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Thelma Golden: Cómo el arte da forma al cambio cultural

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    La brillante dramaturga, Adrienne Kennedy,
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    escribió un libro llamado
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    "People Who Led to My Plays". (“Gente que me guió a mis obras”)
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    Y si yo escribiera un libro
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    lo llamaría
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    “Artistas que me han guiado a mis muestras”
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    porque mi trabajo
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    comprendiendo el arte y la cultura
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    ha surgido de seguir a los artistas,
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    de la observación de lo que los artistas significan,
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    de lo que hacen y de lo que son.
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    Jay Jay de “Good Times”
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    (Aplausos)
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    significativo para muchas personas
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    debido a “dyn-o-mite”,
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    pero tal vez más significativo
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    como el primer artista negro
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    en horario central en TV.
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    Jean Michel Basquiat,
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    importante para mí
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    por ser el primer artista negro en tiempo real
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    que me mostró las posibilidades
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    de quién era yo y dónde iría a ingresar.
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    Globalmente mi proyecto es acerca del arte,
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    específicamente acerca de artistas negros,
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    en general
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    trata la manera en que el arte
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    puede cambiar la forma en la que pensamos
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    la cultura y a nosotros mismos.
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    Mi interés radica en artistas
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    que comprenden y reescriben la historia,
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    que se consideran a sí mismos
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    dentro de la narrativa
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    amplia del mundo del arte,
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    pero que han creado para nosotros
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    nuevos lugares para observar y entender.
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    Muestro dos artistas aquí, Glenn Ligon y Carol Walker,
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    dos, entre muchos, que para mí definen
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    las preguntas esenciales que, como curadora,
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    quiero traer al mundo.
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    Estaba interesada en la idea
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    de por qué y cómo
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    podría yo crear una nueva historia,
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    una nueva narrativa en la historia del arte
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    y una nueva narrativa en el mundo.
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    Y para hacer esto entendí
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    que tenía que ver la manera en que trabajan los artistas,
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    entender el estudio del artista
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    como un laboratorio,
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    imaginen entonces
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    reinventar el museo como una usina de ideas
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    y las exhibiciones como
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    el “paper” definitivo, formulando las preguntas
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    y proveyendo el lugar
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    para ver y pensar las respuestas.
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    En 1994,
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    cuando era curadora en el Museo Whitney,
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    realicé una exhibición llamada “El hombre negro”.
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    Interpelaba la intersección
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    entre raza y género
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    en el arte estadounidense contemporáneo.
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    Buscaba expresar
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    las maneras en las que el arte
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    podía proveer un marco al diálogo,
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    un diálogo complicado,
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    un diálogo con muchas aristas,
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    y cómo podía el museo ser un espacio
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    para esta contienda de ideas.
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    Esta muestra incluyó
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    más de 20 artistas
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    de varias edades y razas,
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    pero todos abordando la masculinidad negra
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    desde un punto de vista singular.
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    Lo significativo de esta exhibición
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    fue la manera en que
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    me involucró en mi rol
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    de curadora, de catalizadora,
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    en este diálogo.
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    Una de las cosas que sucedieron
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    con mucha nitidez durante esta muestra
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    es que me enfrenté con la idea
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    de cuán poderosas pueden ser la imágenes
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    y la propia comprensión de la gente en relación a sí mismos y hacia los otros.
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    Estoy mostrándoles dos trabajos, el de la derecha, de Leon Golub,
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    el de la izquierda, de Robert Colescott.
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    Y durante la exhibición,
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    que fue provocadora, controvertida
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    y que definitivamente
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    cambio mi percepción
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    de lo que podía ser el arte,
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    una mujer me abordó en la galería
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    para expresarme su preocupación sobre lo
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    poderosas que podían ser las imágenes
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    y cómo nos entendemos unos a otros.
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    Y señaló el trabajo de la izquierda
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    como una imagen problemática,
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    dado que se asociaba, para ella, con la forma
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    de representación del pueblo negro.
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    Y señaló la imagen de la derecha
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    como ejemplo, para mí, de la clase de dignidad
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    que era necesario retratar
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    en contraposición con las imágenes de los medios.
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    Luego asignó identidades raciales a los trabajos,
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    básicamente diciéndome que el trabajo de la derecha
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    claramente era de un artista negro,
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    el trabajo de la izquierda, claramente de un artista blanco,
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    cuando en realidad
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    era lo opuesto.
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    Bob Colescott, un artista afro-estadounidense,
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    Leon Golub, un artista blanco.
