De fascinantes sculptures scéniques qui unissent la musique et la technologie

Tout commence par un dessin qui évolue ensuite en un chef-d’œuvre visuel plus vrai que nature, une célébration des relations humaines. Suivez la mythique artiste et designer Es Devlin dans une visite imagée de son œuvre, notamment des sculptures scéniques emblématiques qu'elle a créées pour Beyoncé, Adele, Kanye West, U2 et bien d'autres – et également d'un aperçu de son projet pour la prochaine Exposition Universelle de 2020 à Dubaï.

Voici les séquences d'une pièce nommée
« La trilogie Lehman »

retraçant les origines
du capitalisme en Occident

en trois heures,

avec trois acteurs et un piano.

Mon rôle était de créer un décor de scène

afin d'écrire un langage visuel
pour cette œuvre.

La pièce décrit
les traversées transatlantiques,

les champs de cotons en Alabama,

la vue sur Manhattan, à New York.

Nous avons inséré le tout à l'intérieur
du cube en rotation que vous voyez,

un genre de cinéma en mouvement
à travers les siècles.

C'est comme un instrument de musique

joué par trois interprètes.

Et alors qu'ils arpentent et traversent

la vie des frères Lehman,

nous, le public,

commençons à nous relier
aux simples origines humaines

des systèmes financiers mondiaux complexes

dont nous sommes encore
aujourd'hui esclaves.

Je jouais des instruments de musique
quand j'étais jeune.

Mon préféré était le violon.

C'était ce transfert intime d'énergie.

Je tenais cette sculpture organique
au-dessus de mon cœur,

je déversais l'énergie de tout mon corps

dans cette petite pièce de bois
et je l'entendais traduite en musique.

Je n'ai jamais été
particulièrement bonne en violon,

mais je m'asseyais à l'arrière
de la deuxième section de violon

de l'orchestre des jeunes de Hastings,

et je le faisais crisser.

Nous faisions tous crisser nos violons,

en nous émerveillant de la musique
symphonique que nous produisions.

C'était bien plus beau et plus puissant

que tout ce que
nous aurions pu faire seuls.

Et à présent, quand je crée
des représentations de grande envergure,

je travaille toujours avec des équipes

de taille au moins semblable
à celle d'un orchestre symphonique.

Et que nous créions

ces tunnels temporels géants
sous forme de pièces d'échecs en rotation

pour un opéra de Richard Wagner

ou des citernes de requins et
des montagnes pour Kanye West,

nous cherchons toujours à créer
la scénographie la plus expressive,

l'instrument de communication
le plus poétique pour un public.

Quand je dis poétique,

je fais référence à la langue
dans sa plus forme la plus condensée,

comme les paroles d'une chanson,

une énigme poétique
à déchiffrer et examiner.

Quand nous préparions le design
de la tournée Formation de Beyoncé,

nous avons lu toutes les paroles

et nous sommes tombés sur
ce poème que Beyoncé a écrit.

« J'ai vu un prédicateur à la télévision
à 4 ou 5h, effrayée par mes cauchemars.

Il a promis qu'il prierait
si je posais ma main sur la télévision.

C'est la première fois que je priais,
traversée par un courant électrique. »

Et la télévision qui transmettait
une prière à Beyoncé, enfant,

est devenue cette sculpture
monolithique pivotante

qui diffusait Beyoncé
jusqu'au fond du stade.

Le stade est un rassemblement de masse,

une population temporaire
de 100 000 personnes,

venues toutes chanter en chœur
toutes les paroles,

mais ils viennent aussi chercher
une intimité en tête à tête

avec l'artiste.

En imaginant le concert,
nous devions offrir l'intimité

à grande échelle.

Cela débute souvent avec des croquis.

Je dessinais ce portrait rotatif
de 18 mètres

de l'artiste en qualité diffusion,

puis je déchirais
la feuille de papier en deux.

Je changeais le masque

afin d'accéder à l'humain en dessous.

Dessiner les croquis est une chose,
mais le traduire

en un bâtiment rotatif accessible
de six étages

demandait des ingénieurs exceptionnels
travaillant nuit et jour pendant 3 mois,

jusqu'à finalement arriver à Miami

pour débuter le concert en avril 2016.

(Vidéo : Applaudissements)

(Musique : « Formation », Beyoncé)

Beyoncé : Vous, les ringards qui me
détestez, et dites que je suis Illuminati

Les paparazzi, mitraillez bien mon style
insolent, ma beauté présomptueuse

Si téméraire et dangereuse
quand je m'affiche dans ma robe Givenchy

Si possessive que j'arbore ses chaînes Roc

Un 'pa d'Alabama

Une 'man de Louisiane

Tu mélanges ce Nègre avec cette Créole

et t'obtiens une plouc texane

(La musique s'arrête)

J'appelle mon travail –

(Applaudissements)

Merci.

