Arte che esplora il tempo e la memoria

L'artista Sarah Sze ci accompagna in un viaggio caleidoscopico attraverso i suoi lavori: installazioni immersive, alte come edifici, spalmate sui muri, che si muovono in gallerie, sfumando i confini di tempo, memoria e spazio.
Esploriamo come dare significato agli oggetti in questo magnifico viaggio nell'arte esperienziale e multimediale di Sze.

Voglio iniziare con una domanda.

Da dove inizia un'opera d'arte?

A volte questa domanda è assurda.

Può sembrare apparentemente semplice,

come lo era quando ho fatto la domanda
con quest'opera "Portable Planetarium"

che ho fatto nel 2010.

Ho chiesto:

"Come sarebbe costruirsi
un planetario da soli?"

So che ve lo domandate ogni mattina,

ma mi sono fatta questa domanda.

Come artista, ho pensato
al nostro sforzo, al nostro desiderio,

alla nostra ricerca
incessante, negli anni,

di dare un senso al mondo attorno a noi

attraverso i materiali.

E per me, cercare di trovare
una certa meraviglia,

ma anche un senso di futilità
che esiste in ogni ricerca precaria,

è parte della mia arte.

Così metto assieme i materiali
che trovo intorno a me,

li raggruppo e cerco
di creare delle esperienze immersive,

che occupano stanze,
che occupano muri, paesaggi, edifici.

Ma ultimamente, voglio
che occupino la memoria.

Quando finisco un'opera,

mi accorgo che mi rimane un ricordo,
di quel lavoro, che mi brucia in testa.

E questa è la memoria, per me:

l'esperienza improvvisa, e sorprendente,

di essere immersi in un'opera d'arte.

Rimane con me e riappare nel mio lavoro

dopo circa 10 anni.

Ma voglio tornare allo studio
di quando ero dell'università.

È interessante, a volte,
quando inizi un nuovo lavoro,

devi ripulire completamente
il piano di lavoro,

togliere tutto.

Questo non sembrerebbe
la pulizia di un piano di lavoro,

ma per me lo era.

Perché avevo studiato arte
per circa 10 anni,

e quando sono andata all'università,

ho capito che avevo acquisito
abilità, ma non avevo un soggetto.

Erano come abilità fisiche,

perché potevo disegnare
figure velocemente,

ma non sapevo il perché.

Dipingevo bene, ma non avevo contenuti.

Così ho deciso di lasciare
da parte la pittura per un po'

e mi sono fatta questa domanda:

"Come e perché gli oggetti
acquistano valore per noi?"

Perché una maglia che so
che indossano migliaia di persone,

una maglia come questa,

la sento mia?

E ho cominciato questo esperimento,

raccogliendo materiale
che aveva delle specifiche qualità.

Erano prodotti in massa,
facilmente reperibili,

sviluppati unicamente
per il loro utilizzo,

non per la loro estetica.

Cose come stuzzicadenti,
puntine da disegno,

pezzi di carta igienica,

per vedere se nell'energia che ci mettevo,
nelle mie mani, nel mio tempo per loro,

questo atteggiamento poteva dare
un certo valore al lavoro stesso.

Un'altra idea era che volevo
dare vita all'opera.

Volevo toglierla dal piedistallo,

senza metterla in una cornice,

vivere l'esperienza
di raggiungere qualcosa

non perché ti abbiano detto
che è importante,

ma arrivandoci coi miei tempi.

Questa è un'idea molto antica
che esiste nella scultura:

come possiamo infondere vita
in una materia inanimata?

Così sono andata in spazi come questo,

dove c'era un muro,

e ho usato la stessa vernice,

quella tolta dalla parete,

e ho messo la vernice nello spazio
per creare una scultura.

Perché ero anche interessata all'idea

che queste definizioni, "Scultura",
"Pittura", "Installazione" --

nessuna di queste è importante
per il modo in cui vediamo il mondo.

Volevo confondere questi confini,

sia tra gli strumenti
che usano gli artisti,

ma anche confondere l'esperienza
di essere nell'arte e nella vita,

così che quando siete
nella vita di tutti i giorni,

o quando siete in una delle mie opere,

e avete visto, riconosciuto il quotidiano,

potete traslare questa esperienza
nella vostra vita,

e magari, trovare arte anche
nella quotidianità.

Mi sono laureata negli anni '90,

e il mio studio si riempiva
sempre più di immagini,

così come la mia vita.

E questa confusione di immagini e oggetti

era il modo con cui cercavo
di dare un senso ai materiali.

Inoltre, ero interessata a come
questo avrebbe potuto cambiare

il modo in cui sentiamo il tempo.