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    El sentido para mí,
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    en ese espacio, en ese momento,
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    era más que nada
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    intentar comprender
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    cómo podían funcionar y cómo funcionaban las imágenes
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    y cómo los artistas suministraban
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    un espacio para hacer evidentes esas imágenes,
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    más grande del que
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    nos podríamos imaginar en nuestras vidas cotidianas.
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    Avance rápido y estoy en Harlem,
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    para muchos la cuna de los EE.UU. negros,
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    el corazón psíquico
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    de la experiencia negra,
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    realmente el lugar en donde surgió el Renacimiento de Harlem.
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    Harlem ahora, de alguna forma explicándose
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    y pensándose a sí misma en esta parte del siglo,
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    mirando tanto hacia atrás como hacia adelante.
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    Siempre digo que Harlem es una comunidad interesante
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    porque, a diferencia de otras,
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    se piensa a sí misma simultáneamente
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    en el pasado, en el presente y en el futuro.
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    Nadie habla de ella simplemente en el ahora.
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    Siempre es lo que fue y lo que puede ser.
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    Entonces, pensando en eso,
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    mi segundo proyecto, la segunda pregunta que hago:
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    ¿Puede un museo
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    ser un catalizador en una comunidad?
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    ¿Puede un museo albergar artistas
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    y permitirles ser agentes de cambio
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    a medida que las comunidades se piensan nuevamente?
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    Esto es Harlem, actualmente, el 20 de enero,
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    pensándose a sí misma de una manera maravillosa.
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    Así, trabajo ahora en el Studio Museum de Harlem,
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    ideando exhibiciones allí,
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    pensando qué significa
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    descubrir las posibilidades del arte.
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    ¿Qué significa esto para algunos de ustedes?
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    Sé que en algunos casos muchos de ustedes
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    están involucrados en diálogos interculturales,
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    en ideas acerca de la creatividad y la innovación.
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    Consideren el lugar que los artistas pueden tomar en eso.
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    Éste es el tipo de maduración y promoción
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    que son mis metas cuando trabajo con jóvenes artistas negros.
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    Piensen en los artistas no como proveedores de contenido,
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    aunque pueden ser brillantes en eso,
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    sino, nuevamente, como catalizadores efectivos.
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    El Studio Museum fue fundado a fines de los ‘60.
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    Lo traigo a colación porque es importante situar
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    esta práctica en la historia,
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    remontarse a 1968
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    al momento histórico increíble que es,
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    y pensar en todo lo sucedido desde entonces,
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    pensar en lo privilegiados que somos
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    por las posibilidades de hoy,
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    e imaginar este museo
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    que surgió en un momento de grandes protestas,
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    en el que
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    se examinó la historia y el legado
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    de importantes artistas afro-estadounidenses
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    para la historia del arte de este país,
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    como Jacob Lawrence, Norman Lewis,
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    Romare Beardon.
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    Entonces, por supuesto,
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    nos trae al presente.
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    En 1975 Mohammed Ali
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    dio una conferencia en la Universidad de Harvard.
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    Luego de la conferencia un estudiante le pidió
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    “Danos un poema”.
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    Y Mohammed Ali dijo “Yo, Nosotros”.
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    Una declaración profunda acerca del individuo y la comunidad,
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    el espacio en el que hoy
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    en mi proyecto de descubrimiento de pensar acerca de los artistas,
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    de intentar definir
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    qué podría ser
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    el movimiento cultural del arte negro del siglo XXI.
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    Qué es lo que podría significar
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    para los movimientos culturales en este momento,
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    “Yo, Nosotros” parece
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    increíblemente anticipatorio,
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    totalmente importante.
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    Para este propósito
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    el proyecto específico que ha hecho esto posible
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    es una serie de muestras,
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    tituladas todas con una F,
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    “Estilo Libre” [“Freestyle”], “Frecuencia” y “Flujo”,
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    cuyo propósito es descubrir
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    y definir
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    a los jóvenes artistas negros activos en este momento
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    quienes creo firmemente
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    que continuarán trabajando en los años venideros.
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    Esta serie de muestras
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    se realizó específicamente
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    para intentar cuestionar
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    la idea de qué significaría
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    hoy, en este momento de la historia,
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    ver el arte como catalizador,
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    qué significaría hoy, en este momento de la historia,
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    en que definimos y redefinimos la cultura,
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    la cultura negra específicamente en mi caso,
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    pero la cultura de modo general.
