောကကို စိုးမိုးထားတဲ့ ပုရိသ အမြင်ကို မကျေမချမ်းဖြစ်ကာ
သူ့လက်ရာရဲ​့ သဘာဝလောကရဲ့ စိတ်ပိုင်းဆိုင်ရာ
လှုံ့ဆော်မှုကို လေးစားကြဖို့ သူ တောင်းဆိုခဲ့တယ်။
နောက်ဆုံးတော့ O’Keeffe ဟာ သူအကြိုက်ဆုံး အနုပညာရှင် ခိုလှုံရာ
တစ်ခုဖြစ်တဲ့ New Mexico မှာ အခြေချခဲ့တယ်။
အသက် ၇၀ လွန်တွေမှာ အမြင်အာရုံ စတင် ချွတ်ယွင်းခဲ့ပေမဲ့
ရှုခင်းရဲ့ဆန်းကြယ်မှုတွေကို ဆန်းသစ် တွေ့ထိ နိုင်တဲ့ ကြားခံတွေမှာ ဆက်တူးဖော်တယ်။
O’Keeffe ဟာ အသက် ၉၈ မှာ သေသည့်တိုင် ဆက်လက် ဖန်တီးနေပြီး
သူ့ကို Mother of American Modernism အဖြစ် အမှတ်ရကြတယ်။
ဆယ်စုနှစ်တွေဆက်ကာ သူ့လက်ရာက ပြင်းထန်တဲ့ စွမ်းအားနဲ့ O’Keeffe ရဲ့
ကိုယ်ပိုင် ထူးခြားတဲ့ သွင်ပြင်ကို ထိန်းထားတယ်။
Uma tela encharcada em tonalidades do pôr-do-sol,
cores irradiando como chamas.
À primeira vista, esta pintura
pode parecer uma imagem abstrata, impossível.
Mas um olhar mais atento revela os caules tenros,
as pétalas sensuais e a textura aveludada duma "Canna".
Esta metamorfose de temas naturais numa geometria abstrata
é vulgar na obra de Georgia O'Keeffe,
a revolucionária pintora e escultora americana.
Mas a magia por detrás desta transformação
mantém-se tão esquiva como a própria artista.
Nascida em Wisconsin em 1887, O'Keeffe passa a infância
a apanhar flores silvestres e a arranjar frutos para pintar.
Aos 17 anos, foi para Chicago estudar no prestigiado Instituto da Arte.
Os professores ensinaram-lhe a reproduzir fielmente a realidade
segundo as convenções dos mestres europeus.
Embora ela apreciasse a solidão e a precisão esta arte,
O'Keeffe sentia pouca ligação pessoal com ela.
Depois de ir para Nova Iorque, sentiu-se cada vez mais atraída
para as linhas limpas
para a composição atraente e as cores vivas da arte japonesa.
O'Keeffe em breve encontrou um professor cujas lições a inspiraram
a pôr em prática esses interesses.
Ao contrário dos professores anteriores,
Arthur Wesley Dow incitava os seus alunos
a concentrar-se em representações mais abstratas
de luz, forma e cor.
Essas lições manifestaram-se
na primeira série de desenhos abstratos de O'Keeffe.
Feitas a carvão, apresentam uma série de linhas onduladas,
sombreados ousados e nuvens esvoaçantes.
Estes desenhos desafiam uma classificação fácil,
sugerindo, mas nunca correspondendo a qualquer referência natural específica.
Pintores europeus anteriores de tradição cubista
tinham usado uma geometria rígida para abstrair temas externos.
Mas aqui, O'Keeffe usava as formas e ritmos da Natureza
para captar os seus sentimentos interiores.
Experiências como estas em breve se tornaram na base
dum movimento artístico chamado o Modernismo Americano.
Embora não haja um estilo só que defina a pintura Modernista
os seus proponentes partilhavam o desejo de desafiar as tradições realistas
que dominavam o ensino da arte.
A partir do final da década de 1910, a pintura modernista
usava com frequência formas geométricas e cores ousadas
para sondar a psique americana.
O0Keeffee mergulhou nessas experiências
mas tinha relutância em mostrar a sua nova obra.
Mas quando um amigo enviou os desenhos dela a carvão
ao comerciante de arte Alfred Stieglitz,
ele ficou extasiado.
Em 1916, organizou uma grande exposição em Nova Iorque.
Isso marcou o início da carreira de O'Keeffe como artista popular
e uma relação que levaria ao casamento em 1924.
O casamento não eliminou o gosto de O'Keeffe pela solidão.
Viajou muito para ensinar,
e recolhia-se com frequência durante meses seguidos para pintar.
Quer estivesse a explorar os desfiladeiros escarpados do Texas,
as tranquilas florestas da Carolina do Sul,
ou o deserto queimado do Novo México,
o seu processo criativo baseava-se na observação ritual e próxima.
Prestava uma atenção meticulosa aos pequenos pormenores
e passava horas a misturar tintas para criar as cores exatas.
Quando encontrava o tom perfeito, registava-o
numa coleção crescente de cartões coloridos à mão.
O'Keeffe também fazia experiências com a perspetiva de realçar objetos
que muitas vezes eram ignorados.
