Comment élargir sa vision et se détacher : l'art de Georgia O'Keeffe - Iseult Gillespie

Voir la leçon complète : https://ed.ted.com/lessons/how-to-see-more-and-care-less-the-art-of-georgia-o-keeffe-iseult-gillespie

Se sentant déconnectée de la création artistique dans le cadre des conventions classiques, l'artiste Georgia O'Keeffe commence à expérimenter avec des dessins abstraits défiant toute classification simpliste. En utilisant les formes et les rythmes de la nature pour représenter son monde intérieur, ses expériences deviennent la pierre angulaire du mouvement connu sous le nom de Modernisme américain. Iseult Gillespie explore les œuvres de l'insaisissable peintre et sculptrice.

Leçon d'Iseult Gillespie, dirigée par Lisa LaBracio.

Une toile aux tons de crépuscule,
des couleurs qui luisent comme une flamme.

À première vue, ce tableau peut paraître
une image impossible et abstraite.

Mais, un examen plus approfondi
révèle les tiges tendres,

les pétales luxuriants et
la texture veloutée d'une canna.

Cette métamorphose des sujets naturels
en géométrie abstraite

est courante dans l'oeuvre
de Georgia O'Keeffe —

la peintre et sculptrice
américaine révolutionnaire.

Mais, la magie derrière
cette transformation reste

tout aussi insaisissable
que l'artiste elle-même.

Née dans le Wisconsin en 1887, elle passe
son enfance à cueillir des fleurs sauvages

et à disposer des fruits pour les peindre.

À 17 ans, elle s'installe à Chicago pour
étudier au prestigieux Art Institute.

Ses professeurs lui enseignent
à reproduire fidèlement la réalité

dans les conventions
des maîtres européens.

Même si elle apprécie la solitude
et la précision de ce travail,

O'Keeffe n'y sent pas vraiment
un attachement personnel.

Après avoir déménagé à New York,
elle est plus attirée par les traits nets,

la composition saisissante et
les couleurs vives de l'art japonais.

O'Keeffe trouve vite un maître
dont les leçons l'amènent

à mettre ses intérêts en pratique.

Contrairement à ses anciens maîtres,

Arthur Wesley Dow pousse ses étudiants
vers des représentations plus abstraites

de la lumière, des formes et des couleurs.

Ces leçons s'expriment dès les premiers
dessins abstraits d'O'Keeffe.

Travaillés au fusain, ils présentent
une série de lignes ondulantes,

des ombres audacieuses
et des nuages gonflés.

Ces dessins défient
toute classification évidente —

suggérant, sans vraiment correspondre,
des références naturelles précises.

Les peintres précurseurs européens
de la tradition cubiste

avaient utilisé une géométrie rigide
pour abstraire des sujets externes.

Mais ici, O'Keeffe emploie
les formes et les rythmes de la nature

pour représenter
ses sentiments intérieurs.

De telles expériences seront
bientôt la pierre angulaire

d'un mouvement artistique
appelé le Modernisme américain.

Bien qu'aucun style ne définisse
à lui seul la peinture moderniste,

ses adeptes partagent le désir de
remettre en cause les traditions réalistes

qui dominent l'éducation artistique.

À partir de la fin des années 1910,
la peinture moderniste

utilise souvent des tons vifs
et des formes géométriques

pour explorer la psyché américaine.

O'Keeffe se lance dans ces expériences —

mais, elle reste réticente
à partager son nouveau travail.

Mais, quand une amie envoie ses fusains
au marchand d'art Alfred Stieglitz,

il se laisse envoûter.

En 1916, il organise
une grande exposition à New York.

Elle marque le début de la carrière
d'O'Keeffe comme artiste populaire —

et d'une relation qui mènerait
au mariage en 1924.

Le mariage n'estompe pas
le goût de O'Keeffe pour la solitude.

Elle voyage beaucoup pour enseigner

et s'isole souvent pour peindre
pendant des mois.

Que ce soit pour explorer
les canyons escarpés du Texas,

les forêts paisibles de Caroline du Sud,
ou le désert roussi du Nouveau-Mexique,

son processus créatif se base
sur le rituel et l'observation attentive.

Elle porte une attention méticuleuse
aux petits détails

et elle s'attarde à mélanger les peintures
pour créer exactement les bonnes couleurs.

Quand elle trouve le ton parfait,
elle l'enregistre

dans sa collection toujours croissante
de cartes de couleurs faites à la main.

O'Keeffe expérimente également avec
la perspective pour souligner des objets

qui étaient souvent négligés.

Dans « Rams Head with Hollyhock »,

elle place un crâne patiné
et une fleur délicate

en hauteur au-dessus
des collines en contrebas.

Ce crâne massif éclipse le paysage,

plongeant le squelette et les montagnes
dans une lumière nouvelle et inquiétante.

Son regard unique captive le public,
ainsi que son comportement énigmatique.

Elle est particulièrement appréciée
pour ses toiles de fleurs massives,

allant des coquelicots ardents
aux arums fantomatiques.

Stieglitz et d'autres critiques à l'époque
s'entichent de psychologie freudienne

et associent rapidement ces oeuvres
à des organes génitaux féminins.

Mais, O'Keeffe rejette
de telles interprétations.

Elle n'aime pas le regard masculin
qui règne dans l'art

et demande le respect de son travail

pour son évocation émotionnelle
du monde naturel.

Finalement, O'Keeffe s'installe
au Nouveau-Mexique,

près de l'une de
ses retraites d'artistes préférées.

À 70 ans, sa vue commence à baisser,

mais elle continue d'explorer les mystères
du paysage sur de nouveaux supports.

O'Keeffe continue à créer
jusqu'à sa mort à 98 ans,

et, dans les mémoires, elle reste
la « mère du modernisme américain ».

Des années plus tard,
son œuvre conserve son énergie sauvage —

et O'Keeffe sa mystique personnelle.