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    Designé este grupo de artistas
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    proponiendo la idea
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    de "post-negro".
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    Intentando realmente definirlos
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    como artistas que inician su trabajo ahora,
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    con conciencia de la historia, pero comenzando en este momento histórico.
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    Es en este sentido de descubrimiento
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    en el que me planteo muchas preguntas.
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    Esta batería de preguntas es:
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    ¿Qué significa en este momento
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    ser afro-estadounidense en EE.UU.?
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    ¿Qué puede aportar el arte a esto?
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    ¿Dónde puede existir un museo
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    como lugar para que tengamos
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    este diálogo?
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    Realmente lo más emocionante acerca de esto
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    es pensar en la energía y el entusiasmo
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    que pueden traer los nuevos artistas.
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    Sus trabajos son, para mí,
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    no siempre simplemente
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    la innovación estética
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    que imaginan sus mentes, que crean sus visiones
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    y traen al mundo;
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    sino más importante es tal vez
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    que a través del entusiasmo de la comunidad
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    que crean como voces importantes,
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    nos permiten entender nuestra situación actual,
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    y también la futura.
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    Me sorprende constantemente
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    la manera en la que
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    el tema de la raza
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    aparece en lugares
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    en los que no imaginamos que estaría.
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    Me sorprende siempre
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    la manera en que los artistas están dispuestos
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    a hacerlo en sus trabajos.
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    Es por eso que acudo al arte.
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    Es por eso que cuestiono al arte.
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    Es por eso que realizo muestras.
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    Entonces, en esta muestra, como dije,
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    40 jóvenes artistas en el curso de ocho años,
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    para mí se trata de considerar las implicancias.
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    Es considerar las implicancias de
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    lo que esta generación tiene para decir al resto de nosotros.
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    Es considerar qué significa para estos artistas
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    pertenecer tanto al mundo, en la medida
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    en que sus obras viajan, como a sus comunidades,
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    como gente que nos observa y piensa
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    en los problemas que enfrentamos.
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    Es también pensar en
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    el espíritu creativo y en cómo alimentarlo.
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    E imaginar, en particular en los EE.UU. urbanos,
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    cómo alimentar el espíritu.
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    Entonces, quizá, ¿dónde termina todo esto?
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    Para mí se trata de volver a imaginar
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    este discurso cultural en un contexto internacional.
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    Así, la última iteración de este proyecto
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    se llamó “Flujo”,
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    con la idea de crear
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    una red concreta
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    de artistas alrededor del mundo
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    observando, no desde Harlem hacia afuera,
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    sino transversalmente.
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    “Flujo” se concentraba en artistas nacidos en África.
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    Y mientras muchos de nosotros pensamos en ese continente
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    y en lo que significa para nosotros
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    en el siglo XXI,
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    he comenzado a hacerlo observando
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    a través de los artistas, a través de sus obras,
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    imaginando qué nos pueden decir acerca del futuro,
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    qué nos pueden decir de nuestro futuro,
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    y qué crean en el sentido
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    de ofrecernos esta gran posibilidad de observar
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    ese continente emerger
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    y ser parte de nuestro gran diálogo.
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    Entonces, ¿qué descubro yo
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    cuando veo obras de arte?
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    ¿En qué pienso
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    cuando pienso acerca del arte?
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    Considero que el privilegio que he tenido como curadora
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    no es simplemente el descubrimiento de nuevos trabajos,
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    el descubrimiento de trabajos apasionantes;
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    sino realmente
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    lo que he descubierto sobre mí misma
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    y de lo que puedo ofrecer
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    en el marco de una muestra,
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    hablar de belleza, hablar de poder,
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    hablar de nosotros
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    y hablar y comunicarnos entre nosotros.
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    Eso es lo que me hace levantarme cada día
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    y desear pensar en
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    esta generación de artistas negros y artistas de todo el mundo.
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    Gracias.
Title:
Thelma Golden: Cómo el arte da forma al cambio cultural
Speaker:
Thelma Golden
Description:

Thelma Golden, curadora del Studio Museum de Harlem, comenta tres eventos recientes que exploran la forma en que el arte examina y redefine la cultura. Los artistas "post-negro" con los que trabaja emplean su arte para provocar un nuevo diálogo sobre raza y cultura... y sobre el sentido mismo del arte.
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Video Language:
English
Team:
closed TED
Project:
TEDTalks
Duration:
12:08
Fernando Simonotti added a translation

Spanish subtitles

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