(Acclamations, applaudissements)

J'appelle mon travail
la sculpture scénique,

mais bien sûr, ce qui est sculpté,
c'est le ressenti du public.

En tant que
metteurs en scène et designers,

nous avons la responsabilité

de chaque minute
que le public passe avec nous.

Nous sommes un peu comme
des pilotes de ligne

guidant 100 000 passagers
sur une route aérienne.

Pour l'artiste canadien The Weeknd,

nous avons traduit l'esprit
de cette route aérienne

à travers un origami pliable
d'avion en papier

qui décolle au-dessus
des gens dans le public,

pour se désagréger au milieu du vol

et ressortir ensuite rétabli des cendres,

à la fin du concert.

Comme pour chaque vol,

la partie la plus délicate
est le décollage, le début,

car quand vous concevez un concert pop,

la matière première
sur laquelle vous travaillez

ne doit pas fournir beaucoup
d'efforts à transporter.

Cela ne coûte rien,

pourtant, avant le début du concert,
chaque atome d'air en est rempli.

C'est ce qu'attend le public.

Chacun amène avec soi
l'histoire de ce qui l'a mené jusqu'ici,

les distances qu'il a parcourues,

les mois de travail pour payer le billet.

Parfois, ils passent la nuit
dehors près du stade

et notre mission première est d'offrir
au public ce qu'il attend,

un premier contact mémorable
avec l'artiste.

Quand je travaille avec des hommes,

ils sont heureux de voir leur musique
transformée en métaphore –

des vaisseaux spatiaux, des montagnes.

Avec les femmes, nous travaillons plus
sur des masques et des portraits 3D,

car les admirateurs d'une artiste féminine

désirent voir son visage.

Quand le public est venu voir le premier
concert live d'Adele en cinq ans,

ils ont été reçus par
cette image d'elle les yeux fermés.

S'ils y ont prêté attention,

ils ont entendu sa respiration en train
de dormir, se diffusant dans le stade,

attendant de se réveiller.

Voici comment le concert a démarré.

(Vidéo : Acclamations, applaudissements)

(Musique)

Adele : Bonjour.

(Applaudissements)

Es Devlin : Avec U2,
nous voyagions dans le public

sur un terrain couvrant trois décennies
de politique, de poésie et de musique.

Après plusieurs mois à rencontrer
le groupe et ses équipes créatives,

voici l'image qui revenait sans cesse,

celle d'une ligne, d'une rue,

la rue qui connecte le passé
du groupe à son présent,

la corde raide sur laquelle ils ont marché
en tant qu'activistes et artistes,

une virée à travers le cinéma

qui a permis au groupe de devenir acteur

de sa propre poésie.

(Musique : U2 « Là où les rues
n'ont pas de noms »)

Bono : Je veux courir

Je veux me cacher

je veux démolir les murs

qui me retiennent prisonnier

Es Devlin: La fin du concert
ressemble à la fin d'un vol.

C'est une arrivée.

C'est un transfert de la scène au public.

Pour le groupe britannique Take That,

on a envoyé, à la fin du concert,
un androïde de 24 mètres de haut

en plein milieu de la foule.

(Musique)

Comme tant d'autres adaptations
de la musique en mécanique,

on l'avait d'abord jugée totalement
impossible sur le plan technique.

Les trois premiers ingénieurs
consultés nous ont dit non,

et, finalement, nous avons réussi

en conservant toutes les pièces
du système de contrôle ensemble

pendant qu'il parcourait le pays.

Il fallait le replier
sur un camion à plateau

afin qu'il puisse voyager
sans se désolidariser.

Et bien sûr, cela voulait dire que
les dimensions de sa tête

étaient entièrement basées

par la hauteur du plus petit pont routier
qu'il devait traverser pendant la tournée.

Et je dois avouer

qu'il y a un pont inévitable
terriblement bas

juste à la sortie de Hambourg.

(Rires)

(Musique)

Un autre spectacle techniquement très
complexe sur lequel nous avons travaillé

a été l'opéra de Carmen

au Festival de Bregenz, en Autriche.

Nous avions imaginé les mains de Carmen
sortant du lac de Constance,

jetant son jeu de cartes en l'air,

cartes qui resteraient suspendues
entre le ciel et le lac.

Mais ce geste éphémère,
ce coup de poignet,

devait devenir une structure assez solide

pour tenir deux hivers autrichiens.

Il y a tellement de choses
qu'on ne voit pas sur cette photo

et qui demandent un vrai travail.

Il y a beaucoup de lest, d'armature
et d'appuis à l'arrière.

Je vais vous montrer les photos
qui ne figurent pas en ligne.