Em "Cabeça de Carneiro com Hollyhock",
coloca uma caveira desgastada e uma delicada flor
por cima das colinas.
Esta caveira enorme sobrepõe-se à paisagem,
mostrando o esqueleto e as montanhas a uma luz nova, inquietante.
O público ficou cativado
com aquela perspetiva única e comportamento secreto.
Foi especialmente elogiada pelas suas muitas pinturas de flores,
que iam das papoilas flamejantes aos nenúfares fantasmagóricos.
Stieglitz e outros críticos da época
estavam enfeitiçados pela psicologia de Freud,
e rapidamente relacionaram estas pinturas com os genitais femininos.
Mas O'Keeffe ignorava essas interpretações.
Rejeitava o olhar masculino que dominava o mundo da arte
e exigia que a sua obra fosse respeitada
pela sua evocação emocional do mundo natural.
Por fim, O'Keeffe instalou-se no Novo México,
perto de um dos seus retiros preferidos enquanto artista.
Aos 70 anos, os olhos começaram a falhar-lhe,
mas ela continuou a explorar os mistérios da paisagem
em novos meios, tácteis.
O'Keeffe continuou a criar até morrer aos 98 anos.
e é recordada como a "Mãe do Modernismo Americano".
Décadas depois, a sua obra mantém a sua energia selvagem
e a mística pessoal de O'Keeffe.
Uma tela impregnada de tons de pôr do sol,
cores que irradiam como chamas.
À primeira vista,
esta pintura talvez pareça uma imagem impossível, abstrata.
Mas um olhar mais atento revela
os caules delicados, as pétalas exuberantes
e a textura aveludada de uma cana-da-Índia.
Essa transformação de temas naturais em geometria abstrata
é comum na obra de Georgia O’Keeffe,
a revolucionária pintora e escultora americana.
Mas a mágica por trás dessa transformação
permanece tão indecifrável quanto a própria artista.
Nascida em Wisconsin em 1887,
O'Keeffe passou a infância colhendo flores silvestres
e organizando frutos para pintar.
Aos 17 anos,
ela se mudou para Chicago para estudar no renomado Instituto de Arte.
Seus professores a ensinaram a reproduzir a realidade fielmente
segundo as convenções dos mestres europeus.
Embora admirasse a solidão e a precisão dessa arte,
O'Keeffe não se sentia muito ligada pessoalmente a ela.
Após se mudar para Nova York,
sentia-se cada vez mais atraída pela linhas limpas,
pela notável composição e pelas cores intensas da arte japonesa.
Ela logo encontrou um professor
cujos ensinamentos a inspiraram a colocar seus interesses em prática.
Ao contrário dos outros professores,
Arthur Wesley Dow incitava seus alunos
a se concentrarem em representações mais abstratas de luz, forma e cor.
Esses ensinamentos se manifestaram
nas primeiras séries de desenhos abstratos de O'Keeffe.
Os desenhos feitos em carvão apresentam uma série de linhas onduladas,
sombreado ousado e nuvens esvoaçantes.
Tais desenhos desafiam uma classificação fácil,
sugerem, mas nunca correspondem a qualquer referência natural específica.
Os primeiros pintores europeus da tradição cubista
haviam empregado a geometria rígida para abstrair temas externos.
Mas O'Keeffe empregou as formas e ritmos da natureza
para capturar seus sentimentos.
Esses tipos de experimentos logo se tornariam a base
de um movimento artístico chamado Modernismo Americano.
Embora nenhum estilo definisse a pintura modernista,
seus defensores compartilhavam um desejo de desafiar as tradições realistas
que dominavam a educação artística.
Com início no final dos anos 1910,
a pintura modernista comumente utilizava
formas geométricas e cores ousadas para perscrutar a mente americana.
O'Keeffe mergulhou nos experimentos,
mas relutava em compartilhar sua nova obra.
Entretanto, um amigo enviou seus desenhos em carvão
ao negociante de arte Alfred Stieglitz, que ficou fascinado.
Em 1916, ele organizou uma grande exposição em Nova York,
que marcou o início da carreira de O'Keeffe como artista popular
e um relacionamento que resultaria em casamento em 1924.
O casamento não diminuiu o gosto de O'Keeffe pela solidão.
Ela viajou muito para ensinar
e costumava se retirar por vários meses para pintar.
Seja explorando os cânions escarpados do Texas,
as florestas silenciosas da Carolina do Sul
ou o deserto de areias brancas do Novo México,
seu processo criativo se baseava na observação ritualística e íntima.
Atinha-se meticulosamente aos pequenos detalhes
e passava horas mesclando tintas para criar as cores exatas.
Quando encontrava o tom perfeito,
registrava-o em sua crescente coleção de cartões de cores feitos à mão.
O'Keeffe também fez ensaios com perspectivas para enfatizar objetos
que eram comumente desprezados.
Em "Ram's Head with Hollyhock",
ela colocou uma caveira desgastada e uma flor delicada
pairando sobre colinas.
A imensa caveira obscurece a paisagem
e lança uma luz nova e arrepiante sobre a caveira e as montanhas.
Sua perspectiva única e comportamento reservado cativaram o público.