Se viviamo il tempo
attraverso i materiali,

cosa succede quando immagini e oggetti
si confondono nello spazio?

Così ho cominciato a fare
alcuni esperimenti con le immagini.

Se guardate indietro agli anni
intorno al 1880,

è proprio quando le prime fotografie
sono diventate film.

E li facevano basandosi
su studi di animali,

sui loro movimenti.

Cavalli negli Stati Uniti
e uccelli in Francia.

Questi studi di movimento

lentamente, come gli zootropi,
sono diventati film.

Per cui ho deciso
che avrei preso un animale

e avrei giocato con l'idea

di come l'immagine non sia
più statica per noi, ma in movimento.

Si muove nello spazio.

E così ho scelto il ghepardo come animale,

perché è la creatura più veloce al mondo.

Detiene il record,

e voglio usare il suo record

per renderlo una sorta
di strumento per misurare il tempo.

Ed ecco come l'ho rappresentato
nelle mie sculture

mentre si muove nello spazio.

Questo tipo di inquadrature spezzate
dell'immagine nello spazio,

perché ci ho messo carta da blocchi

e ci ho proiettato sopra le immagini.

Poi ho fatto questo esperimento
in cui c'è una specie di gara,

con questi nuovi strumenti
e video con cui potevo giocare.

Così il falco sprinta in avanti,

il ghepardo, arriva per secondo,

e il rinoceronte cerca
di raggiungerli dal fondo.

Poi, per un altro esperimento,

stavo pensando a come,

se cerchiamo di ricordare
una cosa accaduta

quando avevamo, per dire, 10 anni,

è già difficile ricordare
cosa è successo in quell'anno.

E io, posso pensare
a un episodio, forse due,

e quel preciso momento
si espande nella mia mente

e riempie tutto quell'anno.

Per cui noi non viviamo il tempo
in termini di minuti e secondi.

Questo è un fermo immagine
del video che ho fatto,

stampato su carta,

la carta è piegata
e il film è proiettato sopra.

E volevo giocare con questa idea

di come in questa immersione totale
di immagini che ci circondano,

come possa un'immagine crescere
e quasi perseguitarci.

Avevo tutti questi--

questi sono tre dei circa 100 esperimenti

che ho fatto con le immagini
per oltre dieci anni:

non li avevo mai mostrati,

e ho pensato a come portarli
fuori dallo studio,

in uno spazio pubblico,

ma conservando questo tipo di energia
che arriva dalla sperimentazione

che vedete quando
andate in un laboratorio,

quando andate in uno studio.

Stavo per tenere una piccola mostra
quando ho pensato,

ok, metto la mia scrivania
proprio al centro della stanza.

E così ho preso la scrivania
e l'ho messa nella sala

e ha funzionato in un modo
totalmente inaspettato,

e c'era questo sfarfallio che arrivava
da lontano, a causa degli schemi.

E tutti proiettori puntavano

in modo che la luce creasse
uno spazio attorno,

ma si era attirati dallo sfarfallio,
come lo si è dalla luce.

E poi ci si trovava avvolti nell'opera

ad un livello che tutti conoscono

come stare di fronte a una scrivania,
a un lavandino o un tavolo,

ed essere poi immersi
in questa dimensione,

in una scala uno a uno
del corpo in relazione con l'immagine.

Ma sulla superficie,

c'erano queste proiezioni
sulla carta mosse dal vento,

per cui c'era questa confusione

su cosa sia un'immagine e cosa un oggetto.

Questo è il mio lavoro quando l'ho messo
in una stanza più grande,

e quando ho finito quell'opera

mi sono resa conto di aver creato
l'interno di un planetario,

senza nemmeno accorgermene.

E mi sono ricordata che da bambina,
mi piaceva andare al planetario.

E in quegli anni nel planetario

non c'erano solamente

quelle stupende immagini
proiettate sul soffitto,

ma si vedeva anche il proiettore
che ronzava e sfarfallava,

e questa macchina incredibile
nel mezzo della stanza.

E in quel momento, vedendo la gente
nella stanza che guardava in alto,

perché in quel momento c'era un pubblico,

vedendoli, e facendone l'esperienza,
essendo in mezzo a loro.

Questa è una foto
che ho scaricato da internet

di gente che si fotografa nella mia opera.

E mi piace questa fotografia

perché si vede come le persone
si confondono con l'opera.

Così si vede l'ombra di un visitatore
davanti alla proiezione,

e si vedono anche proiezioni
sulla maglietta di uno del pubblico.

C'erano questi autoritratti
fatti all'interno dell'opera,

poi pubblicati,

e sembrava un processo ciclico
di creazione di immagini.

