Sculture da palcoscenico mozzafiato, che fondono musica e tecnologia

Tutto inizia con uno schizzo. Poi evolve in un capolavoro visivo enorme, una celebrazione della connessione umana. Seguici mentre la leggendaria artista e designer Es Devlin ci conduce attraverso un tour visivo del suo lavoro - incluse le iconiche sculture di scena che ha creato per Beyoncé, Adele, Kanye West , U2 e altri - e ci mostra in anteprima il suo progetto per l'Esposizione Mondiale 2020 a Dubai.

Queste sono sequenze
dell'opera "Lehman Trilogy"

che ripercorre le origini
del capitalismo occidentale,

in tre ore,

con tre attori e un pianoforte.

Il mio ruolo è stato quello
di creare una scenografia,

elaborare un linguaggio visivo
per questa opera.

L'opera descrive
le traversate dell'Atlantico,

i campi di cotone in Alabama,

gli skyline di New York,

e abbiamo incorniciato tutto
in un singolo cubo girevole

una sorta di cinema cinetico
che attraversa i secoli.

È quasi un unico strumento musicale,
suonato da tre performer.

E mentre, dentro e fuori il cubo,
scorrono le vite dei fratelli Lehman,

noi, pubblico in sala,

iniziamo a connetterci
alle origini semplici, umane

alla radice dei complessi
sistemi finanziari globali

da cui oggi tutti noi dipendiamo.

Io stessa, da giovane,
suonavo degli strumenti musicali.

Il mio preferito era il violino.

Quell'intimo scambio di energia.

Reggevi questa scultura organica
accanto al cuore,

riversavi l'energia di tutto il tuo corpo
in quel piccolo pezzo di legno,

e la ascoltavi tradotta in musica.

Non sono mai stata particolarmente brava
a suonare il violino,

ma mi sedevo in fondo
alla sezione del secondo violino

nella Hastings Youth Orchestra,

sfregando.

Tutti quanti sfregavamo,

meravigliandoci del suono sinfonico
che stavamo creando,

che era enormemente più bello e potente

di qualsiasi cosa
che avremmo potuto fare da soli.

E ora che creo performance mastodontiche,

lavoro sempre con team

grandi almeno quanto
un'orchestra sinfonica.

E sia che stiamo creando

questi giganteschi tunnel del tempo
ispirati agli scacchi,

per un'opera di Richard Wagner,

o gabbie per gli squali
e montagne per Kanye West,

cerchiamo sempre di creare
la scultura più articolata,

lo strumento di comunicazione
più poetico per il pubblico.

Quando dico poetico,

intendo il linguaggio
nella sua forma più densa

come il testo di una canzone,

un puzzle poetico
da sbloccare e spacchettare.

Mentre ci stavamo preparando a progettare
il tour "Formation" di Beyoncé

abbiamo esaminato tutti i suoi testi

e abbiamo trovato
questa poesia scritta da Beyoncé.

"Ho visto un predicatore in TV,

un giorno che ero spaventata dagli incubi,
a quattro o cinque anni,

che prometteva di dire una preghiera
se avessi messo la mano sulla TV.

Fu il mio primo ricordo di una preghiera,
la corrente che mi attraversava."

Questa TV che ha trasmesso una preghiera
a Beyoncé quando era bambina

diventò questa scultura
monolitica in movimento

che trasmetteva Beyoncé
fino al fondo dello stadio.

E lo stadio è una congregazione di massa.

È una popolazione temporanea
di centomila persone

tutte arrivate lì
per cantare ogni parola insieme.

Ma sono anche arrivate, tutte,
per cercare un'intimità reciproca

con la performer.

E noi, mentre ideavamo lo show,
dovevamo conservare l'intimità

su larga scala.

Di norma, si inizia con degli schizzi.

Stavo abbozzando questo ritratto
dell'artista, alto 18 metri, mobile,

pronto per la trasmissione,

e poi ho strappato a metà
il pezzo di carta.

Ho diviso la maschera

nel tentativo di accedere
all'umanità sottostante.

Fare uno schizzo è una cosa,
ma tradurre uno schizzo

in un edificio a sei piani
girevole e trasportabile in tour

ha richiesto che ingegneri eccezionali
lavorassero senza sosta per tre mesi

fino a quando finalmente
siamo arrivati a Miami

e abbiamo aperto lo show ad aprile 2016.

(Video: Esclamazioni)

(Musica)

Chiamo il mio lavoro -

(Applausi)

Grazie.

(Applausi)

Chiamo il mio lavoro "scultura di scena".