Era particularmente enaltecida por suas pinturas de flores,
que iam de papoulas ardentes a copos-de-leite espectrais.
Stieglitz e outros críticos da época eram adeptos da psicologia freudiana
e rapidamente associaram as pinturas à genitália feminina.
Mas O'Keeffe desprezava tais interpretações.
Ela se ressentia do olhar machista que dominava o mundo da arte
e exigia que sua obra fosse respeitada
pela evocação emocional que fazia do mundo natural.
Por fim, O'Keeffe se estabeleceu no Novo México,
perto de um de seus retiros favoritos.
Depois dos 70 anos de idade, começou a ter problemas de visão,
mas continuou a explorar os mistérios da paisagem com novos meios táteis.
O'Keeffe continuou criando até sua morte, aos 98 anos,
e é lembrada como "A Mãe do Modernismo Americano".
Décadas depois,
sua obra preserva a energia selvagem,
e O'Keeffe mantem sua mística pessoal.
Nuanțele apusului așternute pe pânză, culori ce radiază ca văpaia focului.
La prima privire, acest tablou poate părea o imagine imposibilă, abstractă.
Dar privind mai îndeaproape, se disting tulpinile fragede,
petalele bogate și textura catifelată a crinului Canna.
Această metamorfoză a obiectelor naturale în geometrie abstractă
e firească în creația Georgiei O'Keeffe –
un pictor și sculptor revoluționar american.
Însă magia dincolo de transformare rămâne iluzorie asemeni pictorului.
Născută în Wisconsin în 1887, O'Keeffe și-a petrecut copilăria
culegând flori sălbatice și aranjând fructe pentru a le picta.
La 17 ani, s-a mutat în Chicago pentru a studia la Institutul de Artă.
Profesorii săi au instruit-o să reproducă realitatea cât mai fidel,
conform convențiilor maeștrilor europeni.
Deși îi plăcea singurătatea și precizia în creație,
O'Keeffe rezona foarte puțin cu aceasta.
După ce s-a mutat la New York, s-a simțit tot mai atrasă de liniile clare,
compozițiile uimitoare și culorile vii ale artei japoneze.
O'Keeffe curând va găsi un profesor
ale cărui lecții o vor inspira să pună în practică acele interese.
Spre deosebire de foștii săi profesori,
Arthur Wesley Dow și-a îndemnat elevii să se concentreze mai mult
pe reprezentările abstracte ale luminii, formei și culorii.
Aceste lecții s-au manifestat în primele desene abstracte ale lui O'Keeffe.
Pictate cu cărbune, ele prezentau o serie de linii unduitoare,
umbre pronunțate și nori în rotocoale.
Aceste desene nu pot fi ușor clasificate –
sugerând, dar niciodată potrivindu-se cu orice referință specifică naturală.
Pictorii europeni anteriori din tradiția cubistă
au utilizat geometria rigidă în temele abstracte externe.
Însă aici, O'Keeffe a utilizat formele și ritmurile naturii
pentru a surprinde emoțiile interne.
Astfel de experimente vor deveni piatra de temelie
a unei mișcări artistice, numită modernism american.
Deși pictura modernistă nu e definită de niciun stil,
adepții acesteia au împărtășit dorința
de a pune la încercare tradițiile realiste ce dominau educația artistică.
Începând cu sfârșitul anilor 1910,
pictura modernistă deseori utiliza figuri geometrice și culori îndrăznețe
pentru a pătrunde în psihicul american.
O'Keeffe s-a avântat și ea în aceste experimente,
însă ezita să-și publice creația.
Când un prieten a trimis schițele sale în cărbune
dealerului de artă Alfred Stieglitz, acesta a rămas fermecat.
În 1916, el a organizat o mare expoziție la New York.
Aceasta a marcat începutul carierei lui O'Keeffe ca pictor renumit
și relației ce va duce la căsnicie în 1924.
Căsătoria nu a redus dorința de singurătate a lui O'Keeffe.
A călătorit mult pentru a preda
și deseori se retrăgea pentru a picta uneori chiar pentru luni întregi.
Fie că explora canioanele abrupte din Texas,
pădurile liniștite ale Carolinei de Sud
sau deșertul scăldat în soare din New Mexico,
procesul său creativ era bazat pe ritual și observație minuțioasă.
Era foarte atentă la micile detalii
și petrecea ore întregi combinând culori pentru a crea culorile potrivite.
Atunci când găsea nuanța perfectă,
o introducea în colecția sa de fișe de culori create manual.
O'Keeffe experimenta și cu perspectiva de a sărbători obiectele
ce rămâneau neobservate.
În „Rams Head with Hollyhock”,
ea plasează un craniu erodat și o floare delicată
ce se înalță deasupra dealurilor.
Craniul masiv umbrește peisajul,
așternând o lumină sumbră asupra acestuia și a muntelui.
Publicul era captivat de perspectiva unică și comportamentul secretos.
Ea a fost lăudată pentru tablourile sale cu flori imense,
ce variau de la macii înflăcărați la calele fantomatice.
Stieglitz și alți critici ai timpului erau obsedați de psihologia lui Freud
și asociau aceste tablouri cu organele genitale feminine.
O'Keeffe a respins astfel de interpretări.