E una specie di fine.

Mi ha riportato alla mente
il planetario, e i suoi interni,

e ho ricominciato a dipingere.

E penso che un dipinto si basi

sulle immagini interiori
che tutti noi abbiamo.

Ci sono così tante immagini interiori,

e siamo così abituati
a guardare cosa c'è al di fuori.

E come conserviamo i ricordi
nella nostra mente,

come certe immagini escono fuori dal nulla

o possono sgretolarsi col tempo.

E ho cominciato a chiamare
"Post-immagini" queste serie,

riferendomi all'idea che se noi tutti,
adesso, chiudiamo gli occhi,

possiamo vedere questa immagine
sfarfallante che persiste,

e quando li riapriamo, è ancora lì -

succede sempre.

Una post-immagine è qualcosa
che la fotografia non può sostituire

non lo si prova con una foto.

Ti fa riflettere sui limiti
delle lenti fotografiche.

Così ho avuto l'idea di prendere
immagini che erano fuori di me--

questo è il mio studio--

e provare ad immaginare come
sarebbero state rappresentate dentro di me

Cosi, molto brevemente,
farò una carrellata

per mostrarvi come un processo
può portare all'opera successiva.

Può cominciare con uno schizzo,

o un'immagine sepolta nella mia memoria

risalente al diciottesimo secolo--

il "Colosseo" di Piranesi.

O il modellino costruito
attorno a una palla da basket,

la proporzione si vede
dalla tazza rossa lì dietro.

E questo modello può essere messo
in un'opera più grande, come un seme,

per far germogliare un'opera
ancora più grande.

E quest'opera può riempire
uno spazio molto, molto grande.

Ma si può anche ridurre
a un video del mio IPhone,

di una pozzanghera in una notte piovosa,
fuori dal mio studio.

Questa è una post-immagine
del quadro che avevo nella mia memoria,

e anche questo quadro
può sbiadire, come la memoria.

Questa è la misura
di un'immagine molto piccola

dal mio album da disegno.

Potete vedere come si ingrandisce

in una stazione della metro
che si espande per tre isolati.

E vedete che entrare nella stazione

è come un viaggio nelle pagine
di un blocco da disegno, vedete?

Una sorta di diario
scritto su uno spazio pubblico,

in cui scorrete le pagine
di 20 anni di lavoro artistico

mentre vi spostate all'interno
della metropolitana.

Ma anche questo disegno ha
un'origine diversa,

nasce da una scultura
che sale su un palazzo di sei piani,

basata su un gatto, risale al 2002.

Me lo ricordo perché in quel periodo
avevo due gatti neri.

E questa è un'immagine
di un'opera in Giappone

dove vedete la post-immagine
nella metropolitana.

O un'opera a Venezia,

dove vedete un'immagine impressa sul muro.

O come una scultura
che ho fatto a SFMOMA nel 2001,

dove ho creato questa specie
di linea dinamica,

l'ho copiata per creare
questa linea dinamica

mentre scendete nella metro.

E questa mescolanza di tecniche
mi interessa molto.

Come si può prendere una linea
che crea tensione come una scultura

e metterla su stampa?

O usare in una scultura
linee che sembrano disegnate,

per creare una prospettiva spettacolare?

Oppure, come può un quadro
imitare il processo di stampa?

Come può una installazione
usare le lenti fotografiche

per incorniciare un paesaggio?

Come può un dipinto su dei fili
diventare un'esperienza in Danimarca,

nel bel mezzo di una passeggiata?

E come si può creare
un'installazione sulla High Line,

che si mimetizza nella natura stessa

e diventa habitat per la natura
che la circonda?

E finisco con due realizzazioni
a cui sto lavorando adesso.

È un pezzo che si chiama "Cielo Caduto"

ed è un'opera permanente
per la Valle dell'Hudson,

ed è come se il planetario
fosse finalmente caduto

e fosse atterrato sulla Terra.

Questo è un lavoro del 2013
che sta per essere reinstallato,

sta per avere una nuova vita
alla riapertura del MOMA.

È un'opera in cui la scultura
è lo strumento stesso.

Per cui il pendolo, mentre oscilla,

è impiegato come strumento
per creare l'opera.

Ogni pila di oggetti

è sotto di un centimetro
rispetto alla punta del pendolo.

Così c'è questa combinazione
tra la calma di questa oscillazione,

e la tensione che potrebbe,
in ogni momento, distruggere l'opera.

Quindi non importa veramente
dove vanno a finire queste opere,

perché la questione importante per me

è che alla fine rimangono
nella nostra memoria

e creano idee al di là dell'opera stessa.

Grazie.

(Applausi)