Ce sont des photos
de l'arrière du plateau,

la partie qui n'est pas conçue
pour que le public la voie

quel que soit le travail requis.

Et c'est un vrai dilemme

pour un artiste qui crée
des décors de scènes,

car la majeure partie
de ce que je fais est faux,

c'est une illusion.

Et pourtant, tous les artistes
cherchent à exprimer une vérité.

On se demande toujours :

« Peut-on exprimer la vérité
en usant de mirages ? »

Quand j'assiste aux spectacles
sur lesquels j'ai travaillé,

je me retrouve souvent à être la seule
à ne pas regarder la scène.

Je regarde quelque chose
que je trouve tout aussi fascinant,

c'est le public.

(Acclamations)

Dans quel autre endroit
verriez-vous ceci :

(Acclamations)

tous ces humains, connectés, concentrés,

absorbés et rassemblés ?

Récemment, j'ai commencé un travail
qui trouve sa source

dans la voix collective du public.

« Les Portraits d'un poème »
est un poème collectif.

Il a commencé
à la Galerie Serpentine de Londres,

tout le monde est invité à laisser
un mot dans un poème collectif.

Et, au lieu de ce grand portrait LED

qui était diffusé au fond du stade,

chaque membre du public

peut emporter son portrait avec lui,

tissé avec les mots

qu'il a apportés au poème collectif.

Il garde ainsi un fragment d'une œuvre
en perpétuelle évolution.

Et l'année prochaine, le poème collectif
prendra une forme architecturale.

Voici le projet de pavillon britannique
pour l'Exposition Universelle de 2020.

Le Royaume-Uni...

De mon vivant,
on ne s'est jamais senti aussi divisé.

Les divisions n'ont jamais semblé
aussi présentes.

Et il n'y jamais eu autant besoin de lieux

où se connecter et converger.

J'ai l'espoir que cette sculpture en bois,

cet instrument de bois,
un peu comme ce violon dont je jouais,

soit un lieu où les gens peuvent
jouer et proposer leurs mots

à l'une des extrémités du cône,

en émerger à l'autre extrémité

et constater que leur mot a rejoint
un poème collectif, une voix commune.

(Musique)

Voici des expériences simples
d'apprentissage automatique.

L'algorithme qui génère
le poème collectif est assez simple.

C'est comme de l'écriture intuitive,

basée sur des millions de mots
écrits par des poètes du 19ème siècle.

C'est donc une sorte de convergence
d'intelligence, passée et présente,

organique et non organique.

Nous avons été inspirés
par les mots de Stephen Hawking.

Vers la fin de sa vie,
il se posait une question simple :

si, en tant qu'espèce, nous rencontrions
une autre forme de vie évoluée,

une civilisation avancée

comment leur parlerions-nous ?

Quelle langue commune parlerions-nous
en tant que planète ?

Le langage lumineux atteint
tous les publics.

Nous en sommes tous touchés.
Personne ne peut y résister.

Au théâtre, on commence chaque pièce
dans un endroit sombre, sans lumière.

Nous restons debout toute la nuit,
fixant la lumière, programmant la lumière,

essayant de trouver de nouvelles façons
de tailler et sculpter la lumière.

(Musique)

Voici un portrait de nos pratiques,

toujours en quête de nouvelles façons
de modeler et remodeler la lumière,

cherchant toujours des mots pour
ce que nous n'avons plus besoin de dire.

Et je veux dire que ceci,

et tout ce que je viens de vous montrer,

n'existe plus sous forme physique.

(Musique)

En fait, beaucoup de mes réalisations
de ces 25 dernières années

n'existent plus.

Mais notre travail perdure dans nos
mémoires, dans des sculptures synaptiques,

dans les esprits de ceux
qui étaient alors présents

dans le public.

(Musique)

J'ai lu, un jour,
qu'un poème appris par cœur

est tout ce qu'il vous reste,

ce qui ne peut pas être perdu,

même si votre maison brûle
et que vous perdez tous vos biens.

Je voudrais conclure avec quelques lignes
apprises par cœur, il y a très longtemps.

(Musique)

Elles ont été écrites par
le romancier anglais E. M. Forster,

en 1910, quelques années
avant que l'Europe, mon continent,

(Musique)

ne commence à se déchirer.

(Musique)

Et son appel à l'unité résonne encore

dans la plupart des choses
que nous faisons maintenant.

(Musique)

« Il suffit de mettre en communication !
En cela tenait tout son sermon.

Il suffit de mettre en communication
la prose et la passion,

et toutes deux s’élèveront.

On contemplera
l’amour humain à sa hauteur.

Il suffit de mettre en communication !
Pour ne plus vivre en fragments. »

Merci.

(Applaudissements)