Ea nu putea suporta viziunea masculină ce domina lumea artei
și cerea ca propria sa creație să fie respectată
pentru evocarea emoțională a lumii naturale.
Într-un final, O'Keeffe s-a stabilit în New Mexico,
lângă una dintre taberele sale preferate pentru pictori.
La 70 de ani, vederea sa începea să scadă,
însă ea a continuat să analizeze misterele peisajelor în medii noi, tactile.
O'Keeffe a continuat să creeze până la moartea sa la 98 de ani
și este cunoscută drept „mama modernismului american”.
Timp de decenii creația sa își păstrează energia spontană,
iar O'Keeffe – misterul său personal.
Холст, окрашенный в тона вечерней зари; пылающие огнём краски.
На первый взгляд эта картина может показаться необъяснимой абстракцией.
Но, присмотревшись, вы можете увидеть нежные стебли,
сочные лепестки и бархатистую текстуру канны.
Такое перевоплощение природных объектов в абстрактную геометрию
характерно для работ Джорджии О'Кифф —
американской художницы и скульптора-новатора.
Однако волшебство этих перевоплощений остаётся
таким же загадочным, как и личность художницы.
О'Кифф родилась в 1887 году и в детстве любила собирать полевые цветы
и раскладывать фрукты, а потом рисовать их.
Когда ей исполнилось семнадцать, она уехала в Чикаго,
где поступила в престижный Институт искусств.
Там её учили правдиво изображать реальность
в традициях европейских мастеров.
Хотя ей нравились уединение и кропотливый труд,
такое искусство не находило отклика в душе О'Кифф.
После переезда в Нью-Йорк её начинают всё больше привлекать ровные линии,
удивительная композиция и яркие цвета японского искусства.
Вскоре О'Кифф нашла учителя, чьи уроки вдохновили её
использовать эти приёмы на практике.
В отличие от её прежних учителей,
Артур Уэсли Доу призывал своих учеников искать более абстрактные выражения
света, формы и цвета.
Эти уроки нашли своё отражение в первой серии абстрактных работ О'Кифф.
Выполненные углём, они представляют собой серию плавных линий,
чётких теней и парящих облаков.
Сложно классифицировать жанр этих рисунков:
они намекают на конкретные природные явления, но не отображают их точно.
Более ранние европейские художники-кубисты
изображали абстрактные объекты в чётких геометрических фигурах.
Однако О'Кифф использовала природные формы и ритмы
для описания своих чувств.
Подобные эксперименты вскоре лягут в основу
направления в искусстве под названием американский модернизм.
Хотя картины модернистов не объединены единым стилем,
все его последователи бросали вызов традициям реализма,
доминирующего в то время в образовании.
С конца 1910-х годов в картинах модернистов
часто используются геометрические фигуры и яркие цвета,
исследующие американское самосознание.
О'Кифф полностью посвятила себя этим экспериментам,
но демонстрировать свои новые работы она не решалась.
Однако когда подруга отправила её рисунки владельцу арт-галереи Альфреду Стиглицу,
тот был поражён.
В 1916 году он организовал в Нью-Йорке большую выставку.
Именно она стала началом карьеры О'Кифф как популярной художницы
и отношений между ней и Стиглицем, который в 1924 году стал её мужем.
Брак не повлиял на страсть О'Кифф к уединению.
Она много путешествовала, преподавая искусство,
и зачастую месяцами писала картины в одиночестве.
Бродила ли она по скалистым каньонам Техаса,
тихим лесам Южной Каролины
или по выжженной солнцем пустыне Нью-Мексико,
её творческий процесс всегда основывался на внимательном наблюдении.
Она тщательно изучала мельчайшие детали
и часами смешивала краски, чтобы достичь нужного цвета.
Создав безупречный оттенок, она фиксировала его
в своей постоянно растущей коллекции самодельных цветовых карточек.
О'Кифф также экспериментировала с перспективой,
выводя на первый план объекты,
которые обычно не замечают.
На картине «Голова барана, белая мальва»
изображены выгоревший на солнце череп и нежный цветок
в небе над холмами.
Этот огромный череп затмевает пейзаж
и придаёт и костям, и горам новый, устрашающий вид.
О'Кифф очаровывала зрителей как уникальными работами,
так и своей загадочностью.
Особенно популярны были её большие картины с цветами —
от огненно-красных маков до призрачных калл.
Стиглиц и другие критики того времени были увлечены психоанализом Фрейда,
и не сомневаясь связывали эти картины с женскими половыми органами.
Но О'Кифф всегда опровергала подобные интерпретации.
Её возмущало, что в мире искусства доминирует мужской взгляд.
Она требовала уважения к своим работам
как к эмоциональному воплощению мира природы.
Впоследствии О'Кифф поселилась в Нью-Мексико,
недалеко от своего любимого арт-ретрита.
После семидесяти она начала терять зрение,
но продолжала разгадывать тайны природы с помощью других, тактильных материалов.
Она продолжала творить до самой своей смерти в возрасте 98 лет
и вошла в историю искусства как «мать американского модернизма».
Спустя десятилетия её работы продолжают хранить природную энергию,
а О'Кифф — личную тайну.