Ma ad essere scolpita, in realtà,
è l'esperienza del pubblico.

E come direttori e designer,

siamo responsabili di ogni minuto
che il pubblico passa insieme a noi.

Siamo un po' come dei piloti

che percorrono una rotta aerea
per centomila passeggeri.

Nel caso dell'artista canadese The Weeknd,

abbiamo tradotto "letteralmente"
questa rotta aerea

in un origami di carta
a forma di aeroplano

che è decollato sopra le teste
degli spettatori,

si è distrutto in volo
per delle complicazioni,

e poi si è ricomposto dai suoi relitti

alla fine dello spettacolo.

Come per ogni volo,

la parte più delicata
è il decollo, l'inizio,

perché quando disegni un concerto pop

la materia prima con cui lavori

è un qualcosa che un camion,
o una squadra, non possono trasportare.

E non costa nulla.

Ma riempie ogni atomo di aria,
prima che lo show inizi.

È l'aspettativa del pubblico.

Tutti portano con sé
la storia di come sono arrivati lì,

le distanze viaggiate,

i mesi di lavoro per pagare i biglietti.

A volte dormono la notte fuori dall'arena,

e il nostro primo compito è ripagare
le aspettative del pubblico,

dar loro un memorabile
primo contatto con l'artista.

Qiuando lavoro con gli uomini,

loro sono felici di vedere
la propria musica trasformata in metafora:

viaggi spaziali, montagne.

Ma con le donne, lavoriamo con maschere
e ritratti tridimensionali,

perché i fan dell'artista donna
bramano il suo viso.

Quando il pubblico è arrivato
al primo concerto di Adele in cinque anni,

è stato accolto da questa immagine
dei suoi occhi addormentati.

Se ascoltavano attentamente,

sentivano il suo respiro addormentato
echeggiare all'interno dell'arena,

in attesa di svegliarsi.

Ecco l'inizio dello show.

(Video: Applausi)

(Musica)

Adele: Ciao a tutti!

(Applausi)

Con gli U2 abbiamo guidato gli spettatori

su un terreno che attraversa
tre decadi di politica, poesia e musica.

Per mesi, quando incontravamo
la band e i team creativi,

la bozza ricorrente era questa:

questa linea, questa strada,

la strada che connette
il passato della band col presente,

la linea sottile su cui camminano
come attivisti e artisti,

una passeggiata nel cinema

che consente alla band
di diventare protagonista

della propria poesia.

(Musica)

La fine dello spettacolo
è un po' come la fine di un volo.

È un arrivo.

È un transfer dal palco al pubblico.

Per la band britannica Take That,

abbiamo chiuso lo show mandando
una figura umana meccanica di 24 metri

fino al centro della folla.

(Musica)

Come in molte traduzioni
dalla musica alla meccanica,

questa cosa inizialmente
fu ritenuta tecnicamente impossibile.

Fu rifiutata dai primi tre ingegneri
a cui la proponemmo,

e alla fine ci riuscimmo

mantenendo l'intero sistema di controllo
dentro un blocco unico

mentre andava in tour per il paese.

L'abbiamo dovuto richiudere
dentro un autocarro a pianale,

per trasportarlo senza smontarlo.

Di conseguenza, le dimensioni della testa

sono state condizionate

dal ponte più basso
sotto cui sarebbe dovuto passare.

E a quanto pare, devo dirvelo,

c'è un ponte inaggirabile,
e fastidiosamente basso,

alle porte di Amburgo.

(Risate)

(Musica)

Un altro spettacolo, tra i più complessi
tecnicamente, al quale abbiamo lavorato,

è l'opera "Carmen"

al Festival di Bregenz in Austria.

Immaginammo le mani di Carmen
uscire dal Lago di Costanza

e gettare all'aria questo mazzo di carte,

lasciandole sospese tra cielo e mare.

Ma questo gesto effimero,
questo scatto dei polsi

doveva diventare una struttura
abbastanza forte

da sopravvivere a due inverni austriaci.

Dietro questa fotografia
c'è una grandissima parte invisibile,

che svolge il vero lavoro.

Si tratta di tanta zavorra e struttura
e supporto intorno alla parte posteriore

e vi farò vedere le foto
che non sono sul mio sito.

Queste sono le foto del retro del set,

la parte che si prevede
di non far vedere al pubblico,

malgrado il suo grande contributo.

E questo è il vero dilemma

di un artista che lavora
come stage designer:

molto di quello che faccio
è finto, è un'illusione.