Platno natopljeno nijansama zalaska sunca, boje koje zrače poput plamena.
Na prvi pogled, ova slika izgleda kao neizgledan, apstraktan prizor.
Međutim, pažljiviji pogled otkriva krhke stabljike,
bujne latice i barušnastu teksturu indijske kane.
Ovaj preobražaj prirodnih predmeta u apstraktnu geometriju
je opšte mesto u delu Džordžije O'Kif -
revolucionarne američke slikarke i skulptorke.
Međutim, čarolija iza preobražaja ostaje
jednako nedokučiva kao i sama umetnica.
Rođena u Viskonsinu 1887, O'Kif je provela detinjstvo berući poljsko cveće
i aranžirajući voće za slikanje.
Sa 17 godina, preselila se u Čikago
kako bi studirala na prestižnom institutu za umetnost.
Njeni nastavnici su je obučili da verno reprodukuje stvarnost
prema konvencijama evropskih majstora.
Iako je uživala u osamljenosti i preciznosti ovih dela,
O'Kif nije osećala ličnu povezanost s njima.
Nakon što se preselila u Njujork, sve su je više privlačile jasne linije,
upadljiva kompozicija i živopisne boje japanske umetnosti.
O'Kif je uskoro pronašla nastavnika čije su je lekcije inspirisale
da praktikuje svoja interesovanja.
Nasuprot njenim prethodnim nastavnicima,
Artur Vesli Dau je podsticao studente
da se fokusiraju na apstraktnije prikaze svetla, oblika i boje.
Ove lekcije se odražavaju u O'Kifinoj prvoj seriji apstraktnih crteža.
Nacrtani ugljenom, oni predstavljaju nizove pulsirajućih linija,
odvažnog senčenja i talasastih oblaka.
Ovi crteži prkose lakim klasifikacijama -
nagoveštavaju, nikad se ne podudarajući ni sa jednom određenom prirodnom pojavom.
Raniji evropski slikari iz tradicije kubizma
su primenjivali krutu geometriju na apstraktne spoljne objekte.
Međutim, O'Kif je ovde primenjivala oblike i ritam prirode
kako bi izrazila svoja unutrašnja osećanja.
Slični eksperimenti će uskoro da postanu temelj
umetničkog pokreta koji se naziva američki modernizam.
Iako nijedan pojedinačni stil ne definiše modernističke slike,
njegove pristalice su delile strast ka suprotstavljanju tradiciji realizma
koja je dominirala umetničkim obrazovanjem.
Počevši kasnih 1910-ih, modernističke slike
su često koristile geometrijske oblike i odvažne boje
kako bi istraživale američku psihu.
O'Kif se prepustila ovim eksperimentima -
ali nije rado pokazivala svoja dela.
No, kada je njen prijatelj poslao njene ugljene crteže
prodavcu umetnina Alfredu Štajglicu, on je bio očaran.
Godine 1916, priredio je veliku izložbu u Njujorku.
Ovo označava početak O'Kifine karijere kao popularne umetnice -
kao i veze koja će da dovede do braka 1924. godine.
Brak nije umanjio O'Kifinu naklonost ka samoći.
Putovala je naširoko kako bi podučavala
i često se mesecima osamljivala kako bi slikala.
Bilo da je istraživala stenovite kanjone Teksasa,
spokojne šume Južne Karoline ili izbledele pustinje Novog Meksika,
njen kreativni proces je bio baziran na ritualima i pažljivom posmatranju.
Obraćala je minucioznu pažnju na sitne detalje
i provodila je sate mešajući boje kako bi dobila odgovarajuće nijanse.
Kada bi pronašla savršenu nijansu, zabeležila bi je
u svojoj rastućoj kolekciji ručno pravljenih kartica za boju.
O'Kif je eksperimentisala i sa perspektivom kako bi slavila predmete
koji su često zanemarivani.
Na slici „Ovnova glava sa slezovačom”
smešta oronulu lobanju i nežni cvet
visoko iznad brda ispod njih.
Ova ogromna lobanja zasenjuje pejzaž,
bacajući novo jezivo svetlo kako na skelet tako i na planine.
Javnost je bila opčinjena
njenom jedinstvenom perspektivom i tajanstvenim držanjem.
Naročito je slavljena zbog ogromnih slika sa cvećem,
koje su varirale od vatrenih makova do sablaznih etiopskih kala.
Štajglic i drugi kritičari iz tog doba bili su zaluđeni Frojdovom psihologijom
i nisu oklevali da povežu ove slike sa ženskim genitalijama.
Međutim, O'Kif je odbacivala takva tumačenja.
Prezirala je muško stanovište koje je dominiralo svetom umetnosti
i zahtevala je da poštuju njeno delo
zbog emocionalnih asocijacija na priordni svet.
Naposletku, O'Kif se skrasila u Novom Meksiku,
u blizini jednog od njenih omiljenih umetničkih pribežišta.
U sedamdesetim, vid je počeo da je izdaje,
ali je nastavila da istražuje tajne pejzaža u novim, taktilnim medijima.
O'Kif je stvarala sve do svoje smrti u 98. godini
i upamćena je kao „majka američkog modernizma.”
Decenijama kasnije, njeno delo čuva neobuzdanu energiju -
a O'Kif svoju tajanstvenu ličnost.
Gün batımı renkleriyle ıslatılmış bir tuval, renkler alev gibi ışık saçıyor.
İlk bakışta bu resim imkânsız ve soyut bir görüntü gibi görünebilir.
Fakat yakından bakarsak bir Kana çiçeğinin ince sapları,
yemyeşil yaprakları ve kadifemsi dokusu ortaya çıkıyor.
Doğal nesnelerin soyut geometrik başkalaşımları,
Amerikalı devrimci bir ressam ve heykeltıraş olan
Georgia O'Keeffe'nin eserlerinde sıradan bir şey.
Fakat bu başkalaşımın ardındaki sihir,
sanatçının kendisi kadar anlaşılmaz.
1887'de Wisconsin'de doğan O'Keeffe, çocukluğunu resmetmek için
kır çiçekleri toplayarak ve meyveleri düzenleyerek geçirdi.
On yedi yaşındayken
saygın bir kurum olan Sanat Enstitüsünde öğrenim görmek için Chicago'ya taşındı.
Öğretmenleri ona, Avrupalı ustaların gelenekleri çerçevesinde
gerçekliğe sadık kalarak yeniden üretmeyi öğretti.
Bu işteki yalnızlıktan ve hassasiyetten keyif almasına rağmen
O'Keeffe, işe yönelik çok az kişisel bağ hissetti.
New York'a taşındıktan sonra biçimli hatlara daha çok yakınlaştı
ve Japon sanatının canlı renkleri ile kompozisyonunu işledi.
O’Keeffe kısa süre sonra bir öğretmen buldu
ve o öğretmenin dersleri bu ilgisini pratiğe dökmesi yolunda ona ilham verdi.
Önceki öğretmenlerinin aksine,
Arthur Wesley Dow,
daha çok ışığın, biçimin ve rengin soyut tasvirlerine odaklanmaları için
öğrencilerini teşvik etti.
Bu dersler, O’Keeffe'in ilk soyut çizimlerini ortaya koydu.
Kara kalemle resmedilen çizimler,
bir dizi dalgalı hatlardan, kalın gölgelerden
ve sigara dumanı gibi yükselen bulutlardan oluşuyordu.
Bu çizimler, kolay sınıflandırmaya karşı koyuyor --
doğanın belirli bir özelliğine atıfta bulunmayı öneriyor
fakat asla onunla tamamen örtüşmüyor.
Kübizm geleneğinin eski Avrupalı ressamları
dışsal özneleri soyutlamak için sabit geometrik şekiller kullandılar.
Fakat O’Keeffe, kendi içsel hissiyatlarını yakalamak için
doğanın ritimlerini ve şekillerini kullandı.
Böyle deneyler,
Amerikan Modernizmi denen akımın kısa sürede temel taşları oldu.
Tek bir stil Modernist resmi tarif edemese de
stilin savunucuları,
resim eğitimine hakim olan realist geleneğe meydan okuma konusunda
ortak bir arzuyu paylaştılar.
1910'ların sonlarından başlayarak
Modernist resimde Amerikan ruhunun derinine inmek için
sıklıkla geometrik şekiller ve koyu renkler kullanıldı.
O’Keeffe kendini bu deneylere adeta attı
fakat yeni eserlerini paylaşma konusunda isteksizdi.
Yine de, bir arkadaşı, O'Keeffe'in yaptığı kara kalem resimleri,
galerici Alfred Stieglitz'e gönderince
Stieglitz mest oldu.
Stieglitz, 1916'da New York'ta büyük bir sergi düzenledi.
Bu sergi, O'Keeffe'in hem popüler bir ressam olarak kariyerinin,
hem de 1924'te evlilikle sonuçlanacak olan ilişkisinin başlamasının işaretiydi.
Evlilik, O'Keeffe'in yalnızlık tutkusunu azaltmadı.
Öğretmenlik amacıyla sıklıkla seyahat etti
ve bir kerede aylarca resim yapmak için sıklıkla inzivaya çekildi.
Teksas'ın sarp kanyonlarını,
Güney Karolina'nın sessiz ormanlarını
ya da New Mexico'nun güneşe bulanmış çöllerini keşfetse de
onun yaratıcılık süreci ritüellere ve yakın gözlemlere dayanıyordu.
Küçük detaylara titiz itinayla yaklaştı
ve doğru renkleri yaratmak için boyaları karıştırarak saatler harcadı.
Kusursuz renk tonunu bulduğunda
renkleri, sürekli büyüyen el yapımı renk kartı koleksiyonuna ekledi.
O'Keeffe, sıklıkla gözden kaçan objeleri herkese tanıtmak için
perspektif deneyleri yaptı.
"Rams Head with Hollyhock" adlı resminde
parçalanmış kafatası ile narin bir çiçeği,
yükselen tepelerin üzerine yerleştirdi.
Bu devasa kafatası manzarayı gölgede bırakıyor,
hem iskeleti, hem de dağları
yeni ve ürkütücü bir ışıkla ortaya koyuyor.
Halk, onun eşsiz perspektifinden ve gizemli davranışından büyülenmişti.