Eppure, ogni artista lavora allo scopo
di comunicare qualcosa che è vero.

Ma noi ci chiediamo di continuo:

"È possibile, con cose finte,
comunicare la verità?"

Ora, quando vado agli spettacoli
ai quali ho lavorato

spesso scopro di essere l'unica
che non guarda il palco.

Guardo qualcosa che per me
è altrettanto affascinante,

che è il pubblico.

(Esclamazioni)

In quale altro posto si vede questo?

(Esclamazioni)

Così tante persone
connesse, concentrate, coese?

Ultimamente ho iniziato a fare cose
che iniziano da qui,

dalla voce collettiva del pubblico.

"Poem Portraits" è una poesia collettiva.

È iniziata a Londra
nella Serpentine Gallery

e tutti sono invitati a donare una parola
a una poesia collettiva.

Invece di quel grande,
singolo ritratto a LED

che veniva trasmesso
fino alla fine dello stadio,

in questo caso ogni membro del pubblico

può portare il proprio ritratto via con sé

ed è intrecciato alle parole

con le quali hanno contribuito
alla poesia collettiva.

E tengono così un frammento

di un lavoro collettivo
in continua evoluzione.

L'anno prossimo, la poesia collettiva
avrà una forma architettonica.

Questo sarà il padiglione del Regno Unito
all'Esposizione Mondiale del 2020.

Il Regno Unito...

in tutta la mia vita,
non è mai sembrato così diviso.

Non è mai apparso così rumoroso,
con voci così divergenti.

E non è mai sembrato
così bisognoso di luoghi

dove connettere e convergere queste voci.

La mia speranza è
che questa scultura di legno,

questo strumento di legno,
un po' come il violino che suonavo,

possa essere un posto dove le persone
potranno giocare ed inserire una parola

a una estremità del cono,

uscire dall'altra parte della struttura

e scoprire che la loro parola ha raggiunto
una poesia collettiva, una voce collettiva

(Musica)

Questi sono semplici esperimenti
di machine learning.

La poesia collettiva è generata
da un algoritmo abbastanza semplice.

È un po' come il testo predittivo,

solo che attinge da milioni di parole

scritte da poeti
del diciannovesimo secolo.

Quindi è una sorta di convergenza
tra intelligenza passata e presente,

organica e inorganica.

Ci siamo fatti ispirare, in questo,
dalle parole di Stephen Hawking.

Verso la fine della sua vita,
si è fatto una semplice domanda:

se noi, come specie, incontrassimo mai
un'altra forma di vita avanzata,

una civiltà avanzata,

come parleremmo loro?

Quale linguaggio collettivo
parleremmo, come pianeta?

Il linguaggio della luce
raggiunge qualsiasi audience.

Tutti ne siamo toccati.
E nessuno può trattenerlo.

A teatro, iniziamo ogni lavoro al buio,
in uno spazio senza luce.

Stiamo svegli tutta la notte,
calibrando le luci, programmandole,

cercando nuovi modi
di scolpirle e intagliarle.

(Musica)

Questo è il ritratto del nostro lavoro,

in cui cerchiamo sempre nuovi modi
di formare e riformare la luce,

cerchiamo parole per cose
che non dobbiamo più dire.

E voglio dire che questo,

e tutto ciò che vi ho appena mostrato,

non esiste più in una forma fisica.

(Musica)

La maggior parte delle opere
che ho creato in 25 anni

non esistono più.

Ma il nostro lavoro vive nei ricordi,
in sculture sinaptiche,

nella mente di chi è stato,
almeno una volta, tra il pubblico.

(Musica)

Una volta ho letto
che una poesia imparata a memoria

è ciò che ti rimane,

un qualcosa che non può andare perduto,

anche se un incendio ti distrugge la casa
e perdi tutti i tuoi averi.

Voglio concludere con alcuni versi
che ho imparato a memoria molto tempo fa.

(Musica)

Sono stati scritti
dall'autore inglese E. M. Forster,

nel 1910, appena qualche anno prima
che l'Europa, il mio continente,

(Musica)

iniziasse a lacerarsi.

(Musica)

E ancora oggi risuona
il suo appello alla convergenza

nella maggior parte
di ciò che proviamo a fare ora.

(Musica)

"Nient'altro che connettere!
Ecco la sostanza del suo sermone.

Nient'altro che connettere
la prosa con la passione,

allora entrambe ne saranno esaltate

e l'amore umano apparirà al suo culmine.

Nient'altro che connettere!
E non vivere più in frammenti."

Grazie.

(Applausi)