Devasa çiçek resimleriyle özellikle övülüyordu,
bu resimler,
kıpkırmızı gelinciklerden, hayalete benzer kalla zambaklarına dek uzanıyordu.
Stieglitz ve dönemin diğer eleştirmenleri, Freudyen psikolojiye adeta bayıldılar
ve bu resimleri kadın organıyla bağdaştırmada aceleci davrandılar.
Fakat O'Keeffe, böylesi yorumları reddetti.
Resim dünyasındaki erkek egemenliğine gücenmişti
ve eserlerinde yer alan doğal dünyanın duygusal çağrışımından dolayı
kendisine saygı duyulması için ısrarcı olmuştu.
Sonunda, O'Keeffe New Mexico eyaletine yerleşti,
orası onun en sevdiği inziva yerlerinden biriydi.
70'li yaşlarında gözleri bozulmaya başladı
fakat yeni ve dokunsal ortamlardaki manzaranın gizemlerini
kazıp çıkarmayı sürdürdü.
98 yaşındaki ölümüne dek O'Keeffe üretmeye devam etti
ve "Amerikan Modernizminin Anası" olarak hatırlanıyor.
Onun eserleri, vahşi enerjisini
O'Keeffe de bireysel hünerini on yıllardır koruyor.
这块画布沉浸在落日的色调中， 像火焰放射光芒的色彩。
一眼看去，这幅画描绘的 似乎是不真实的抽象影像。
但近一步观察，浮现在眼前的 是美人蕉柔嫩的花茎、
娇艳的花瓣和天鹅绒般的质感。
这种将大自然的元素 转换成抽象几何的变形
在这位划时代的美国画家、雕刻家——
乔治亚 · 欧姬芙 （ Georgia O’Keeffe）的作品中
比比皆是。
但这种变化背后的魔法 仍如艺术家本人一样难以捉摸。
欧姬芙 1887 年生于威斯康星州， 童年时，她会临摹摘下的野花
和摆放好的水果。
17 岁时，她搬去了芝加哥， 在著名的芝加哥艺术学院求学。
她的老师们训练她 依照欧洲大师们的传统
忠实地对现实进行再现。
虽然这种作业的孤独与精准 让她乐在其中，
欧姬芙却几乎无法从中感受到 与她个人的共鸣。
在搬去纽约之后， 她愈发被日本艺术
干净的线条、醒目的构图 与鲜活的色彩所吸引。
欧姬芙很快找到了一位新老师， 他的课程鼓舞她
将这些兴趣投入实践。
与她之前的老师们不同，
阿瑟·卫斯礼·道（Arthur Wesley Dow） 鼓励学生注重光线、形状与颜色
这些更加抽象的表现形式。
这些课程催生了欧姬芙的 第一组抽象画。
这些画用炭笔绘成， 展现了一系列波动的线条、
大胆的阴影与舞动的云朵。
这些画作无法被轻易归类——
它们似乎在暗示特定的自然参考物， 却从不会与之特别吻合。
早期的欧洲立体主义画家
会采用棱角分明的几何形状 将外在的主体抽象化。
但在这里，欧姬芙使用了 自然的形状与韵律
捕捉她自己的内在情感。
像这样的实验很快就变成了
“美国现代主义” 艺术运动的基石。
虽然现代主义艺术 无法用单一的风格定义，
它的倡导者们共同怀抱着 挑战长期主宰艺术教育的
现实主义传统的渴望。
始于 20 世纪 10 年代末期， 现代主义艺术
常常使用几何形状与大胆的色彩
来探索美国人的心理。
欧姬芙也投身于这些实验——
但是她不情愿分享自己的新作。
然而，当一位朋友将她的炭笔画寄给
艺术商阿尔弗雷德 · 史蒂格利兹 (Alfred Stieglitz) 后，
他立刻深深陶醉于她的作品。
1916 年，他在纽约 举办了一场大型画展。
这也标志着欧姬芙风靡画坛的 艺术家生涯的开始——
同时开始的还有一段 于 1924 年修成正果的姻缘。
婚姻并没有磨灭 欧姬芙对寂寞的钟情。
她广泛游历进行教学， 也常常隐居数月潜心进行创作。
无论她是在探索 德克萨斯州嶙峋的峡谷，
南卡罗莱纳州静谧的森林， 还是新墨西哥州烈日下的沙漠，
她的创作过程都是 基于仪式感和细致的观察。
她会对小细节一丝不苟，
还会花费数小时混合颜料， 以调出最为恰当的色彩。
当她找到了完美的颜色， 她便会将其记录在
自己日益丰富的手工色卡收藏里。
欧姬芙还尝试通过不同的视角
去赞美那些往往被忽视的事物。
在《公羊头与蜀葵》 （“Rams Head with Hollyhock”）中，
她把一枚沧桑的头骨 和一朵纤弱的花
高高置于群峦之上。
巨大的头骨令景观相形见绌，
将骷髅与群山都笼罩于 新奇诡谲的氛围中。
欧姬芙独特的视角和隐秘的作风 令公众深深着迷。
尤其是她饱受赞誉的巨大花卉画，
从烈焰般的罂粟花到鬼魅般的海芋。
史蒂格利兹和当时的其他评论家 沉迷于弗洛伊德心理学，
急于将这些画作 和女性生殖器联系在一起。
但欧姬芙驳回了这种诠释。
她憎恨主导艺术界的男性凝视，
并要求他人尊重自己作品中
对自然界的情感唤醒。
最后，欧姬芙在新墨西哥州定居，
邻近她最爱的艺术家隐居地之一。
年过七旬的欧姬芙，视力渐渐衰退，
但她仍继续用新的触觉媒介 挖掘这片土地的神秘之处。
直到 98 岁辞世， 欧姬芙还一直在创作，
并作为 “美国现代主义之母” 被世人铭记。
历经数十载，她的作品依旧 留存着其狂野的能量——
正如欧姬芙保留了她的神秘感。
畫布浸在日落的色彩當中， 像火焰般放射光芒的顏色。
第一眼看來，這幅畫似乎是 不真實的抽象影像。
但再近一點看， 會發現美人蕉的嫩莖、
繁茂的瓣，及天鵝絨般的質感。
這種將大自然題材 轉換為抽象幾何的質變，
在喬治亞·歐姬芙的 作品中非常見到——
她是位革命性的 美國畫家和雕塑家。
但，這種轉換背後的魔力仍然
和這位藝術家本人一樣難以捉摸。
歐姬芙於 1887 年在威斯康辛出生，
童年時常摘野花 和擺放水果，供畫畫用。
十七歲時，她搬到芝加哥， 到著名的藝術學院進修。
她的老師訓練她
按照歐洲大師的慣例 忠實地再現現實。
雖然歐姬芙很享受 這份工作的孤獨和精準，
但她卻幾乎感受不到 個人化的連結。
在搬到紐約之後，
她越來越喜歡日本藝術的清晰線條、
令人注目的構圖，及生動的顏色。
歐姬芙很快就找到了一位老師， 鼓勵她將那些興趣化為實做。
跟她以前的老師不同，
亞瑟·衛斯理·道 鼓勵學生把焦點放在
將光線、形狀、顏色 做更抽象的呈現。
這些課程化為歐姬芙的 第一個抽象畫系列。
這些作品用木炭繪製， 呈現出一系列起伏線、
大膽的明暗，以及波狀雲。
這些繪畫公然挑戰 簡單的分類——
它們有所暗示，卻始終沒有 完全符合任何特定的大自然景物。
早期的歐洲立體派畫家
會把死板的幾何用在 抽象的外在主題上。
但在這裡，歐姬芙採用 大自然的形狀和節奏
來捕捉她的內在感受。
這種實驗很快就變成了
「美國現代主義」 這項藝術運動的基石。
雖然現代主義的畫作 無法用單一風格來定義，
但現代主義的倡導者都渴望挑戰
主導藝術教育的真實主義傳統。
從 1910 年代末期開始，
現代主義的畫作就經常使用
幾何形狀和大膽的顏色，
來探究美國人的精神。
歐姬芙自己投身到這些實驗中——
但她並不願意分享她新作。
然而一位朋友將她的木炭畫寄給 藝術商人阿爾弗雷德·史蒂格利茲，
他便深深著迷。
1916 年，他在紐約 安排了一場盛大的展覽。
歐姬芙變成知名藝術家的 職涯就此展開——
此時的一段關係， 也讓她在 1924 年結婚。
婚姻並沒有削減歐姬芙 喜愛孤獨的偏好。
她四處旅行去教學，
且常常閉關隱居作畫， 一次就是好幾個月。
不論她在探索的是德州的崎嶇峽谷、
南卡羅萊納州的安靜森林，
或新墨西哥烈日高照的沙漠，
她的創作過程都立基在 儀式和仔細的觀察上。
她非常注意小細節，
且會花數小時的時間 只為了混合出對的顏色。
當她找到完美的顏色， 她便會用她的手工色卡
將之記錄下來，色卡越累積越多。
歐姬芙也實驗嘗試
去讚頌通常被忽略的物體。
在「公羊頭與蜀葵」中，
底下是山丘，她還放了 一個已風乾的頭骨
及一朵精緻的花在山丘上方高處。
這個巨大的頭骨遮蔽了風景，
用新奇怪異的光線投射骷髏和山脈。
她的獨特觀點和神祕行為 讓大眾很著迷。
她特別受到讚揚的作品， 是數量很多的花朵畫作，
範圍從烈火般的罌粟花 到幽靈般的海芋都有。
史蒂格利茲和其他當時的評論家 沉迷於佛洛依德的心理學，
很快就把這些畫作 和女性生殖器拉上連結。
但歐姬芙不同意這種詮釋。
她憎惡藝術圈 都是由男性目光來主導，
並要求大家尊重她作品的特色：
讓觀眾在情緒上聯想到大自然。
最終，歐姬芙在新墨西哥定居，
很接近她最愛的隱居地之一。
七十多歲時，她的視力 開始漸漸不行了，
但她用有觸感的新媒材 持續發掘風景的神秘之處。
在九十八歲辭世之前， 歐姬芙都不斷創作，
後世都記得這位 「美國現代主義之母」。
數十年後，她的作品仍然 保有其狂野的能量——
歐姬芙也仍然保有她的個人神祕感。